FREE FORM, FREE JAZZ

'Space is the Place' (I)

2012-02-09T10:50:00.004-02:00

Curiosa a repercussão da passagem da Sun Ra Arkestra pelo país. Há tanta gente assim interessada em avant-jazz? É o que parece, ao menos tem se falado no grupo em todos os cantos, até sessão extra no domingo o Sesc teve de anunciar... O mesmo ocorreu quando Ornette Coleman e Pharoah Sanders aportaram por aqui. Por outro lado, notem a magra repercussão que teve a vinda de nomes mais relevantes do que esses para a contemporaneidade sonoro-avant-jazzística (Ken Vandermak, Matthew Shipp, Mats Gustafsson) e ficará claro que há algo de estranho nessa conta... Bom seria se o chamariz das “estrelas” do free jazz levasse os ouvidos desse público mais vasto também para nomes novos (ou nem tanto) dessa seara que têm visitado nossos palcos...
Curioso lembrar que Sun Ra (1914-1993) voltou para Saturno há quase duas décadas! Mas o fascínio com o universo criado pelo músico americano parece permanecer intacto.

(Sun Ra Arkestra. Spain, 1985)

Praticamente desconhecido até o início dos anos 1950, quando se transmutou definitivamente em Sun Ra, o pianista Herman ‘Sonny’ Blount provavelmente teria sido apenas mais um nome perdido no universo jazzístico do passado. O máximo que a biografia do pianista traz em suas primeiras décadas é um trabalho durante breve período como arranjador na orquestra de Fletcher Henderson (1897-1952). Isso foi em 46/47, quando o bebop era o que de mais moderno se fazia. E Herman tocando o velho swing ao lado de uma orquestra em fim de vida... Mas o inevitável não tardaria: os anos 1950 trouxeram o desabrochamento da persona Sun Ra: uma nova identidade e a articulação de um campo sonoro inaudito. Em meados daquela década, a Arkestra concebida pelo instrumentista já contava com seus membros fundamentais –John Gilmore (1931-1995), Pat Patrick (1929-1991) e Marshall Allen (1924)–, começando a arquitetar sua discografia, que superou os 200 títulos. Dos ainda tímidos experimentos de discos como “Sound of Joy” (57) e “Jazz in Silhouette” (58), Sun Ra rumaria à abertura sonora máxima a partir dos 60's, período em que trocou Chicago por NY e se enturmou com o pessoal do free jazz nascente. “Other Planes of There” (64) e “The Heliocentric Worlds of Sun Ra” (65) já testemunham o melhor do som da Arkestra estruturado, com longos temas, improvisações ariscas, amplitude percussiva, efeitos auditivos e visuais –marcas que acompanhariam a banda em suas variadas encarnações e que dão os fundamentos do que seus discípulos oferecem ainda hoje.

A Arkestra –o nome faz referência à Noah’s Ark: a função primordial da Arkestra era abrigar os espécimes escolhidos por Sun Ra para fazerem a travessia a seu universo– foi/é mais do que apenas uma orquestra. Antecipando certo espírito sessentista, foi concebida como uma comunidade para o desenvolvimento de um projeto artístico que sobrevive há mais de meio século. A partir desse ponto de vista, é possível entender os motivos de a Arkestra permanecer viva mesmo após a morte de seu fundador, sem que isso soe apenas como truque de marketing ou incurável nostalgia.

Dentre os escolhidos para adentrar a sagrada Arkestra, há um brasileiro, o percussionista Elson Nascimento, que se juntou à trupe em 1988 e permanece por lá até hoje.

“Eu saí de São Paulo, Vila Maria, trabalhei por seis anos com grupos brasileiros [nos EUA], até que um dançarino da Arkestra levou Sun Ra e Marshall Allen para ver nosso show. Depois do show fomos conversar com ele, que nos convidou para participar de alguns concertos em grandes festivais, Detroit e Chicago, eu e dois capoeiristas... Nunca tinha ouvido falar em Sun Ra [antes disso]...”, disse o percussionista em conversa com o Free Form, Free Jazz.

E como é estar envolvido com essa tentativa de manter o legado de Sun Ra pulsando? Era um desejo do próprio que a Arkestra sobrevivesse a ele?
“O legado do Sun Ra não precisa ser mantido, ele se mantém por conta própria. Os ensinamentos do Sun Ra foram muitos, ele era um ótimo estrategista, com um conhecimento impressionante. Manter a Arkestra é uma pequena prova de que aprendemos um pouco com ele.
“É um orgulho muito grande para um brasileiro, porque trabalhar na Arkestra é especial... Depois que o Sun Ra partiu, já estivemos em vários lugares, fomos ao Brasil no Chivas Jazz de 2004, do Toy Lima, produtor corajoso que levou a gente aí, um lugar que o Sun Ra sempre quis ir, [também fomos a] Irlanda ,Sibéria, Austrália, mais recentemente a Israel, e isso para mim é um orgulho, ter sido treinado pelo Sun Ra...”

Como se estruturam os concertos? Há música nova também?
“O Marshall Allen é o líder total da música da Arkestra hoje, ele tem muita similaridade com o Sun Ra, escreve, arranja, escolhe o repertório, onde tocamos e parte do gerenciamento do grupo.
“O Marshall tem muitas composições novas que nós já gravamos, além de muitas músicas do próprio Sun Ra para tocar, precisamos é de mais shows... [No Sesc] serão concertos de uns 90 minutos. Na verdade não trabalhamos com roteiro, o Marshall decide na hora, espero que dê tempo para tocarmos bastante música e deixar todo mundo contente.”

-------------------------------------------
Quando: 10/2 (sex), às 21h
Onde: Sesc Ribeirão Preto (Teatro Municipal)
Quanto: R$ 10 (inteira)

Quando: 11/2 (sáb), às 21h30
Onde: Sesc Pompeia
Quanto: R$ 32 (inteira)

Quando: 12/2 (dom), às 17h
Onde: Sesc Pompeia
Quanto: R$ 32 (inteira)

------------------------------------------------
**Photo: Sun Ra e Elson Nascimento - by Manfred Rinderspacher

Sons nas Redondezas - VIII

2012-02-05T20:28:00.000-02:00

Arranjador. Compositor. Instrumentista. Criado em um ambiente musical, no qual seu pai, avô e tios se reuniam nos finais de semana para tocar choros, sambas, valsas, serestas e música caipira. Sua avó materna cantava muito bem e participou de alguns programas de calouros quando era jovem. Anos mais tarde, convidou-a para cantar em seu primeiro disco “Na Gafieira”. Iniciou seus estudos de saxofone aos 11 anos de idade. Começou a compor aos 16. Em 1999 ingressou no curso de Música Popular da Unicamp, em Campinas (SP). Em 2001 retornou à sua cidade natal, Belo Horizonte, e entrou para o curso de Música Erudita na Universidade Federal de Minas Gerais.

É assim que o Dicionário Cravo Albin apresenta Thiago França, um dos músicos mais ativos desses tempos. O saxofonista mineiro (1980, Belo Horizonte), envolvido com variados trabalhos de sotaques tantos –samba, gafieira, chorinho, improvisação, jazz, instrumental livre, o som dos terreiros e ritmos outros da África–, tem participado de uma serie de lançamentos/novidades: dos projetos MarginalS, Sambanzo e Metá-Metá, a colaboarações em discos/shows de Criolo, Tulipa Ruiz e Romulo Fróes, muito da música tocada e dançada por aí teve seu sopro envolvido. França, que também toca flauta e explora pedais, não deve (e não gostaria, penso) ser rotulado/encarado como um instrumentista de veia jazzística. O mundo sonoro brasileiro é que se revela como a base fundamental e fundadora de sua arte.

Atravessando momento de intensidade indiscutível, mais novidades vêm por aí: para muito breve, aguarda-se a chegada do primeiro álbum do “Sambanzo”, que já editou um single. “Sambanzo-Etiópia” é/será seu nome.
“O Sambanzo é o meu projeto solo, autoral, não é exatamente uma banda”, explica França. O sugestivo nome criado pelo músico dá pistas do que esperar, rastros de matriz sonora brasileira embebida de banzo, de saudades da África-mãe perdida...

“O Sambanzo é um desdobramento do meu primeiro trabalho solo, "Na Gafieira", que é um disco de samba e choro, instrumental também. Eu sempre fui muito próximo da canção e aos poucos fui sentindo que as coisas mais simples eram as que davam mais certo, suingavam mais. Eu parti em busca da pedra-fundamental da gafieira, do que faz o público dançar, e a ficha caiu frequentando o candomblé. Ali eu encontrei um próto-samba, melodias simples e fortes, de pergunta e resposta, tocado com uma intenção muito diferente do samba que se faz hoje nas rodas. Lá eu entendi o lance de "ficar tocando", que é muito distante dos formatos fechados radiofônicos. As músicas eram cantadas uma vez ou trinta, o quanto aquele momento do ritual necessitasse”, contou o saxofonista.

No single já lançado do Sambanzo, o saxofonista alcançou ao menos um momento esplendoroso, de fatura mística que remete a tintas traneanas e wareanas: “Ngoloxi” (título extraído de uma espécie de reza do candomblé). São mais de nove minutos ao lado do guitarrista Kiko Dinucci em que, como explica o músico, há uma melodia não exata que vai se desenvolvendo e se perde, entre divagações e ligeiros arroubos. Mesmo que Thiago esteja bastante focado no fator ‘bailante-ritualísitico’, o que ele atinge aqui é o ‘contemplativo-ritualísitico’ que, de certa forma, acaba por dialogar com o melhor do spiritual-jazz (Alice, Pharoah) dos 60/70, com as cordas de Kiko iniciando a jornada traçando rastros de pinçadelas orientalistas, entre sutilíssimos pontos de silêncio sobre os quais a ‘melodia não-exata’ do sax tenor vai deslizando, lentamente se encorpando em meio à progressiva aceleração do dedilhado, rumo ao ápice dos 4/5 minutos. “Ngoloxi” (ouça abaixo) é uma faixa de imprecisa localização espacio-temporal, diversa do resto do trabalho do “Sambanzo” apresentado até o momento. Que venham mais Ngoloxis...

Ngoloxi by thiagosax

Com outra visada, Thiago França desenvolveu seu mais comentado projeto: o trio MarginalS. Formado ao lado de Tony Gordin (bateria) e Marcelo Cabral (baixo), o MarginalS soltou o primeiro disco em 2011. Tendo como norte a improvisação, o trio estabelece conexões, mesmo que não-intencionais, com certo modern creative que tem revigorado a cena jazzística mundo afora, sem visitar extremos noise ou abstratos. Como toda competente improvisação, por mais liberdade de que goze, não nasce em um vácuo, a sonoridade do MarginalS desvela, em meio a suas particularidades, a multiplicidade de músicas que compõem (ou devem compor) a trilha (profissional e auditiva) de seus autores: jazz e rock, ritmos e gêneros brasileiros, africanidades e liberdade para juntar tudo isso e extrair nova fatura.

No MarginalS, a noção de improvisação livre não carrega ensinamentos da escola europeia de free improvisation, absorvida e deglutida por outros grupos nacionais, como o Abaetetuba, o Mnstr Combo ou o Mnemosine 5. Talvez por isso, em uma ouvida primeira, seu disco de estréia, dentro do processo de criação espontânea a que se propõe, estabaleça conexões mais explícitas com certas linhagens do jazz contempoâneo do que com o free impro –mesmo que França demonstre não se sentir muito confortável com o termo jazz:

“Na minha visão, os grupos instrumentais que estão se destacando [no país] e despertando o interesse do público são aqueles que fogem dum modelo tradicional jazzístico. (O jazz é maravilhoso, mas o jazzista estraga o lance. Manja Adorno, "Em defesa de Bach, contra seus defensores"? É a mesma coisa.) Criou-se em torno do jazz um ranço de música elitista, intelectualmente superior, extremamente técnica, uma música pra ser apreciada de uma única forma, com o público sentado contemplando o músico. É o holofote, o indivíduo, cada hora um. Ao invés disso, existe uma preocupação com a estética, com os timbres, composições e arranjos, tudo que valoriza o coletivo. Uma pegada mais "rock n roll", mais orgânica, até visualmente os grupos parecem mais unidos”, avalia o instrumentista.

Encontro recente com Thomas Rohrer (rabeca e soprano) acabou por revelar uma outra face/pegada do trio. Rohrer é um dos mais intensos improvisadores da cena local, sendo o grande parceiro do decano da percussão livre brasileira, Panda Gianfratti.
Foi no palco do espaço +Soma, em fevereiro passado, que Rohrer se juntou ao MarginalS. Para o impressivo resultado (não lançado fisicamente, mas disponível para ouvir mais abaixo) foi fundamental a abertura do trio, que trata Rohrer como um parceiro e não um convidado e mostra que encontros entre visadas diversas do instrumental nacional atual podem gestar resultados de interesse revigorado. A intromissão, direta ou telepática, de Rohrer conduz o trio em muitos momentos às fronteiras da free improvisation, se distanciando do que o MarginalS apresentou em seu disco –as faixas 3 e 5 são boas testemunhas desse ponto. Quem já foi seduzido pelo MarginalS, talvez se delicie mais com a faixa 2, marcada pelo jogo entre os sopros, além de um grudento fragmento melódico que se repete melancolicamente no tenor.

MARGINALS + THOMAS ROHRER by MARGINALS

--------------------------------------------------------
"MARGINALS + MC Rodrigo Brandão"

Nesta semana, o MarginalS estará no Sesc, sendo uma das atrações do 'Nublu Jazz Festival'. Como convidado, o trio terá o MC Rodrigo Brandão, prometendo extrair nova fatura de suas improvisações. Na(s) mesma(s) noite(s), haverá show do Wax Poetic com Tulipa Ruiz.

Quando: 8/2 (qua), às 21h
Onde: Sesc Ribeirão Preto (Teatro Municipal)
Quanto: R$ 10 (inteira)

Quando: 9/2 (qui), às 21h30
Onde: Sesc Pompeia
Quanto: R$ 32 (inteira)

Anotem na agenda: Ken Vandermark está de volta!

2012-02-03T21:54:00.004-02:00

Em papo rápido com Ken Vandermark no fim do ano, perguntei quando teríamos o prazer de vê-lo uma vez mais nas redondezas, ao que respondeu: voltaria assim que houvesse um convite. E parece que o convite não tardou: este que é um dos maiores saxofonistas em atividade retornará ao país em março.

Dessa vez, Vandermark terá um companheiro diferente: Christof Kurzmann, com quem tocará em duo, dia 24 de março em São Paulo e dia 27 em Florianópolis.

Kurzmann é um austríaco que tem vivido na Argentina e lida com eletrônicos/computador, sax e guitarra. No último sábado, ele tocou em Buenos Aires com Sabu Toyozumi. Há pouco, Kurzmann e Vandermark lançaram o álbum "El Inferno Musical", inspirado em textos da brilhante poeta argentina Alejandra Pizarnik (1936-1972).

Os shows ainda não foram divulgados oficialmente... Esperamos que nenhuma surpresa desagradável estrague esse momento de euforia...

(Ken Vandermark, Luc Ex e Mark Sanders no CCSP. 2010, São Paulo/Brasil.)

A arte do trio, por Yosuke Yamashita

2012-01-30T23:13:00.008-02:00

Ainda nos anos 1960, a primeira geração de free jazzistas japoneses despontou. Muitos deles iniciaram a carreira tocando jazz, alguns rock. Na virada dos 60/70, a cena japonesa já contava com instrumentistas do quilate de Masayuki Takayanagi, Kaoru Abe, Motoharu Yoshizawa, Masahiko Togashi, Sabu Toyozumi, Mototeru Takagi... E, dentre esses e outros, estava o pianista Yosuke Yamashita.

Tendo Cecil Taylor como um de seus heróis, Yosuke Yamashita (1942, Tóquio) se profissionalizou muito cedo, antes dos dezoito anos, encarando a noite de Tóquio em diferentes demandas e contextos artísticos. Patrono do piano free japonês, Yamashita se tornaria conhecido principalmente pelos trabalhos em trio, seu formato favorito.
Era 1969 quando botou na estrada seu primeiro grande trio, ao lado de Seiichi Nakamura (sax) e Takeo Moriyama (bateria). Com tal formação deixaria seus primeiros registros, dentre esses “Concert in New Jazz” e “Mina´s Second Theme”, ambos de 69. Chegado o ano de 73, Nakamura cederia lugar para o sax de Akira Sakata, com o trio de Yamashita assumindo sua encarnação mais celebrada. O grupo colocaria na praça os intensos “Clay”, “Live 1973” e “Frozen Days”, logo fazendo turnê de estreia na Europa, no palco do Berlin Jazz Festival (74). Antes de acabar a década, desembarcaram no festival de Montreaux; os EUA seriam conquistados em 79, durante o Newport Jazz Festival. Nesse ano, Yamashita ainda deixaria um importante registro, “First Time”, gestado em parceria com o pessoal do AEC (Joseph Jarman, Famoudou Don Moye e Malachi Favors).

Em cena: Y.Yamashita Trio no filme “Ecstasy of the Angels”, de K. Wakamatsu. 1972.

Nos anos 1980, o pianista deu um tempo com o tradicional trio de compatriotas e formou um novo grupo, o “New York Trio”, repartindo os créditos com os americanos Cecil McBee e Pheeroan akLaff; logo editariam o já clássico “Sakura” (90). Manfred Schoof, Bill Laswell, Elvin Jones, Lester Bowie e Ravi Coltrane seriam outros estrangeiros a cruzaram o rumo de Yamashita em algum momento. O pianista também passou com o tempo a dedicar parte de seu labor ao formato solista. “Banslikana” (76), que traz improváveis standards (‘A Night in Tunisia’, ‘Autumm Leaves’) entre improvisos e temas próprios, exibe com vigor o instrumentista desacompanhado. Nos últimos anos, enquanto parte de sua extensa discografia tem recebido edições novas, saindo em muitos casos pela primeira vez em formato digital, Yamashita, conhecido em seu país também como escritor e ensaísta, diminuiu o ritmo, estando meio afastado de palcos e estúdios.

Um dos álbuns imperdíveis do Yosuke Yamashita Trio é Chiasma, gravado ao vivo em 1975. Aqui podem ser apreciados com vagar tanto o dedidalhado do músico (em primeiro plano nos dois temas de abertura, construídos apenas com piano e bateria) quanto a ação mais arisca do trio, elevada com a entrada do sax de Sakata a partir da faixa-título –Mats Gustafsson já resgatou a faixa ‘Chiasma’, em releitura com o sempre incrível The Thing.
Esse álbum é mais um capítulo pesado da explosiva cena japonesa, marcada por sua própria vertigem sonora, obrigatória e essencial.

*Yosuke Yamashita: piano
*Akira Sakata: sax (alto)
*Takeo Moriyama: bateria
chsm

Recorded live June 6, 1975 at the Heidelberger Jazztage.

Desembarcamos no Twitter...

2012-01-26T20:57:00.002-02:00

Agora o Free Form, Free Jazz está também no Twitter.
Mais informação, agenda e dicas musicais.
Participem, mandem notícias/novidades de projetos com os quais estejam envolvidos ou achem que mereça atenção.

Sigam-nos, por aqui:
@freeformjazzy

O ano já começou (e parece que vem forte!)

2012-01-20T22:44:00.007-02:00

Estamos ainda em janeiro e a agenda sinaliza que este deve ser um ano de grandes shows, bem agitado. Tim Berne e Sun Ra Arkestra abrem os trabalhos e elevam a expectativa de fortes concertos à frente –uma pianista, dentre os maiores do instrumento, está cotada para nos visitar ainda no primeiro semestre... vamos ver...
Por enquanto, anotem e aproveitem as primeiras opções bacanas de 2012:

***JANEIRO***

“DAVID TORN e TIM BERNE”

Avisamos ainda em agosto por aqui e agora chega a hora: Tim Berne (sax) e David Torn (guitarra). Estes, que são dois nomes expressivos da música free contemporânea, prometem apresentar um concerto de alta divagação ruidosa, improvisação livre de ponta. O trio é completado por Ches Smith (bateria e eletrônicos). Berne é figura central do jazz/free mais exploratório feito desde os 80s, sendo um dos epicentros da downtown scene de NY. Torn é um guitarrista inventivo dos mais requisitados, tendo dividido experiências com Jeff Back, David Bowie, Don Cherry e outros tantos.

Quando: 21 (sab), às 21h; e 22 (dom), às 18h
Onde: Sesc Belenzinho
Quanto: R$ 32 (inteira)

--------------------------------------------------------------

“MNEMOSINE 5”

Da improvisação livre internacional vamos à improvisação livre local. Um dos novos grupos de free impro que têm brotado na área, o Mnemosine 5 faz seu concerto de estreia neste sábado. Formado por Vagner Pitta (violino), Biaggio Vessio (guitarra), Romulo Alexis (trompete), Alex Dias (baixo) e Marcos Moreira Motta (bateria), o quinteto promete um show sem fronteiras e amarras. Projeto a ser acompanhado com atenção.

Quando: 21 (sab); às 19h
Onde: Casa Pelada (R. Guararema, 442. Saúde)

--------------------------------------------------------------------

“MICHEL LEME e ALBERTO MARSICANO”

Curiosíssimo encontro entre o guitarrista Michel Leme e o citarista Alberto Marsicano. Representantes de searas distintas, devem trazer sons (e público) variados, em uma noite de celebração instrumental pouco ortodoxa.

Quando: 27 (sex), às 20h30
Onde: Sesc Vila Mariana
Quanto: R$ 12 (inteira)

-----------------------------------------------------------------

“BILLY COBHAM”

Billy Cobham, 67, é um dos bateristas centrais do fusion setentista. Tocou com Miles Davis no importante “A Tribute to Jack Johnson” (que promete resgatar na apresentação), tendo feito parte também da clássica formação do ícone jazz-rock “Mahavishnu Orchestra”. Para os músicos de plantão, haverá também workshop com o percussionista.

Quando: 28 (sab), às 21h; e 29 (dom), às 18h
Onde: Sesc Pinheiros
Quanto: R$ 40 (inteira)

------------------------------------------------------------------------------

***FEVEREIRO***

“SUN RA ARKESTRA”

Dando as boas-vindas a fevereiro, desembarcará por essas terras a mí(s)tica Sun Ra Arkestra. Mesmo sem seu lendário mentor-fundador, o pianista/tecladista/compositor intergalático Sun Ra (1914-1993), a Arkestra ainda consegue imprimir momentos de grande fúria e delírio sonoros, sob o comando do genial saxofonista Marshall Allen, do alto de seus 87 anos de vida terrena. (atenção: além de SP-capital, passarão pelo interior paulista.)

Quando: 10/2 (sex), às 21h
Onde: Sesc Ribeirão Preto (Teatro Municipal)
Quanto: R$ 10 (inteira)

Quando: 11/2 (sab), às 21h30
Onde: Sesc Pompeia
Quanto: R$ 32 (inteira)

Músicos de (praticamente) um tiro só: Arthur Jones

2012-01-19T23:05:00.004-02:00

Arthur Jones (1940-1998) é um dos free jazzistas do qual menos se tem informações. Vindo de Cleveland e envolvido com o rock, conta-se que mudou de rumo ao descobrir dois fundamentais pioneiros do sax alto livre, seu instrumento: Ornette Coleman e Eric Dolphy. Deslocando-se para Nova York, seduzido pela vibração incendiária do free jazz, teve em gigs com Sunny Murray suas incursões iniciais nesse universo. Em 1967 entraria em estúdio pela primeira vez, participando das sessões de “Your Prayer”, do também saxofonista Frank Wright (1935-1990). Mas seria somente em Paris, pouco depois, que teria seus momentos mais intensos.

O ano era 1969. E Arthur Jones, junto a outros free improvisers americanos exilados na capital francesa, entrou em estúdio seguidas vezes. Apenas naquele ano, deixou seu nome nos créditos de álbuns de Archie Shepp (“Yasmina, a Black woman”), Dave Burell (“Echo”), Clifford Thornton (“Ketchaoua”), Jacques Coursil (“Way Ahed”), Burton Greene (“Auqariana”) e Sunny Murray (“Hommage to Africa”). É também em 69 que brotam os únicos dois discos com sua assinatura na capa: “Africanasia”, coautoria com Claude Delcloo, e o mágico “Scorpio”, rebento único como líder. Passada essa explosão criativa, Jones desapareceria. Nem livros nem sites especializados trazem dados sobre o rumo que o saxofonista tomou, se permaneceu muito tempo na Europa, se chegou a circular pela cena loft dos 70s, se abandonou de vez a música e foi procurar outra forma de sobrevivência ou mesmo se enlouqueceu... Alguns até consideram que o registro de sua morte em 98, na cidade de NY, não é totalmente confiável...

Scorpio foi registrado em trio com os franceses Beb Guerin (1941-1981), baixista, e Claude Delcloo, baterista. O álbum apresenta quatro temas de Jones, que exibem o quanto o músico era um melodista criativo e um solista ácido. “C.R.M.” e “B.T.” formam o lado A do disco com um tom mais arisco e quente, em que Delcloo arrasta Jones ditando as acelerações/contenções que marcam as peças. Muito do fraseado ornetteano está presente, uma influência clara. Mesmo sendo o ‘líder’, Jones mostra no trabalho o quanto era generoso: em C.R.M., por exemplo, sai de cena e deixa Guerin divagar com seu baixo durante longuísimo tempo (entre os 4 e 9 minutos). No lado B, o tom muda. A balada “Sad Eyes” –regravada por David S. Ware em “Flight of I”, de 91 –, a faixa mais extensa do registro, abre a segunda face do disco mostrando bem como o saxofonista estava atento e focado no extrato melódico, destilando um tema tristíssimo e dolorosamente arrastado. “Brother B.”, a melhor de Jones, encerra a sessão, desenvolvendo-se em três etapas. Após uma abertura sombria, em que sax e baixo criam uma atmosfera sedutora, há uma sutil parada; na sequência, o baixista inicia o dedilhado de um tema de superfície, chamando a bateria, que por sua vez convoca o sax, que entra em circular movimento, perdendo-se em explosivas intervenções, mas sempre retornando ao ponto de partida; após quase três minutos nessa toada, a abertura sombria é retomada, agora com sentido de epílogo e despedida. Scorpio é mais uma gema de beleza e fulgor ímpares, perdida e esquecida no tempo, nunca reeditada.

scrp

A1. C.R.M. (10:09)

A2. B.T. (8:02)

B1. Sad Eyes (13:04)

B2. Brother B. (7:22)

*Arthur Jones: sax alto

*Beb Guerin: bass

*Claude Delcloo: drums

Recorded in Paris, August 1969.

Punk improvisation: The Ex + sopros (II)

2012-01-15T18:04:00.004-02:00

The Ex & Brass Unbound é um dos projetos de alta tensão surgidos nesses tempos. Foi formado a partir do encontro da banda punk holandesa The Ex com nomes da free music –Ken Vandermark e Mats Gustafsson estão na roda– em 2010, guitarras e sopros em ebulição.

O cineasta irlandês Daragh McCarthy aproveitou a passagem do The Ex & Brass Unbound por Dublin, em fevereiro de 2010, para registrar o grupo em ação. O resultado é este "ColdWeather : A Concert Film", quase uma hora de som fresco e vital. McCarthy tem em seu currículo outros títulos musicais, como o documentário “The Stars are underground”, que retrata a cena punk/hardcore da Irlanda nos anos 1990, e “Teo”, sobre a vida do super-produtor de jazz Teo Maceo. Imperdível:

*Arnold de Boer: vocals, guitar, sampler
*Terrie Ex: guitar, baritone guitar
*Andy Ex: guitar
*Katherina "Ex" Bornefeld: drums, vocals

*Mats Gustafsson: baritone saxophone

*Ken Vandermark: tenor saxophone

*Roy Paci: trumpet

*Wolter Wierbos: trombone

Live in Dublin on last date of European Tour, February 2010 at The Button Factory.

Sons nas Redondezas - VII

2012-01-13T23:23:00.013-02:00

Instrumental de ponta com diversos sotaques foi uma das marcas do som brasileiro em 2011. E não estamos falando da free music/improvisação livre que comanda este espaço e buscamos cobrir mais proximamente, mas de propostas, discos, músicos novos e resultados diversificados que pipocaram em outras cercanias. É curioso que um país tão ligado à voz consiga produzir também tão variada amostra de inquietante música instrumental –e não apenas presa ao formato clássico “instrumental brasileiro”, que aprendemos a identificar em grupos que surgiram especialmente após os anos 1980...

Seguem, então, algumas dicas de audições que merecem uma conferida:

Um dos últimos discos que chegaram às mãos no ano foi a estréia do jovem baixista mineiro Frederico Heliodoro, “Ao Vivo no Café com Letras”. Em seis composições próprias, Frederico, 23, é acompanhado por um sintonizado trio –Rafael Martini (piano), Pablo Passini (guitarra) e Felipe Continentino (bateria) –, com o qual já se apresentou em SP (há algumas semanas, estiveram no Jazz nos Fundos). O conjunto surge como candidato a se tornar assíduo frequentador dos variados festivais de jazz que têm se espalhado pelo país. Frederico disse em entrevista que prefere falar em “música contemporânea brasileira instrumental” do que em jazz para definir seu trabalho, devido à carga de referências outras além das jazzísticas que são basilares para ele, indo de sonoridades brasileiras ao rock (este sonoramente pouco perceptível no disco). Mas não vejo problema em situá-los em um campo de ‘jazz contemporâneo’ e os recrutaria, sem medo de errar o tom, para tocarem em uma mesma noite junto a jazzistas argentinos atuais, como o baixista Hernán Merlo ou o trompetista Juan Cruz de Urquiza. O quarteto soa elegante e controlado, sem exibições de virtuosismo oco (risco real nessa seara) ou perda de rumo. Quem aprecia um instrumental jazzístico-brasileiro centrado, com composições sólidas e sem muita ruidosidade explícita, pode ouvi-los sem chance de equívocos –destaque para a faixa “Crazy Song”, na qual dá para saborear bem o dedilhado de Frederico, sozinho ao baixo nos dois primeiros minutos; após a abrupta entrada do piano, a faixa se desenvolve por meio de acelerações e contenções, com belas passagens de contagiante acento rítmico e solos sob medida.

**Frederico Heliodoro: Ouça/Listen

Também estreante, mas concebido por músicos de longa estrada, o “Moksha Trio” soltou um intenso e bem delineado exemplar acústico. “Moksha” significa em sânscrito soltura, liberação, escape, representando o que os músicos buscam para o som do trio, que carrega “elementos oriundos do jazz e da música erudita contemporânea, tendo como suporte estruturas rítmicas afro-brasileiras”. A partir desses três pontos, Gilberto Ferri (piano), Lauro Lellis (bateria) e Felipe Alves (contrabaixo) constroem uma sonoridade complexa, mas sem soar abstrata ou fugidia; música destinada a ser apreciada melhor no silêncio de um teatro do que no burburinho de um bar. Ferri falou sobre algumas sonoridades que estão na base dos temas: “Só para ilustrar, na composição dos temas do ‘Introspection’ usei, por meio de escalas alteradas, o canto gregoriano medieval Dies Irae (em ‘Ritual’); o anônimo do final do século XIII "Summer is incumem in" (em ‘Canção Antiga’); e canções de roda infantis (‘Reminiscências’)”. Ferri também lançou um álbum de piano solo, “Variações”, no qual improvisa sobre temas do cancioneiro nacional (“Canto de Ossanha”, “Nanã”), além de peça sua inédita.

**Moksha Trio: Ouça/Listen

Em uma outra via, a big band “Bixiga 70” fez a festa de quem busca som com maior consistência “para bailar”, caindo nas graças de um público mais amplo. O disco de estréia do tenteto comandado por Décio 7 (bateria) e Cris Scabello (guitarra), recheado de sopros e percussão, exibiu uma marcada levada afrobeat, mas sem se desaguar em clima de revival do gênero imortalizado por Fela Kuti. Os membros do Bixiga 70 têm inclusive procurado afirmar que rotulá-los como cria do afrobeat é pouco, que suas referências percussivo-afro-rítmicas são mais amplas. De qualquer forma, o importante para os ouvintes menos interessados em faturas estilísticas é que a banda trouxe animação ao mundo instrumental, muitas vezes acusado de ser sufocado por uma pretensa seriedade. O álbum, editado também em vinil, não se contenta com a marca dançante. As faixas oscilam pontos mais climáticos e paisagísticos, que tem na postura mântrica de “Balboa Dub”, altamente grooveada pela linha circular do baixo, um momento de brilho. Saxes, trombone, trompete e percussão são basilares na articulação dos processos ritualísticos que elevam o tom festeiro que permeia o álbum, dilatando a conexão com a África sonoro-simbólica.

**Bixiga 70: Ouça/Listen

Buscando elementos em outros campos, o quarteto “Lavoura” trouxe no álbum “Nu Steps” um instrumental digital/eletrônico, com “referências de música brasileira, broken beats, nu jazz”, como define o baixista Fabiano Alcântara. Os sintetizadores são fundamentais na criação da textura de ondas climáticas, viageiras e, em alguns casos, também bailantes que marca as composições do grupo. As pegadas nu jazz se estabelecem em um rumo bastante distinto do nu bop de Matthew Shipp, por exemplo –no qual as trilhas jazzísticas são mais perceptíveis. E nem a entrada de sax e flauta, conduzidos por Marcelo Monteiro em duas faixas, perturba a linearidade do trabalho ou torna os temas de base mais ‘jazzy’ que ‘electro’. O baixo é componente de relevo na arquitetação do groove do quarteto, bastante marcado em “Voodoo Machine” e na faixa título. Gravado e mixado por Pipo Pegoraro (que lançou festejado álbum de estréia há pouco), esse é o terceiro título oficial do Lavoura, que foi formado em 2003. A adição da guitarra de Pegoraro em “Estação Deodoro” e “Yperoig” faz com que certo aroma retrô, pincelado de manchas acid-jazz, emane das faixas.

**Lavoura: Ouça/Listen

E para não dizerem que esquecemos da improvisação livre, especialmente em um ano bastante ativo para o gênero: Mnstr Combo. Um dos projetos/processos criativos que brotaram em 2011, o Mnstr Combo surgiu em grande ebulição, soltando nada menos que quatro álbuns/capítulos no ano, fazendo sua estréia pública no palco da Serralheria. Com formações variadas, o Mnstr Combo explora a free improvisation em longos temas, que tiveram seu ápice ao vivo na Serralheria, onde exibiram, no dia 11/11/11, nada menos que 111 minutos de improvisação... O coletivo tem em suas fileiras o pessoal de frente do selo Zumbidor (Flávio Lazzarin, João Ciriaco, Luiz Galvão) e novos nomes da improvisação livre nacional, como o trompetista Romulo Alexis e o violinista Vagner Pitta (do Farofa Moderna), além de Rubens Akira e André Calixto.

**Mnstr Combo: Ouça/Listen

Matana Roberts: em busca de suas raízes

2012-01-08T20:38:00.004-02:00

Em maio de 2009, Matana Roberts subiu ao palco do Sesc Vila Mariana. Muitos que estavam presentes talvez não se recordem. É que a saxofonista estava escondida em meio a outras figuras de força (e todos sombreados pelo convidado especial Roscoe Mitchell) que puseram a Exploding Star Orchestra de Rob Mazurek em ação naquela noite. Com mais de uma década de carreira, Matana –nome que significa ‘presente’ em hebraico– teve em 2011 provavelmente seu ano mais especial, embalada pela grande repercussão do álbum “Coin Coin. Chapter One: Gens de couleur libres”, que abriu nosso Top 10 anual.

Filha de um fã de free jazz, que a apresentou aos grandes do gênero (“I grew up on that type of music, my dad is a huge Sun Ra, Albert Ayler, Archie Shepp, David Murray, Cecil Taylor, Alice Coltrane etc etc etc fan”), Matana nasceu em Chicago, 33 anos atrás. Associada à mítica AACM, primeiro se dedicou a estudar clarinete clássico, passando depois ao sax alto (sugestão de um professor), mergulhando no mundo da free music e migrando, na virada dos 90/00, para NY. Com seus 20 e poucos anos, se tornou próxima de Jeff Parker e Fred Anderson (1929-2010), que a levou para tocar em seu ‘Velvet Lounge’.
Sua primeira investida de destaque foi o trio “Sticks and Stones”, formado com Chad Taylor (bateria) e Josh Abrams (baixo), com o qual estreou em disco homônimo em 2002. Colaborações com Joe Maneri, Don Byron, Steve Lacy, Nicole Mitchell, Peter Brotzmann, Tony Malaby, Ravi Coltrane, Ras Moshe e Guillermo E. Brown viriam à frente.

A saxofonista passou a assumir o espaço de líder e tocar de forma mais centrada e pessoal suas ideias em anos recentes, editando os álbuns “Lines for Lacy” e “The Calling” (2006), “The Chicago Project” (2008) e “Live in London” (2011). Agora abraçou seu projeto mais importante: o work-in-progress “Coin Coin”, uma serie de peças (estão previstos 10 capítulos, além de instalações pontuais utilizando material musical já criado) nas quais a instrumentista e compositora desenvolve e homenageia sonora e teatralmente suas raízes, fincadas na história de uma família afro-americana que atravessa dez gerações. “Coin Coin” era o apelido de Marie Therese Metoyer (1742-1816), uma parente distante dos Roberts que viveu como escrava parte de sua vida, tornando-se, depois de liberta, figura lendária. “The name of this project is called Coin Coin and it is named after the "nickname" of a woman who played a big part in the ability of my family's survival. I am dividing the anecdotes and history of my family into musical chapters of a sort that are represented by different ensemble configurations. My hope is that one day I will be able to perform the entire narrative with the different ensembles as one large "life cycle". But for now I have been performing the different chapters in separate performances”, explica a compositora.

Matana não é apenas uma improvisadora livre; gosta de lidar também com composição e escrita, jazz, free, pós-rock, blues e spoken word. Sua música absorve e emite todo esse caldeirão referencial, sendo Coin Coin a síntese de tudo que fez e que aspira fazer, onde podemos apreciar seu sax alto rasgando solos nervosos ou se perdendo em ritmos sedutores ou percorrendo melodias bailantes. Tudo está lá, integrado, realizado com justeza. A música de Coin Coin se espalha por notações gráficas, improvisação, técnicas jazzísticas, gêneros musicais tradicionais específicos ligados à temática de cada capítulo, ‘spoken narrative’ e um pouco de canto. “I do the work I do because it is a way for me to deal with creating meaning for my own life whilst at the same time being in direct service to others ... in the form of inspiration and thought provocation through musical sound that is representative of my own personal ideas, dreams and desires”, diz ela.

O projeto Coin Coin está no auge criativo e vai desenvolvendo seus capítulos em concertos mundo afora, sempre com variação nos músicos convidados. O Capítulo 1 (“Gens de Couleur Libres”), foi editado em CD neste ano, pela Constellation Records, trazendo um amplo grupo de 15 artistas, com canto, sopros, percussão e cordas.

O Capítulo 2 (“Mississippi Moonchile”), ainda inédito em CD, teve sua estréia documentada pela rádio WBGO em junho de 2010 e retransmitida pela NPR Music. Segundo a autora, o capítulo 2 é focado nas raízes paternas dela, ligadas ao Mississippi, e com forte uso do blues. A peça foi interpretada por um sexteto e se estende por 59 minutos.

“Coin Coin. Chapter 2: ‘Mississippi Moonchile’”

Listen/Ouça

*Matana Roberts: alto, voice

*Shane Endsley: trumpet

*Hill Greene: bass

*Shoko Nagai: piano

*Tomas Fujiwara: drums

*Jeremiah: voice

Recorded live at WBGO FM, Jun. 24, 2010.

---------------------------------------------------
Mais Matana:

http://www.myspace.com/matanaroberts

http://www.matanaroberts.com/

Quando Mr. Dorgon se encontrou com Mr. Parker

2012-01-05T17:01:00.008-02:00

Gordon Knauer (1967, USA) é cria da downtown scene de NY. Saxofonista que também se aventura por clarinete e, cada vez mais, a pesquisas eletrônicas, assina como Mr. Dorgon (às vezes, apenas Dorgon). Artista curioso que parece não levar nada muito a sério, faz seus próprios discos e prefere se manter à margem na cena. Praticamente toda sua produção se reúne no selo que criou, o ‘Jumbo’. Seus discos ficaram conhecidos por serem feitos de forma bastante artesanal, com capas de sobras de papelão e caixas vazias, pintados à mão ou com adesivos colados, embalados em saquinho ou mesmo caixinha de CD usada. A escassa biografia do músico não permite acompanhar bem sua trajetória; pouco se sabe além de seus registros sonoros. E isso é o que ele deseja: tanto que mesmo nos textos encontrados em seus álbuns a opção pela brincadeira supera a necessidade da informação. O disco '9', por exemplo: a contracapa 'informa' que foi gravado em 15 de fevereiro de 1936, em uma pausa durante uma turnê com Sidney Bechet... Em seu myspace, ele se define simplesmente assim: “Mr. Dorgon is a composer of intuitive + counter-intuitive musics & makes visual art”. Se é que podemos confiar em suas palavras, o músico aponta dentre suas preferências nomes distintos como John Lee Hooker, Ornette Coleman, Sun Ra, Motorhead, Borbetomagus e Brian Eno.

De concreto sabe-se que o músico começou a fazer seus registros em meados da década de 1990. E esse início foi em alto estilo: em 98, assinaria pelo Jumbo dois álbuns (‘9’ e ‘Broken/Circle’) em duo com o baixista William Parker, já consagrado à época como membro do lendário David S. Ware Quartet. Na sequência, viriam outros duetos, dessa vez com a baterista Laura Cromwell. Outro importante testemunho da virada dos 90/00 é o quinteto ‘Gordon y Su Grupo’, que ainda contava com Laura nas baquetas. Esses trabalhos mostram Mr. Dorgon concentrado nos saxes, antes de mergulhar em investigações eletrônicas, que têm dado a tônica de sua produção nos últimos tempos. Fora de seu selo, o instrumentista quase não gravou. Uma das exceções é “God is Greatest”, editado pelo Tzadik de John Zorn em 2005.

Uma das vivas gravações de Mr. Dorgon é '9', realizada ao lado do gênio William Parker. Se não chega a ser um trabalho impressionante, '9' consegue prender o ouvinte com suas quatro arrastadas peças. Não apenas por ser a cara famosa da dupla, Parker é imprescindível para o sucesso da empreitada. É que fica claro que o sopro de Dorgon carece de inventividade improvisativa e/ou melódica –e isso é ainda mais evidente dado o porte das intervenções de Parker, que se divide entre arco e pizicato. O C-Melody saxofone conduzido pelo instrumentista ecoa certo lirismo primitivo, sem muita variação de intensidade, colorido ou forma, o que se explicita logo na primeira faixa, "POG". Já a riqueza da técnica de arco de Parker estabelece picos arrepiantes, exalando tensões climáticas e momentos brilhantes. O triunfo do arco marca "Hardcore (Brooklyn)", com o baixista criando uma malha de intensos graves contrastantes com a letargia do sopro espaçado, que não hesita em sair de cena algumas vezes, esquentando asperamente somente no final da peça.

1. POG

2. BTBB

3. Hardcore (Brooklyn)

4. In Bloom

*Mr. Dorgon: C-Melody saxophone

*William Parker: bass

Release date: 1998.

Top 10: algumas paradas obrigatórias de 2011

2012-01-02T23:01:00.015-02:00

Dificilmente uma lista de ‘melhores’ ou ‘destaques’ escapará de subjetivismo e visões pessoalíssimas. Mas talvez a função basilar dessas seleções temporais e/ou temáticas seja exatamente essa: a de desnudar as impressões de seu autor, nada mais.
Este Top 10 busca somente apontar alguns discos que saíram em 2011 e deveriam ser obrigatoriamente degustados pelos apreciadores da boa música, daquela que procuramos tratar por aqui. Assim, o ideal seria não encará-los como os melhores do ano ou algo do tipo – quer seja em relação aos que ficaram de fora, quer seja hierarquicamente dentro da própria listagem –, mas como grandes trabalhos que apareceram nos últimos 12 meses. Àqueles que deixaram de ouvir algum desses álbuns, ficam as dicas*.

1. “Coin Coin Chapter One: Gens de couleur libres”

Matana Roberts

Ambicioso projeto da saxofonista Matana Roberts, que passeia com um extenso grupo por jazz, free, blues, gospel, composição e improvisação, drama, fúria e lirismo. Que venham os próximos capítulos.

2. “Unreleased?”

Fire!

Mats Gustafsson e seus parceiros de Fire! acertaram em cheio ao convocar Jim O’Rourke para esse segundo rebento. A simbiose perfeita permite a ebulição de momentos ainda maiores que os contidos na intensa estreia do trio.

3. “Empire”

RED Trio

Mais um trabalho engrandecido com a escolha exata de um convidado perfeito. John Butcher, incendiário, trouxe com seu sax potência extra ao trio português. Sorte de quem pode ver o quarteto em ação ao vivo.

4. “The Hour of the Star”

Ivo Perelman

Ao convidar antigos conhecidos (Mathew Shipp e Joe Morris) para fazer mais essa visitação sonora ao universo de Clarice Lispector, Perelman nos deu um dos melhores trabalhos de sua discografia.

5. “Ghosts”

Peter Evans Quintet

O trompetista americano tem se firmado como um dos jovens instrumentistas mais vibrantes da atualidade. Com um som contemporâneo, livre sem deixar de ser devedor do melhor jazz, Evans compôs uma das unanimidades do ano.

6. “Big Gurl (Smell My Dream)”

Darius Jones Trio

Outro nome cuja discografia vai aos poucos se encorpando com exemplares primorosos e excitantes. Além de ‘Big Gurl’, o saxofonista Darius Jones lançou um importante duo com Shipp em 2011.

7. “Vol. 03”

FLAC

A dupla mais feroz da free music nacional, criada em 2010, atingiu neste ‘Vol. 03’ seu ponto mais elevado até então. Música livre sem concessões, com muita personalidade, sax e bateria em momentos explosivos.

8. “Planetary Unknown”

David S. Ware

Retomando o formato quarteto, com o qual realizou obras-primas na década de 90, Ware conseguiu a façanha de ‘desaposentar’ o recluso baterista Muhammad Ali. Música maior conduzida por indiscutíveis mestres.

9. “Polylemma”

Joe Hertenstein 4tet

O baterista alemão Joe Hertenstein vai aos poucos demarcando seu espaço, com uma pegada solta, improvisação repleta de rastros melódicos. Fundamental a presença do trompetista Thomas Heberer que, junto ao clarone de Joachim Badenhorst, traz sabor especial ao título.

10. “La Continuidad”

Ada Rave Cuarteto

A argentina Ada Rave fecha nossa lista. Entre o free, a improvisação e o jazz, a saxofonista mostra que passou da hora de ser convidada para exibir sua música além das fronteiras da cena de seu país.

----------------------------

*texto de apresentação repescado da lista de 2010...

Omaggio a Sam Rivers (1923-2011)

2011-12-31T16:31:00.006-02:00

Antes de 2011 chegar ao fim, mais um grande nome da música livre se cala: Sam Rivers. Uma pneumonia levou, no último dia 26, o saxofonista de 88 anos de idade. Em homenagem a esse personagem basilar do free jazz, reproduzo um texto publicado aqui em julho passado.
R.I.P.

------------------------------------------------------------------

Sax tenor, soprano, flauta, piano. 87 anos de idade. Sam Rivers ainda está na ativa, sete décadas na estrada, se apresentando pontualmente com sua 'RivBea Orchestra'. Nascido Samuel Carthorn Rivers, em 25 de setembro de 1923 (Oklahoma), o músico demorou para ser conhecido no meio, algo que apenas viria a ocorrer nos anos 1960. Estudou violino e piano na infância, indo depois para o Boston Conservatory of Music. Conheceu pessoalmente (e mais: participou de jam sessions com) Charlie Parker e Lester Young. Sendo um dos ícones do free jazz e figura-chave da cena loft dos 70s, Rivers tocou basicamente como sideman até chegar na casa dos 40 anos de idade. Nessa história, coube até uma excursão com Miles Davis quando este montava seu segundo grande quinteto (George Coleman havia sido dispensado e Wayne Shorter ainda não assumira o posto) –a parada no Japão, em julho de 64, rendeu o belo 'Miles in Tokyo'.

“Fuchsia Swing Song”, registro de dezembro de 64 para a Blue Note, marca sua estréia tardia como líder. Ron Carter e Tony Williams, do quinteto de Miles, estão no álbum. No restante da década, o saxofonista atuou em discos de vários artistas da Blue Note (Bobby Hutcherson, Andrew Hill, Larry Young) e voltou a gravar sob seu nome (“Contours”, “A New Conception”). Antes de encerrados os anos 1960, o instrumentista aprofundou seu contato com os músicos que estavam fazendo o free acontecer, adensando e libertando cada vez mais seu tom: em 68, toca com Bill Dixon; em 69, sobe ao palco com Albert Ayler e entra para o 'Unit' de Cecil Taylor, com quem excursiona e grava na Europa. Um pouco depois, adentraria sua fase mais gloriosa.

É nos anos 1970 que Sam Rivers assume o posto de um dos pilares da música livre. Seu lendário loft “Studio RivBea” se torna um dos picos mais efervescentes da música naquela década. Aberto em 1970 pelo saxofonista e sua esposa (Beatrice) e localizado no Bond Street, em Lower Manhattan (NY), o Studio RivBea abrigou encontros e celebrações vitais dos quais, infelizmente, apenas uma pequena amostra sobreviveu –há, por exemplo, um lendário encontro perdido de um duo entre Rivers e Rashied Ali, captado em 75. A serie “WildFlowers”, em cinco albuns com registros realizados no ano de 76, é o principal testemunho dos tempos enérgicos que fizeram do local uma referência da música livre.

As atividades de Rivers nos 70s foram muito além do Studio RivBea. O contrato assinado com a Impulse permitiu que fortes trabalhos do saxofonista no período fossem registrados, como “Hues” (72), “Trio Live” (73) e “Crystals” (74). Data dessa época sua proximidade com Dave Holland, com o qual gravou o clássico “Conference of the Birds” (72). Em 76, Rivers montou um inusual trio que trazia a seu lado Joe Daley (na tuba) e um baterista (Sidney Smart, depois Warren Smith). Pela peculiariedade do som do instrumento de Daley, entraram para a história sob a alcunha The Tuba Trio. Os registros do grupo são todos ao vivo e reproduzem passagens deles pela Europa. Os discos “Black Africa! Villalago” e “Perugia”, feitos em julho de 76 na Itália, se tornaram os clássicos do trio. Do mesmo ano, mês de setembro, restaram gravações deles em Amsterdã, que se espalham por três volumes chamados Essence – The Heat and Warmth of Free Jazz. Com esse trio, Rivers passeava por tenor, soprano, flauta e piano, mostrando a ampla variedade de sua palheta conquistada lentamente. Já adentrando a casa dos 50 anos, Rivers queria mais era explorar todas as possibilidades artísticas que estavam a seu alcance. As intervenções ao soprano na época eram as mais incendiárias. Ao piano, seu toque se mostrava menos atonal e martelante que o do mestre Cecil Taylor, algo mais livre-expressionista, como pode ser ouvido neste Volume III do The Tuba Trio. Ao tenor, seu pólo-base, é dedicada a face A do álbum. Atenção à tuba, que dá sabor especial ao som do grupo.

A. Group with Tenor Sax (17:58)

B. Drums Interlude/Group with Piano (14:18)

tuba3

*Sam Rivers: tenor, piano

*Joe Daley: tuba

*Warren Smith: drums

Live recorded at the Bim Huis, Amsterdam, 2nd of September 1976.

-------------------

**Photo: Tom Marcello. Studio RivBea, 1976.

Apresentando: Alípio C Neto

2011-12-26T21:24:00.008-02:00

Não deve passar despercebido o fato de, em tempos recentes, novos free improvisers brasileiros estarem surgindo e conseguindo fazer algo por aqui. Tradicionalmente, nossos músicos focados na free music acabaram por migrar em busca de um cenário mais vivo e acolhedor. Márcio Mattos foi o pioneiro nesse campo, partindo ainda nos 1970 para a Europa, se fixando em Londres para fazer sua história. Chegada a década seguinte, seria a vez de Ivo Perelman partir para os EUA e sedimentar sua carreira. Nos anos 2000, temos o exemplo de Yedo Gibson embarcando para o continente europeu e se instalando na Holanda. E entre Ivo e Yedo, outro saxofonista brasileiro realizou trajetória semelhante: Alípio C Neto.

Nascido na pequena cidade de Floresta, no sertão de Pernambuco, Alípio C Neto foi para Portugal em 1997. Curioso que o motivo central nem fosse a música, mas sim um PhD na área literária... Alípio lidava, ainda no Brasil, com as duas frentes: enquanto fazia mestrado em Teoria Literária na UFPE, que resultou em uma dissertação dedicada ao poeta Mário Faustino (1930-1962), desenvolvia seu trabalho como saxofonista.
Uma vez em Lisboa, Alípio acabou se estabelecendo na cena jazz/improvisativa local, gravando celebrados álbuns (merecem atenção redobrada: “The Perfume Comes Before the Flower -2007”, “Paura -2008” e “Harafè -2010". Esses três trabalhos, gravados com diferentes músicos europeus e americanos, exibem sem economia a variada riqueza do sopro de Alípio e a urgência de se descobrir e explorar sua valiosa arte). Neste ano, editou com o experimentador Thelmo Cristovam o disco “Triatoma Infestans”, pela Creative Sources. 2011 também marcou seu estabelecimento em uma nova parada, a Itália, onde tem estudado a obra de Giacinto Scelsi (1905-1988), além do lançamento de seu mais recente trabalho, “Air”, trio ao lado de Francesco Lo Cascio e Federico Ughi (vídeo abaixo).
Focado principalmente nos saxes tenor e soprano, Alípio vem demarcando seu território dentre os mais destacados reedmen da atual cena europeia, tendo dividido parcerias com Carlos Zíngaro, Mark Sanders, Adam Lane, Michael Moore, Dennis González -apenas para citarmos alguns.
Conversei há pouco com o músico, que contou passagens de sua trajetória:

Trocar o Brasil pela Europa. Oportunidades para tocar em seu próprio país.

"Parti do Brasil para Portugal em 1997 . Antes havia vivido algumas temporadas fora que me convenceram da necessidade de buscar espaços novos para fazer aquilo que desejava. Ainda não tive a oportunidade de levar os meus projetos daqui para o Brasil. Toquei no país acompanhando o compositor Armando Lôbo, com quem gravei no seu primeiro álbum, ‘Alegria dos Homens’. Além disso, participei numa grande orquestra de frevo, como convidado, dirigida pelo maestro saxofonista Spok (Orquestra Multicultural do Recife), e fiz dois pequenos concertos na Livraria Cultura em Recife para apresentar uma parte dos meus álbuns, mas com uma formação ad hoc: do primeiro participou o trompetista alemão Johannes Krieger, que me acompanhava no ‘Wishful Thinking’; o segundo, também na Livraria Cultura em Recife, na exposição "Espaços Polifônicos" da fotógrafa italiana Rachele Gigli - música que compus para a exposição sobre o diálogo entre motivos polifônicos culturalmente distintos (Brasil, Portugal e Itália), do qual participaram músicos pernambucanos de grande talento e abertura para uma linguagem fora do ‘mainstream’ tradicionalista."

Ainda é difícil para músicos brasileiros que fazem sons menos convencionais mostrarem seu trabalho em sua terra natal?

"Acho que sim. Em 2006 fui escolhido para representar o Brasil nos 50 anos da Fundação Calouste Gulbenkian em Lisboa (Fórum Gulbenkian Imigração). Fui chamado pela importância da minha contribuição como músico imigrante, brasileiro, para o jazz feito em Portugal. Vinha-me à mente a seguinte questão: nunca toquei minha música no Brasil e estou aqui representando o meu país, a minha cultura? Estranho...
O anfiteatro da Fundação estava cheio, e muita gente não conseguiu entrar, ingressos esgotados para ouvir uma música fora do eixo ortodoxo do consumo."

Reconhecimento no país: há algum?

"Existe uma profunda desinformação sobre quem somos, como contribuímos e que tipo de experiência trazemos para a música brasileira e, principalmente, existe uma grande dificuldade de encontrar apoios para projetos em que os músicos se interessam mais por fazer mexer com a cabeça do que com o quadril de quem ‘consome’ música. É uma questão de política e de mercado cultural. Creio que há uma tendência a subestimar a inteligência e a sensibilidade do público. Ao contrário do que parece, falo por experiência própria, as pessoas ditas comuns, a ‘massa’, têm uma grande abertura e curiosidade para ouvir a música menos convencional."

O fato de fazer música instrumental atrapalha a divulgação de seu trabalho no Brasil?

"Há ainda no Brasil o mito de que a principal contribuição nacional como cultura popular, étnica, seja o porto seguro da canção. A bossa nova e a MPB, apesar de inegavelmente importantes, estigmatizaram o panorama musical brasileiro, reduzindo a inteligência e a abertura musical do grande público, no máximo, ao tradicionalismo do samba-canção, do chôro e aos clichês regionais, marcados principalmente por uma confusão entre o virtuosismo, o apelo sentimental e o real valor do repertório proposto. Aquela ideia de que a boa música instrumental é simplesmente uma música que é "bem tocada", isto é, de forma virtuosística e superficialmente agradável por pertencer ou seguir o cânone tradicional da cultura nacional. Mesmo assim, alguns músicos do panteão brasileiro em determinado período de suas carreiras, entre compositores e instrumentistas de grande força, como Altamiro Carrilho, Tom Jobim, Hermeto Pascoal, Baden Powell et alii, sofreram imensamente para sobreviver no Brasil."

O problema é apenas nosso?

"Na verdade creio que é um problema que existe em toda parte, não só no Brasil. Desde a década de 50 que uma grande parte dos principais nomes do jazz americano não vive sem a Europa e o Japão. Eu tenho notado que hoje, com a transformação do cenário econômico, essa realidade começa a mudar e o Brasil parece mais receptivo, começam a surgir instituições interessadas numa programação voltada para o presente e para o que pode ser o futuro. Não parece mais aquele país em que cultura era o valoroso necrológio do que houve de melhor. Creio que há quem acredite na força renovadora da arte para reeducar o país, e a música, como foi para o Villa-Lobos no período Vargas, poderia, para além de abrir os ouvidos do povo, abrir a cabeça, mover, ensinar e deleitar."

Ouça/Listen Alípio C Neto em diferentes contextos:

http://soundcloud.com/alipio-c-neto

Conheça mais:

http://www.alipiocneto.com/

--------------------------------------------------

Photo: Luís Filipe Catarino

Amiri Baraka: meio século de discurso (e som) combativo

2011-12-16T23:15:00.004-02:00

Nascido em 1934 em New Jersey, LeRoy Jones nem sempre foi o vulcão discursivo que o tornaria conhecido. Na década de 50, o jovem poeta circulava pelo meio beatnick, vivendo no Village e dividindo noitadas com Jack Kerouac e cia. Uma virada na vida de Jones veio quando esteve em Cuba no começo dos anos 1960, onde acabou seduzido pela força do movimento revolucionário de Fidel Castro. Se os EUA não era terreno para uma revolução como a de Fidel, era fato que os negros deviam buscar realizar sua revolução, remodelando e transformando o espaço social que os marginalizava. De volta aos EUA, Jones passou por um rápido processo de radicalização discursiva. Já em 63, o escritor editou o polêmico “Blues People: Negro Music in White America”, no qual analisava a originalidade, as particularidades e a relevância da música para a cultura afro-americana e sua potencialidade em uma América predominantemente branca. Ele defendia que o blues e o bebop eram os estilos que melhor representavam a criação artística negra, além de anunciar que o free jazz trazia uma verdadeira renovação na forma de os afro-americanos fazerem sua música. Cada vez mais envolvido com o cenário musical e tocado pelo impacto do free jazz nascente, logo elevaria o estilo ao patamar de principal música do período, além de se tornar um de seus divulgadores mais ativos. Outro marco na biografia de Jones nesse momento é sua adesão ao Islã e a simbólica troca de nome para Imamu Amiri Baraka.

Em meio ao recrudescimento do clima de combate dos negros pelo seu espaço após a morte de Malcolm X (1925-1965), o agora Amiri Baraka subiu o tom e passou a criticar cada vez mais acidamente os EUA e os privilégios dos brancos. Ainda em 65, o escritor participa da fundação do importante BARTS (Black Arts Repertory Theatre/School), sediado no bairro negro do Harlem, para o qual ele havia se mudado por ser uma região mais legítima para a causa negra. O local era um centro cultural dedicado à formação e à divulgação da arte afro-americana. Aberto em maio daquele ano, quase simultaneamente à AACM, o BARTS passou a promover peças de teatro, artes plásticas, história cultural e muitos concertos –tocaram lá Coltrane, Cecil Taylor, Sun Ra, Albert Ayler, Milford Graves e outros tantos. No entanto, asfixiado por problemas financeiros, o projeto BARTS não durou muito tempo; mas gerou uma ideia que logo se multiplicaria EUA afora. Nos anos seguintes, brotaram pelo país diversos centros como aquele, além de as aulas sobre arte e cultura negras ganharem cada vez mais espaço nas universidades –é indiscutível a relevância do projeto BARTS para a enfatização da consciência negra e da revolução cultural contra o racismo e a opressão.

As pequenas incursões de Baraka pela música serviram para que ele levasse sua poesia para dialogar com os instrumentos dos músicos amigos que tanto amava e defendia. Em 68, Baraka entrou em estúdio com Sun Ra e sua Arkestra. Do encontro, saiu o álbum “A Black Mass”, fruto da junção da música de Ra com as letras de Baraka. Um capítulo ainda mais interessante seria lançado mais à frente, em 82: “New Music New Poetry”, que reuniu Baraka, o saxofonista David Murray e o baterista Steve McCall. O poeta também subiu ao palco com uma variedade grande de músicos; essas aparições incluem Cecil Taylor, Max Roach, o trio AIR e seu grande amigo Archie Shepp. Se Baraka jamais conseguiu fazer do free jazz a música favorita dos afro-americanos –nem ao menos conseguiu torná-la popular entre o público que visava –, ao menos colaborou, com sua aura de polêmico e incendiário, para chamar a atenção a essa coisa nova que seus irmãos criaram.

A arte de Baraka sempre brotou e viveu da/na palavra. Mesmo que andasse e gravasse com jazzistas, nunca se aventurou nem como cantor. Sua mensagem poética era transmitida por meio do ‘spoken word’ e foi assim que apareceu nos álbuns que participou. No começo dos anos 1970, amparado em textos de seu livro de poesia “It’s Nation Time”, produziu a gravação de um disco muito denso e musicalmente contagiante. Contando com a participação de percussão, vozes e de jazzistas –destaque-se: Gary Bartz (saxes), Reggie Workman (baixo) e Lonnie Smith (piano)–, Baraka não apenas deu seu recado, mas criou uma peça ritualística realmente intensa, resgatando elementos de blues, soul, spirituals, jazz, em uma viagem sonora de grande e sedutor apelo rítmico. O disco deve ser ouvido de forma ininterrupta, como uma longa viagem pela cultura negra. It’s Nation Time é um trabalho de grande vigor e reflete um período de combate e orgulho racial nascido em meio a um momento de grande disputa e preconceito –que se refletiu dos dois lados; não esqueçamos que Baraka defendia posições polêmicas, como a de que um branco só poderia fazer jazz se aceitasse ser uma simples cópia de um negro...
Não sei como o poeta/ativista lida com essas questões hoje, mas ao menos ele ainda mantém sua arte em coerente sintonia com aqueles tempos combativos.

*Lyrics by [English]: Imanu Amiri Baraka

*Lyrics by [Swahili translation]: Je Jordan

Release date: 1972.

Credits: here/aqui.

Jocy de Oliveira, 75, ebulição criativa...

2011-12-12T22:21:00.006-02:00

Em 2007, ela foi homenageada pelo Festival Internacional de Música de Campos do Jordão; em 2008, foi a vez de o Instituto Cultural Oi Futuro, do Rio, organizar uma retrospectiva em torno de seu trabalho. Esses resgates-homenagens recentes podem dar a enganosa impressão de que Jocy de Oliveira é uma criadora devidamente absorvida e contemplada. Mas a realidade não é tão bela: a compositora e pianista Jocy de Oliveira (1936, Curitiba) permanece, em muitos sentidos, como uma figura ilustre/desconhecida, nos mesmos moldes que seus pares Gilberto Mendes e Jorge Antunes. As cinco décadas de atividade artístico-musical que envolvem seu nome deixaram como testemunho uns vinte álbuns, como pianista (sua gravação de ‘Catalogue D´Oiseaux’, de Olivier Messiaen, foi a primeira no Hemisfério Sul) e autora (de óperas, peças para orquestra, câmara, solistas e meios eletrônicos). Mas muito desse material está fora de catálogo... Pergunta-se: o quanto de público interessado em música contemporânea se delicia com suas criações sonoro-visuais? Seria mais um caso de artista mais prestigiado no exterior que em seu país?

Ainda apenas uma jovem talentosa pianista, Jocy se casou com o aclamado maestro Eleazar de Carvalho (1912-1996). Aos 23 anos, entrou em estúdio pela primeira vez para gravar composições próprias. Esse curioso registro primeiro (“A música século XX de Jocy”), datado de 1959, revela o diálogo que a autora tentava estabelecer naquele momento com a música popular. Já antenada com o mundo da vanguarda européia, Jocy criou pequenas canções, com satíricos traços rítmicos sambísticos e bossa-novísticos, de curiosos títulos como “Sofia Suicidou-se”, “Pecou a Rosa” e “Samba gregoriano”, antecipando os encontros do avant-garde com o universo popular que seriam celebrados mais à frente pelas mãos de gente como Tom Zé e Arrigo Barnabé. Mas logo a compositora seguiria outros rumos. Intensificando seu contato e interesse pelo erudito contemporâneo, organizou em 1961 a ‘Primeira Semana de Música de Vanguarda’, no Theatro Municipal do Rio, em um período em que dava início a experiências com música eletroacústica e multimídia, que a acompanham até hoje.

A partir dos anos 1960, Jocy peregrinou por EUA e Europa, com ou sem seu marido maestro, fazendo concertos como pianista e estreitando contatos com compositores cultuados –Luciano Berio, Iannis Xenakis, John Cage– do campo sonoro que decidira abraçar. Com Stravinsky, iria usufruir de um contato mais próximo, tendo ciceroneado o mítico músico em sua passagem pelo Rio em 63; a pianista também chegaria a atuar como solista sob a regência de Stravinsky naquela década. A memória de seus encontros com o compositor russo foi celebrada em 2010 com a ópera “Revisitando Stravinsky”*.

A década de 1980 marca uma alteração de foco relevante em sua trajetória: é nesse período que abandona a vida de pianista e as salas de concerto para se dedicar apenas à sua vertente de compositora. A partir desse ponto, suas celebradas óperas se avolumam, tendo dentre suas crias as vitais “Fata Morgana” (87), “Inori à prostituta sagrada” (93) e “As Malibrans” (99/00). Premiada por instiuições como Guggenheim Foundation, Rockefeller Foundation e New York Council on the Arts, Jocy tem em suas atualíssimas óperas –que lidam com vídeo, instalações, poesia e teatro– o ícone máximo de sua trajetória (em anos recentes, algumas delas foram reunidas/editadas em DVD, o que permite a descoberta/reencontro com essas obras).

(trecho de 'Revisitando Stravinsky', 2010)

Um revelador documento de seus trabalhos não-operísticos é o álbum Estórias para voz, instrumentos acústicos e eletrônicos, que apareceu em LP em 81, reunindo quatro peças produzidas entre 67 e 78. “A série de estórias é um trabalho em progresso, uma colagem de reminiscências, sonhos e memórias, um caleidoscópio em som, palavra, ação e imagem”, explica a autora no encarte do álbum. Especialmente em ‘Estória II’ e ‘Estória IV’, pode-se apreciar as incursões de Jocy pelo campo eletroacústico, com modelagens sonoras gestadas a partir de vozes pré-gravadas (ou não) e remontadas, associadas a sons eletrônicos e acústicos (percussão, violino, baixo). ‘Era uma vez’ é o marco de partida dessas peças que, ao invés de contarem as ‘estórias’ que prometem, acabam por arrastar os ouvintes por trilhas sinuosas e opacas. Sem transparência narrativa, essas estórias mais escondem e desconcertam do que revelam; em ‘Estória IV’, as impressões da autora se misturam em choques/desencontros de palavras em português, sânscrito e japonês. “O texto é composto de uma polaridade de significados, de correspodências semânticas e rítmicas, palavras encadeadas em difusas relações entre visões e memórias, reflexões intelegíveis sobre vida e morte”, diz Jocy. As outras duas peças são focadas no piano, sem o característico jogo com voz/palavra que encanta a autora. Esse conjunto, mesmo que esconda a face visual/multimídia marcante e fundamental de sua obra, representa uma entrada impactante no universo da autora.

estrs

1. Estória II (67; voz, percussão, tape)

2. Wave Song (77; piano, live electronics)

3. Dimensões para quatro teclados (76; piano, celesta, harmônio, cravo)

4. Estória IV (78; duas vozes, violino, baixo, percussão, live electronics)

-----------------------------------------------------------------------

*Ps: em crítica sobre a estreia de Revisitando Stravinsky, escrita em setembro de 2010 por João Marcos Coelho, para O Estado de S. Paulo, um leitor deixou (na versão online) um comentário que exemplifica bem o quanto trabalhos artísticos fora do eixo do “bom gosto médio e acomodado” ainda causam de espanto e indignação em boa parte do ‘público culto’. A fala do leitor/espectador (reproduzida abaixo) parece ter sido estraída da boca/mente de uma pessoa que vivenciou os primeiros suspiros da vanguarda erudita, um século atrás:

“Fui ontem com a minha esposa assistir ao concerto no Municipal. Buscava alguns momentos de boa música após uma semana de trabalho intenso. O que encontrei foi uma completa cacofonia, gritos sem nexo, uma história sem nenhum senso de lógica, um enredo sem pé nem cabeça baseado nas lembranças da autora e de seu encontro com o compositor. Não era o que eu esperava de um espetáculo patrocinado por grandes empresas. No meio do espetáculo várias pessoas se cansaram e começaram a ir embora. Casais trouxeram crianças esperando mostrar um pouco de cultura e rogo a Deus que não tenham traumatizado os jovens, que certamente vão preferir ouvir um pagode à música clássica. Saímos também no meio da encenação (...)”

E ele apenas estava presenciando o mais recente trabalho de uma elegante senhora de 75 anos e cinco décadas dedicadas à música... Para esse ouvinte desinformado, deixo palavras do pesquisador Vasco Mariz, autor de História da Música no Brasil:
“É preciso estar preparado para aproximar-se da obra de Jocy de Oliveira, cuja originalidade não se pode colocar em dúvida. A compositora merece toda nossa atenção e justifica o esforço de tentar compreendê-la.”

Apresentando: Antonio 'Panda' Gianfratti

2011-12-06T22:29:00.015-02:00

A música se tornou uma opção para ele ainda na década de 1960, adolescência, rock instrumental. Logo viria um curiosíssimo bio-intermezzo: a jovem guarda, dando suporte a Roberto, Erasmo e Wanderléa. Depois o jazz, a vida de ‘músico da noite’ e sideman... Apenas em meados dos anos 1990 ocorreria o encontro com um universo que alteraria sua percepção artística e trajetória de vida: o free jazz, que o conduziria a um novo rumo, emergindo o Antonio ‘Panda’ Gianfratti, fundador do seminal grupo de improvisação livre Abaetetuba e hoje conhecido de todos interessados em free music. O principal nome da percussão free nacional, que se encontrará amanhã com o japonês Sabu Toyozumi no Centro Cultural São Paulo, conversou com o Free Form, Free Jazz e contou passagens interessantes de sua trajetória. Para conhecer um pouco mais do trabalho desse grande instrumentista, aproveitem o papo abaixo e não deixem de ir amanhã ao CCSP:

"Sou autodidata, comecei muito cedo em 1962/3 tocando rock instrumental em um grupo de alunos do colégio Dante Alighieri, o ‘Silver Strings’, ganhador do primeiro concurso de Rock Instrumental no Brasil, pela TV Record, do radialista Miguel Vaccaroneto. Em seguida participei dos Beatnicks, conjunto oficial da jovem guarda, acompanhando Roberto Carlos, Erasmo, Wanderléa e outros artistas, tais como Jorge Ben, Altemar Dutra, isso até 66... Em seguida, me interessei pelo jazz e formei o ‘Triferente’, trio de temas de jazz e bossa nova com o pianista Samuel Khuri Jr, pioneiro do jazz no Brasil, e o contrabaixista Azeitona; acompanhamos Paulinho Nogueira, Vera Brasil, Taiguara, Celia e outros. Depois Sérgio Mendes conheceu meu trabalho e meus 16 anos e me prometeu levar para os EUA, o que cumpriu em 1970. Com 18 anos meu pai me permitiu aceitar uma bolsa de um curso de 1 ano de Afro-Jazz na University South Florida, em Tampa Bay-Florida, mas sempre ia para NY para ouvir, assistir e de vez em quando participar de jams com músicos americanos. De volta ao Brasil, me inseri na chamada ‘noite’ e aí toquei com muitos músicos, como Lanny Gordin, Zé Bicão, Moacir Pé Chato, Zerró Santos, mais tarde trabalhei com Sargentelli, Amelinha do Recife, Roberto Luna...”

O despertar para o free jazz:

"Daí fundei em 1997 o ‘JAQ’ (Jazz Acoustic Quintet), com Boccato, Felipe Lamoglia (Cubano), Paulinho Paulelli e (sempre) Samuel Khuri Jr., com repertório de temas de jazz, McCoy Tyner, Wayne Shorter, Miles Davis, Mingus, Coltrane... E foi assim até me deparar com o Free Jazz: foi libertação, paixão à primeira vista, e comecei a estudar e pesquisar sozinho, até o Yedo Gibson, meu sobrinho, se interessar e me instigar a assumir essa opção. Aí radicalizei, passei a importar os CDs do Coltrane da fase free, Roscoe Mitchel, Albert Ayler, Steve Lacy, e depois os europeus, Brotzman, Han Bennink, Evan Parker. A partir daí, descobri a IL (improvisação livre) e sua ponte com o free jazz, John Stevens, Derek Bailey, Eddie Prévost, Phil Minton, um caminho natural me conduziu à free improvisation... Pelo interesse em timbres e pesquisa do som, comecei a criar e transformar instrumentos próprios para utilizar na música improvisada. Foi nesse ponto que iniciamos o Duo Liberdade, Yedo e eu, com três cds gravados. Em seguida fui morar com o Yedo na casa do pianista Veryan Weston, na Inglatera, em Welwin Garden City, momento em que conheci Marcio Mattos e os principais músicos ingleses, nascendo um relacionamento amistoso e de trocas. Regressei ao Brasil, o Yedo permaneceu por lá com os outros membros do Abaetetuba que fundamos em 2003. Em 2009 fui convidado para participar da FOCO Orquestra de Improvisação de Madrid, sob a regência de William Parker, em seguida tocamos no BIMHUIS, depois no Vortex e no Cafe Oto e também em Amsterdam com os holandeses da ICP, acabei fazendo um duo com Han Bennink...”

Em relação à maior agitação na cena free local atualmente:

"Com certeza o movimento está crescendo, músicos jovens têm se interessado e as oficinas têm se revelado eficazes para o seu desenvolvimento [dessa música], devemos isso ao Juliano Gentile e ao CCSP, que há três anos têm permitido concertos e oficinas periódicas com importantes improvisadores europeus. No início, Yedo e eu tivemos que ir à Europa, não achávamos possível o desenvolvimento da IL por aqui, mas agora claramente as coisas estão fluindo e a formação de público também é evidente.”

E para sobreviver apenas fazendo esse tipo de som?

“Não se pode por enquanto sobreviver apenas do trabalho com a IL, dou aulas e, principalmente, tenho ministrado oficinas para leigos”, diz o percussionista, citando vários de seus projetos em andamento, como a ‘Orquestra de Garrafas’ (vencedor de edital público, dirigido para pessoas que nunca tocaram nenhum instrumento).
“Também toco outro tipo de música, mas inserindo uma ponte entre a música popular convencional e a improvisação livre, com excelente resultado dentro do projeto Etnias, do contrabaixista Paulo Putini, e me apresentando em espaços como o Teta Jazz Bar e o Jazz nos Fundos. São atividades paralelas, mas que envolvem de forma direta ou indireta os meus conhecimentos de IL.”

E porque não procurou se firmar no circuito Europa/EUA como fizeram outros nomes de peso do free nacional, Marcio Mattos, Ivo Perelman, Alípio C Neto e o próprio Yedo?

“Eu tentei ficar com o Yedo na Europa, mas falhou o meu passaporte italiano... Além disso, por causa da minha família e minha idade, resolvi voltar, mas aconteceu que as amizades se deslocam para o Brasil e meu trabalho pessoal foi reconhecido naturalmente e eles acabam vindo para tocar comigo por aqui e, ocasionalmente, vou à Europa. Tenho recebido bastantes convites, porém o preço do voo internacional tem me impedido de ir mais regularmente... o Ivo Perelman já tocou comigo aqui e até no programa do Jô Soares em 2006 tocamos juntos, o Veryan Weston veio duas vezes para cá e tocamos juntos com o Phil Minton, o Mark Sanders e o Trevor Watts, o Hans Koch virou um grande parceiro, enfim, também o Festival Internacional Abaetetuba tem me garantido o relacionamento necessário para fazer minhas trocas por aqui, embora lançamento de CDs não dá... o próximo vai ser lançado em Londres, um duo com o Phil Wachsmann, com a participação do Thomas Rohrer, com quem mantenho um duo há sete anos, enfim, meu futuro será um ir e vir constante.”

Os encontros com Sabu Toyozumi:

“O Sabu conheceu meu trabalho através da Luo Chao-Yun. Quando veio tocar conosco no CCSP, ela levou um audio do concerto, o Sabu escutou, gostou e me escreveu, [dizendo que] gostaria de tocar comigo em duo no Brasil e no Japão... mas as 30 horas de voo me fizeram convidar primeiro ele a vir para cá e, quem sabe, um dia irei enfrentar o vôo para lá (rsrsrsrs). Espero que seja um grande encontro de aprendizado... o Sabu tem uma história muito antiga, já tocou com os maiores nomes da IL e é um grande cara, está há cinco dias na minha casa e já nos tornamos amigos de verdade, muitas risadas e troca de informações... os pensamentos e as afinidades são muitos, esperamos que o concerto seja intenso e profícuo, tanto quanto tem sido a nossa relação pessoal. Os grandes improvisadores não perguntam jamais com quem você já tocou, eles se interessam muito mais pelas idéias musicais, as próprias e originais, enfim, espero que seja um encontro útil para os que estão começando agora.”

-----------------------------------------------------
**Concerto:
*Antonio Panda Gianfratti e Sabu Toyozumi

Quando: 7/12 (qua); às 21h

Onde: CCSP

Quanto: gratuito

-------------------------------------------------
Para conhecer mais e ouvir:
www.myspace.com/antoniopandagianfratti

O ano ainda não acabou: Sabu Toyozumi (II)

2011-12-04T23:04:00.007-02:00

A vinda do percussionista holandês Han Bennink há exato 1 ano causou bem maior alvoroço entre os interessados em música livre do que a chegada ao país do japonês Sabu Toyozumi –basta uma rápida busca na net para comprovar isso. Mesmo ambos tendo relevância similarmente ampla na free music, o trabalho de Sabu, ao que parece, goza de muito menor prestígio e repercussão por aqui. Esperamos que sua passagem por SP ajude a alterar um pouco essa percepção... O músico japonês irá realizar duas apresentações, uma em duo com o percussionista brasileiro Antonio Panda Gianfratti (dia 7, CCSP) e outra com um amplo grupo de convidados (dia 9, Serralheria). Para os músicos e interessados de plantão, haverá também workshop com ele no CCSP. Quem já conhece a obra de Sabu, sei que não perderá; quem ainda não foi apresentado ao instrumentista, está aí uma bela chance.

Yoshisaburo “Sabu” Toyozumi se estabeleceu na cena free improv ainda nos anos 1970; nas décadas seguintes, tocou com muitos dos maiores nomes da free music mundial e apareceu em algumas dezenas de álbuns. Seus encontros com Peter Brotzmann estão entre os momentos de força de sua jornada. No mês passado, os dois tocaram juntos na Áustria, ao lado do vibrafonista americano Jason Adasiewicz que, por sua vez, já esteve neste ano no Brasil acompanhando Rob Mazurek.

Dois momentos de interesse de Toyozumi ao lado de Brotzmann foram registrados nos anos 1980. Após o duo de 82, percussionista e saxofonista voltaram a ‘duelar’ em 87. Nesse novo embate, um convidado estelar: Derek Bailey. A reunião dos três foi celebrada com um cultuado álbum que, apesar de não ter uma qualidade de gravação primorosa, fica como testemunho único de um concerto incrível realizado no Japão. Os mais de 70 minutos de música estão divididos em três partes. A primeira repete o duo de 82 e poderia ser um perfeitamente harmônico apêndice ou bônus daquele registro. Depois, entra em cena o guitarrista britânico para 22 extravagantes minutos solísticos. O disco encerra com o esperado encontro dos três instrumentistas, no qual podemos apreciar a enérgica expressividade desses geniais artistas. Não me lembro de nenhuma outra gravação com Sabu, Brotz e Bailey juntos... ou seja, sem exageros considerar este como um concerto histórico.

"Live in Japan, 1987"

1. PB + YT (21.45)

2. DB (22.25)

3. DB + PB + YT (27.29)

live

*Peter Brötzmann: tenor saxophone, alto, tarogato

*Derek Bailey: guitar

*Yoshisaburo ‘Sabu’ Toyozumi: drums, percussion.

Recorded live in Aix-en-provence, Okayama, Japan, on 16 November 1987.

-----------------------
*photo by Yumi Mochizuki

Últimos respiros de 2011 (e muita coisa boa rolando)

2011-11-30T22:33:00.018-02:00

Adentramos o último mês de 2011. E não faltarão sons de responsa para serem conferidos, com participação fundamental de músicos locais dando corpo à agenda. A maioria das apresentações é gratuita; o cobrado, não quebra ninguém. A variedade é ampla, com propostas e expectativas variadas. Boas audições.

--------------------------------

***DEZEMBRO***

“GILBERTO MENDES”

O mestre Gilberto Mendes, próximo de alcançar os 90 anos de idade, será homenageado na Sala São Paulo neste sábado. O concerto trará alguns de seus clássicos, como ‘Motet em Ré Menor - Beba Coca-Cola’, sob comando da jovem regente mexicana Alondra de La Parra. Para quem reclama de a Sala São Paulo apenas abrigar música antiga e a preços exorbitantes, é obrigação separar a data na agenda e prestigiar a obra de um de nossos mais inventivos compositores.

Quando: 3/12 (sab); às 11h

Onde: Sala São Paulo

Quanto: gratuito

------------------------------------------------------------------------

“SABU TOYOZUMI”

Como já anunciado aqui, o percussionista japonês Sabu Toyozumi desembarca no país para apresentação e workshop. Conta-se que essa não é a primeira visita de Toyozumi –teria aparecido nas redondezas em 74. Mas dificilmente alguém terá lembranças de sua passagem anterior. Antonio ‘Panda’ Gianfratti, o grande nome da percussão free nacional, vai participar do show no CCSP no dia 7. Já na sexta (9), Sabu se encontrará com vários músicos (Yedo Gibson, Rodrigo Montoya, Daniel Murray, Luiz Gubeissi) na Serralheria, que tem abrigado boas pedidas do universo improvisativo.

*Oficina com Sabu Toyozumi
Quando: 6/12 (ter); das 19 às 22h

Onde: CCSP

Quanto: gratuito

*Shows

Quando: 7/12 (qua); às 21h

Onde: CCSP

Quanto: gratuito

Quando: 9/12 (sex); às 23h

Onde: Serralheria

Quanto: R$ 15

--------------------------------------------------------------------------------

“AUGUSTO – MORALEZ DUO”

Mais um concerto enfocando o trabalho de compositores do pouquíssimo prestigiado erudito contemporâneo nacional. O duo ‘Augusto - Moralez’, amparado em uma inusual formação de piano-vibrafone, trará ao palco obras de talentos como Edmundo Villani-Cortês e Roberto Victorio.

Quando: 13/12 (ter); às 20h30

Onde: Sesc Vila Mariana

Quanto: de R$ 3 a R$ 12

----------------------------------------------------------------------------

“OTIS TRIO”

O pessoal do Otis Trio, após brilhante passagem pelo palco do Sesc em setembro, mostra seu trabalho agora no Centro Cultural São Paulo (CCSP). Já antigo conhecido do público que freqüenta bares com som de qualidade, o Otis vai também se estabelecendo em outros cenários. Quem estiver na região (o show será na hora do almoço!) a trabalho ou de passagem no dia, não deveria deixar de prestigiar. Sonzeira garantida. Um pouco antes, dia 9, o trio estará no bar Syndikat.

Quando: 16/12 (sex); às 12h30

Onde: CCSP

Quanto: gratuito

---------------------------------------------------------------------------
"AMSTERDAM INVADE SÃO PAULO"

No embalo da passagem da RIO por SP, o espaço cultural Serralheria organizou dois dias de encontros entre músicos que vêm da Holanda e o pessoal que tem ajudado a dar corpo ao free improv local. Os diferentes grupos formados prometem trazer refinadas investigações sonoras livres, em diálogos inéditos que devem empolgar músicos e público.

Quando: 13-14/12 (ter-qua); às 21h

Onde: Serralheria

Quanto: R$ 10

---------------------------------------------------------------------------

“ROYAL IMPROVISERS ORCHESTRA”

E para fechar com estilo a agenda do ano, o saxofonista Yedo Gibson desembarca, direto da Holanda, com a sua ‘Royal Improvisers Orchestra’. Não se sabe com qual formação o grupo subirá ao palco, que normalmente oferece um amplo espectro musical com sopros e palhetas, guitarra e baixo, bateria e voz. Amparada em referências que abarcam o jazz, a música barroca, o punk rock e a eletrônica, a RIO desenvolve sua arte focada nas possibilidades oferecidas, acima de tudo, pela improvisação livre.

Quando: 16/12 (sex); às 20h

Onde: CCJ

Quanto: gratuito

Quando: 17/12 (sab); às 19h

Onde: CCSP

Quanto: gratuito

Ps: a RIO também irá ministrar oficinas nos dias 9 e 17, além de 'masterclass' no dia 14. Tudo no CCSP.

Mingus on Mingus: a árdua construção de um documentário

2011-11-28T22:06:00.008-02:00

Mesmo com toda a fama e idolatração em torno do nome do mestre Charles Mingus (1922-1979), tem se mostrado ingrata a tarefa de levantar capital para rodar um documentário sobre o baixista. Após armar o projeto "Mingus on Mingus", Kevin Ellington Mingus, neto do homem, saiu em busca de US$ 45 mil para realizar o filme. Sem apoio de nenhuma 'multi' (cadê as gravadoras que tanto lucraram (e ainda lucram) com a música do baixista?), Kevin lançou uma campanha em busca de doações para levar adiante seu objetivo. Até o momento, foram arrecadados apenas pouco mais de US$ 8 mil. Os fãs de Mingus mundo afora, com algum dinheiro em caixa, podem dar uma força aqui/here.

O projeto de "Mingus on Mingus" pode ser conhecido no site do 'Orangethenblue', grupo formado com a missão de arquitetar o filme.

Este documental muestra el camino de un nieto en su búsqueda sobre la verdad detrás de la leyenda del abuelo al que nunca conoció. Rodeado de controversia por sus polémicas acciones y su imprevisibilidad, la enigmática figura de su abuelo se ha convertido en un icono del jazz. El documental abre las puertas de facetas desconocidas de un compositor que dejó uno de los más grandes legados musicales de los EEUU del siglo XX. Es el camino de su nieto, observando la vida de su abuelo a través de los ojos de aquellos a los que se acercó e inspiró, y a través de los lugares donde vivió y dio forma a su arte. Esta película redescubre a ambos, al hombre y al artista: Charles Mingus.

“Hay perspectivas de mi abuelo que no han tenido un lugar en la definición de su legado...He emprendido esta búsqueda para entenderlo mejor más allá del mito, la fábula o de una visión singular de su trabajo”, Kevin Ellington Mingus (director).

R.I.P. - Paul Motian (1931-2011)

2011-11-24T22:58:00.012-02:00

O silêncio de um baterista. Nos últimos anos, se foram Elvin Jones, Max Roach e Rashied Ali. Agora, Paul Motian. Todos eles destacadas figuras do moderno universo jazzístico, senhores que ajudaram a levar a bateria além de seu papel tradicional de simples condutor rítmico.
Era ainda 1959 quando Paulo Motian se juntou a Bill Evans (1929-1980) e Scott LaFaro (1936-1961) para formar um antológico trio –peça fundamental na reestruturação da relação entre piano-baixo-bateria– e demarcar seu espaço na história do jazz. Disse Motian à All About Jazz:

“I think it was the first time that people were playing in a piano/bass/drums trio that wasn't just the pianist being backed by bass and drums. That was the norm. The music I happened for us because of who were—the people and the music and the talent of the people playing and coming together. It was like three pieces of a puzzle that just fit together very nicely. And the music was great, man; people were playing great. I can listen to that stuff now and it sounds like it could have been recorded today. I remember us talking about that—we wanted to make a music that didn't have a date on it. And I guess that happened."

Uma década depois, Motian estaria junto com Charlie Haden (parceiro em diferentes etapas) ao lado de Keith Jarrett para formar um dos brilhantes grupos que atravessou os anos 1970. Logo viriam os trabalhos como líder, fundamentais na sedimentação da carreira de músicos tão distintos quanto Bill Frisell e Joe Lovano. Motian sempre esteve aberto a parcerias amplas, somando encontros com músicos de perfis, gerações e histórias distintas: Geri Allen, Joshua Redman, Gary Peacock, Chris Potter, Dewey Redman, Steve Swallow, Lee Konitz, Marilyn Crispell, Tony Malaby –todos dividiram créditos com ele em algumas das dezenas de álbuns que assinou. Curioso que pianistas sempre foram parceiros de relevo em sua trajetória (Paul Bley, Evans, Jarrett, Allen, Crispell); recentemente, apareceu ao lado de alguns destaques da nova geração: Jason Moran, em “Lost in a Dream” (2010), e Brad Mehldau, em “Live at Birdland” (2011).

O percurso de Motian, que nasceu na Filadélfia, em 1931, e começou a tocar profissionalmente nos anos 1950, ajuda a entender a abertura de sua experiência e realização artística. Nomes de diferentes eras do jazz estiveram a seu lado em cerca de seis décadas de vida musical e pesaram no rumo inovador que suas baquetas tomaram:

"I played 4/4 for about a million years. I mean, I played with Oscar Pettiford, Coleman Hawkins, Roy Eldridge, Herbie Nichols, Thelonious Monk. After I played with Bill Evans and then started playing with Paul Bley and Albert Ayler and different people, I just started opening up the way I played and it just sort of became what it's become.”

Em meados da década de 60, Motian inicia o que serua um longuíssimo contato com o pianista canadense Paul Bley. Os dois celebrariam encontros em muitas oportunidades, dos quais nasceram expressivos registros, como “Notes” (88), “Memoirs” (90) e “Not Two, Not One” (99). Dos primeiros diálogos, ficou como testemunho uma sessão de março de 1964. Editado em “Turning Point”, o encontro já foi resgatado em outros álbuns, com outros nomes e capas. Além de baterista e pianista, o disco traz a presença de Gary Peacock e do saxofonista John Gilmore (1931-1995), sempre lembrado como membro central da Sun Ra Arkestra (em duas faixas que aparecem no disco, captadas em outro momento, as baquetas ficam a cargo de Billy Elgart). Criado na aurora do free jazz, Turning Point testemunha um momento de busca por liberdade e descoberta de novos processos musicais, sem arroubos ou ataques desmedidos. Música inovadora, mas de degustável fatura.

A1 Calls

A2 Turning

A3 King Korn

B1 Ictus

B2 Mr. Joy

B3 Kid Dynamite

B4 Ida Lupino

*Paul Motian: drums

*Paul Bley: piano

*John Gilmore: tenor sax

*Gary Peacock: bass

(Billy Elgart: drums in B2, B3)

Recorded New York City, Mirasound Studio, March 9 1964 / (B2, B3 Recorded Seattle Washington, May 10 1968).

Músicos de (praticamente) um tiro só: Marzette Watts

2011-11-21T23:00:00.007-02:00

Na ebulição da cena free jazzística nos anos 1960, muitos nomes surgiram e desapareceram sem deixar maiores rastros. Em discos da época, não é complicado encontrarmos músicos dos quais quase não restaram referências. Isso em meio a outros tantos que fomentaram gigs, circularam no meio, ajudaram a aquecer os esquemas e partiram em silêncio. O free jazz brilhou com o mesmo espírito de certo rock garageiro, abraçado por muitos jovens que acabariam por não ter na música seu campo central de sobrevivência. Em torno desses inúmeros anônimos, há também uma leva de músicos que conseguiram gravar álbuns próprios, mas que não viram suas carreiras prosseguirem. Quantos não assinaram a capa de apenas um ou dois discos? Engolidos pelas poucas oportunidades, desanimados pela dificuldade em sobreviver no mundo da free music, quantas figuras expressivas não acabaram dragadas?

Um importante capítulo nessa história foi o selo ESP-Disk, pelo qual muitos jovens estrearam e, em alguns casos, deram seus únicos suspiros. Em tempos recentes, após décadas fora de catálogo, tem ocorrido o resgate do legado do selo em formato digital, passo destacado na recuperação da arte de artistas esquecidos. O caso mais relevante em tal processo é o do trompetista Norman Howard. Desaparecido do universo musical em meados da década de 1970, Howard entrou em estúdio para registrar sua estréia como líder em novembro de 1968. O rebento se tornaria lendário: “Burn Baby Burn” era seu nome. Mas a crise que afetou a free music e o ESP fez com que o disco acabasse engavetado; Howard, desiludido, se isolaria... Apenas em 2007 –após circular como raro K7 nos anos 80/90– “Burn Baby Burn” apareceria em versão definitiva em CD. O curioso é que não se sabe que fim levou o músico, nem se estava morto quando sua genial obra foi desenterrada... A história se repete com outros nomes: o multi-instrumentista Giuseppi Logan, após gravar pelo mesmo selo os belíssimos “The Giuseppi Logan Quartet” (65) e “More” (67) desapareceu. Muitos tentaram reencontrá-lo nas décadas seguintes, sem sucesso. Dizia-se que havia se tornado mendigo, morrido e sido enterrado como indigente. Para surpresa da comunidade free jazzística, Logan foi reencontrado em 2008, já com 73 anos de idade, mas ainda pronto para reativar seu sax... A lista de músicos que despontaram nos 60's, mas logo silenciaram, é extensa: Arthur Jones (1940-1998), que assinou como líder apenas o clássico “Scorpio” (69); o trompetista Ric Colbeck, autor também de um único rebento, “The Sun is Coming Up” (70); Alan Shorter (1932-1987), que resumiu seu recado aos fortes “Orgasm” (68) e “Tes Esat” (70); o saxofonista Joe Phillips, que coassinou “Burn Baby Burn” antes de aderir ao islã, mudar seu nome para ‘Yusuf Munin’, gravar o fantástico “Al-Fatihah” (71) e sumir do mapa; ou o saxofonista Byron Allen, que soltou seu "The Byron Allen Trio" (64) sob as bençãos de Ornette Coleman, mas não vingou, tendo editado apenas um outro registro nos anos 70, antes de evaporar de vez; há também a cantora Patty Waters, que empolgou os ouvintes com “Sings” (65) e “College Tour” (66), ambos pelo ESP, para depois se afastar dos estúdios por três longas décadas; e Jacques Coursil, trompetista que lançou dois finos exemplares, “Way Ahead” (69) e “Black Suite” (70), optando na sequência a se dedicar somente ao ensino –voltaria a lançar um disco em 2005.

Dentre esses e outros, há um nome sempre lembrado: o do saxofonista Marzette Watts (1938-1998). Em paralelo à sua breve história como instrumentista, Watts ficou conhecido como engenheiro de som, estando por trás de discos clássicos: “Duo Exchange”, de Rashied Ali e Frank Lowe; “Alabama Feeling”, de Arthur Doyle; “Communications Network”, de Clifford Thornton; “Southern Bells”, do Clarinet Summit; todos trazem sua assinatura nos créditos. Já como saxofonista, líder e autor, Watts está presente em apenas dois álbuns: “Marzette and Company” (66) e “The Marzette Watts Ensemble” (68).

A história desse saxofonista americano nascido em março de 1938, no Alabama, começa com estudos de piano ainda na infância. Mais à frente, seu envolvimento com o SNCC (Student Nonviolent Coordinating Committee), importante grupo de luta pelos direitos civis dos negros, acabaria por tornar problemática sua permanência em seu dinamitado estado natal. A saída: Nova York, onde desembarcou em meio à efervescência do free jazz. Logo se aproximou do inflamado poeta Amiri Baraka, conhecendo por intermédio dele jovens músicos que nasciam junto ao free. Em 63, após passagem por Paris, onde tocou e aproveitou para estudar artes plásticas, Watts se aloja sob as franjas de Don Cherry, com quem aperfeiçoa seu sopro. Logo estaria acompanhando Henry Grimes e participando de gigs ao lado de Cecil Taylor, Sonny Sharrock e Archie Shepp. Depois de breve passagem pela Dinamarca, se reestabelece em NY e tem a oportunidade de gravar pelo ESP seu primeiro álbum, reeditado em tempos recentes em CD. Depois de uma segunda experiência em disco, agora pela Savoy, o saxofonista decide ficar apenas por trás da mesa de som. Em paralelo com o trabalho técnico em estúdio, iria depois direcionar sua verve artística para a produção e roteiro de filmes –uma aposta sem grande repercussão. Antes de sofrer um infarto, em março de 98, teve um de seus últimos trabalhos técnicos na música registrado no álbum “Tudor City”, do projeto Max Factory, captaneado por Alan Litch e Fred Lonberg-Holm –o lado B ficou a cargo de Marzette; o A, de Thurston Moore.

Os dois únicos discos assinados pelo Marzette Watts músico apresentam perfis diferentes. “Marzette and Company”, de dezembro de 66, é uma sessão mais áspera, com destacadas participações do guitarrista Sonny Sharrock e do sax de Byard Lancaster. Já o registro de “The Marzette Watts Ensemble”, realizado menos de dois anos depois, apresenta uma fatura mais reflexiva, para a qual os vocais etéreos de Patty Waters em alguns temas são essenciais. A versão do ‘standard’ colemaniano “Lonely Woman” é um dos pontos de delicado brilho do álbum; a faixa de abertura, “October Song”, de Bill Dixon, é outro deleite, na qual as vocalizações remetem ao espírito assombrado e desolado presente em composições de L. Nono. Da lavra de Watts, “F.L.O.A.R.S.S.” é o momento em que melhor se pode observar o trabalho do instrumentista. Nunca reeditado, “The Marzette Watts Ensemble” mostra que o saxofonista não deveria ter deixado sua arte; não faltavam força e inventividade à sua trilha. Mais um testemunho de abandono prematuro...

A1. October Song
A2. Play It Straight
A3. F.L.O.A.R.S.S.
B1. Medley
B2. Lonely Woman
B3. Joudpoo

mztw
*Marzette Watts: tenor
*George Turner: cornet
*Marty Cook: trombone
*Bobby Few: piano
*Frank Kipers: violin
*Patty Waters, Amy Schaeffer: voice
*Cevera Jehers, Juny Booth, Steve Tintweiss (2): bass
*J.C. Moses, Tom Berge (2): drums
*Bill Dixon: piano (2); producer

Recorded in NYC, 1968.

O ritual 'afro-grind' do Mombu

2011-11-16T21:29:00.007-02:00

Sax e bateria formam uma parceria potencialmente explosiva. Quando os mestres John Coltrane e Rashied Ali se uniram em fevereiro de 1967 para a sessão que gerou o seminal Interstellar Space não faziam ideia de que o formato seguiria rendendo duos ontológicos nas décadas seguintes... Em 2010, a grande surpresa do encontro sax-bateria foi o FLAC. Em 2011, foi a vez dos italianos do Mombu assumirem o posto.
Nascido do encontro do saxofonista Luca Mai –conhecido do feroz ZU– com o baterista Antonio Zitarelli, o Mombu buscou sua base na rítimica-ritualística africana, incorporando elementos de free jazz, hardcore e metal, segundo os próprios. Há pouco, soltaram o álbum de estréia –já postado pelos parceiros do Sonora Aurora. Para quem ainda não foi apresentado ao duo, um pouco de Mombu ao vivo:

http://www.myspace.com/mombumombu

Improvisação livre coletiva: é na sexta, imperdível

2011-11-10T21:43:00.001-02:00

Amanhã tem encontro de um combo feroz na Serralheria, reunindo um pessoal que tem apostado na força da improvisação livre: nova geração, som de primeira, alta voltagem.
Quem quiser saber mais, basta consultar a apresentação do Vagner Pitta (que tb estará presente, armado de seu violino) feita com o esmero de sempre no Farofa Moderna.

Passagem pela Islândia: Hilmar Jensson

2011-11-07T22:34:00.005-02:00

Eles nasceram na mesma época, anos 1960, na congelante cidade de Reykjavik, capital da Islândia, em um período em que o minúsculo país era apenas uma nação jovem, que havia conquistado a independência da Dinamarca há recentes duas décadas. Dentre a tímida população islandesa, que contava com aproximados 200 mil habitantes, os dois buscariam abrigo no mesmo pólo, sonhando com o mesmo futuro: o mundo musical se tornaria opção única para eles, independente de como a arte de cada um seria acolhida. Enquanto ele terminava seus estudos na FIH School of Music, ela gravava o disco que abriria as portas do mundo à sua singular voz. No futuro: ela, Björk Guðmundsdóttir (b.1965), se tornaria referência mundial, reconhecida e celebrada em todos os cantos. Ele, Hilmar Jensson (b.1966), guitarrista discreto e taciturno, por vezes ignorado mesmo dentre o restrito público do marginal campo sonoro que abraçou. Nunca se encontraram no palco, nunca gravaram juntos. A música, sempre: mas escolhas, rumos e destinos outros, parcelas distintas do universo artístico reservadas a cada um deles...

Hilmar Jensson deixou a Islândia na virada dos 80/90, rumo aos EUA. Sua intenção era a de seguir os estudos em jazz. Destino óbvio: o Berklee College of Music, onde recebeu o diploma em 1991. Mas Jensson não estava fadado a se tornar propriamente um guitarrista de jazz: experimentar novos campos paralelos era o que o atraía. Nos corredores de Berklee acabou por encontrar um parceiro fundamental, o baterista americano Jim Black, com quem dividiria muitas investidas dali a diante. Black estaria presente para dar suporte já em “Dofinn”, seu disco de estreia captado em 95. Um pouco antes disso, Jensson já havia circulado bastante pelo underground nova-iorquino, onde conheceu músicos com quem compartilharia ideias no futuro.

Em 1994, rumou de volta à sua cidade natal, onde desenvolveu projetos para agitar um pouco a tímida –especialmente em comparação ao pop-rock local– cena free/jazzística. Em paralelo, manteve parcerias diversas com músicos americanos e europeus –dentre os quais, Tim Berne, Chris Speed, Wadada Leo Smith, Peter Evans, John Zorn e Carlos Zíngaro–, que resultaram em aparições em uns 40 discos. Com os americanos Andrew D’Angelo (saxofonista do fantástico Morthana) e Jim Black (membro do ‘Bloodcount’ de Berne), mantém um de seus mais interessantes projetos, o “Tyft”. O trio estreou em disco com o elogiadíssimo “Meg Nem As” (2006).

A guitarra climática de Jensson se mostra devedora de algo exalado por figuras como Henry Kaiser e Bill Frisell, invocando rumos amplos, que ora resvalam em certo sotaque rocker, com riffs e rítmos mais marcados, ora ecoam mais sujamente etéreos e com menos amarras ou mesmo com certos tiques de referência no wave, com viagens mais quebradiças –e tudo sem ignorar sua formação jazzística. Dofinn é um registro de estreia bastante maduro e promissor, para o qual colaborou irrestritamente o seleto grupo convocado. Produzido pelo então já renomado Tim Berne, o álbum exibe a generosidade do guitarrista: muitas vezes podemos esquecer que é ele quem comanda e assina a sessão. “Leidsong” é a melhor apresentação à sua guitarra, com longo espaço para o músico islandês exibir seu toque. “Skvaldur”, que abre os trabalhos em marcante sombra modern creative, reserva aos três saxofonistas que aparecem no disco momentos saborosos de encontro. Dofinn não é um álbum acentuadamente agressivo, nem de modos abstratos e divagantes (exceção: última faixa), devendo atrair os admiradores de Berne e Chris Speed, mais do que os fãs do Morthana de D’Angelo. Se sucesso não houve, nada de fama, coletivas, tapete vermelho ou aparições em TVs (realidade completamente avessa à de sua famosa conterrânea), ao menos Jensson conseguiu imprimir seu espaço no mundo que elegeu.
Ao menos nesse restrito gueto, Jensson pode ser ouvido e lembrado.

1. Skvaldur

2. Leidsong

3. Von

4. Verdhrun & Leyndarmal

5. Doffin

6. Tingle, Tingle

7. Pogn

dfn

*Hilmar Jensson: guitar

*Tim Berne: alto (1,4,5)

*Chris Speed: tenor, clarinet

*Andrew D’Angelo: alto, bass clarinet (1,2)

*Skuli Sverrisson: electric bass

*Jim Black: drums

Recorded at Systems II, Brooklyn in June 1995. Produced by Tim Berne.

Incandescente encontro de saxes

2011-11-03T21:59:00.015-02:00

Para o deleite de quem conduz suas audições pelo universo free, três dos maiores nomes já surgidos empunhando um sax resolveram se juntar para tocar um novo projeto. Era meados de 2002, os músicos eram nada menos que Peter Brotzmann, Mats Gustafsson e Ken Vandermark, e nascia o Sonore. Diferentemente de antecessores famosos, como o 'World Saxophone Quartet' e o 'Rova', o Sonore acabou por se restringir a um trio (não teria sido nada mau se tivessem agregado uma figura como Evan Parker para completar um quarteto!).
A história começa em uma turnê do “Chicago Tentet” em 2002, quando os três saxofonistas acabaram por se apresentar sozinhos em um programa de rádio em Montreal. No ano seguinte, o trio nascente se juntaria para uma pequena temporada e, em 2004, já com o som do grupo definido, seria lançado o disco de estréia: “No One Ever Works Alone”. Depois viriam “Only the devil has no dreams” (2007) e o mais recente “Call Before you Dig” (2009). Em suas apresentações, o Sonore desenvolve peças amparadas em extensas improvisações nas quais há espaços para solos, diálogos em trio e em duo, ataques guturais, passagens contemplativas e introspectivas, beleza e rudez amalgamados em um processo que resulta em música grandiosa e particularíssima –tudo isso pode ser degustado no concerto abaixo, completo, quase uma hora de som, registro de 2010. Por mais que eles trilhem rumos paralelos e desenvolvam suas artes em esferas combinatórias, é fantástico notar, todos lado a lado, como que suas investigações são particulares, mesmo que, nesse formato de trio sem intervenções de outros instrumentos distintos, sejam indissociavelmente complementares. Nos momentos de Brotzmann ao tarogato e Vandermark com o b-flat clarinete, o colorido do grupo se expande, acabando por ampliar o banquete auditivo. Degustem:

(Live at Modern Art Centre, Saint Petersburg, in May 14 2010.)

[Ainda não tivemos a oportunidade de ver o trio no país. Mas é curioso notar que cada um deles –Brotzmann (2008), Vandermark (2010) e Gustafsson (2011) – já demonstrou sua arte em palco brasileiro. Quem sabe algum dia não teremos a sublime experiência de vê-los juntos ao vivo por aí...]

As cirandas livres do FLAC

2011-10-29T20:05:00.003-02:00

É chegada a hora do palco. Após a brilhante série “Improvisações”, em três volumes, o duo FLAC apresenta seu novo trabalho, “Cirandas Brasileiras”: e o lançamento será ao vivo, amanhã na Serralheria. A dupla do ABC paulista, amparada em sax e bateria, protagoniza com esse álbum mais uma página sonora de grande ebulição, que vai aos poucos fazendo de sua fresca jornada (os trabalhos começaram em 2010) um capítulo de relevo na marginalizada free music local.

Para compor este “Cirandas Brasileiras”, o duo mais furioso da nossa cena instrumental decidiu explorar novas perspectivas, mas sem perder a marcante potência de sua primeira trilogia. Partindo do mesmo estímulo que inspirou Ivo Perelman a realizar seu disco “Ivo” (1989), o FLAC resolveu investigar temas do cancioneiro popular e infantil, desconstruindo peças como “Atirei o Pau no Gato” e “Cai Cai Balão” (veja video). Mas não se trata aqui de simples visitas instrumentais a canções cujos versos pertencem à memória coletiva e afetiva da massa brasileira. O que Flávio Lazzarin (bateria) e André Calixto (saxes) buscam, tateiam e alcançam são criações quentes e únicas, livres de relações diretas entre ponto de estímulo e produto concretizado. Nada de citações desnecessárias, superficialidade melódica ou cacoetes travestidos de regionalismo. O marco de partida –o universo popular– está presente, claro. Porém, o que sustenta a edificação dessas “cirandas” são as investigações improvisativas, iluminadas pela versatilidade dos músicos e pela intensidade com que empunham seus instrumentos. Com “Cirandas Brasileiras”, o FLAC conseguiu agigantar o alcance de sua peculiar música: aguardemos, com ouvidos atentos, os próximos passos da dupla.

cirandas

---------------------------------------------

“FLAC”

Quando: 30 (domingo), às 20h

Onde: Serralheria (R. Guaicurus, 857. Lapa)

Quanto: R$ 10

O ano ainda não acabou: Sabu Toyozumi

2011-10-27T23:09:00.011-02:00

Salvo surpresas, esse último bimestre não será nem sombra do que presenciamos em 2010, mesmo período, quando aportaram nas redondezas nada menos que Ken Vandermark, Ornette Coleman, Han Bennink e Crash Trio. Mas também não passaremos a seco, sem desespero:

*Novembro (12 e 13, Sesc) terá nas ‘Skull Sessions’ de Rob Mazurek seu prato principal. O cornetista americano se reunirá com companheiros de Chicago (Nicole Mitchell, Jason Adasiewicz) e locais (Mauricio Takara, Thomas Rohrer) para celebrar a fase elétrica de Miles Davis (depois falamos mais).

*Já dezembro (7), sem decepções: um convidado especialíssimo está na agenda: o percussionista japonês Sabu Toyozumi, que tocará e dará oficina no Centro Cultural São Paulo (CCSP).

Nada de exagero em apontar Toyozumi como o mais destacado baterista do Japão no campo da música livre. Yoshisaburo “Sabu” Toyozumi (1943, Yokohama) adentrou a free music apenas no fim da década de 1960, depois de uma intensa experiência rocker com os “Samurais”, banda que o levou a uma turnê pela Europa em 67, tendo –conta-se– chegado a participar de festivais ao lado de Pink Floyd e Jimmy Page. A primeira associação com o free se daria por meio de um duo com o saxofonista Mototeru Takagi (1941-2002), que acumulava, por sua vez, experiências nesse campo com o trio do baixista Motoharu Yoshizawa e o quarteto do percussionista Masahiko Togashi. Em duo, Sabu e Takagi gravaram, em abril de 71, “If Ocean is Broken”, álbum recentemente relançado em edição especial/vinil duplo pelo selo Qbico.

Seduzido pelo novo idioma que descobrira, Sabu Toyozumi resolveu imigrar para um dos pólos criacionais mais contagiantes de sempre: a AACM. Era ainda 71 quando o músico japonês chegou a Chicago para aprender com os mestres que ali se reuniam. No ano seguinte, seria a vez de se fixar em Paris, desvendando outras faces oriundas do free jazz. Curiosamente, sua biografia registra um “Brazil Tour” em 74 –mas disso nada sabemos...

Já solto dentro do novo idioma, criou o grupo “Sabu Unit” para desenvolver sua música.

Como líder, apareceu com o álbum “Message to Chicago” (74), no qual homenageava o pessoal da AACM, investigando inclusive um clássico do Art Ensemble of Chicago (“People in Sorrow”). Entre 76 e 78, andou tocando em duo com o mito Kaoru Abe: a parceria rendeu o disco “Overhang-Party”, captado semanas antes da morte do saxofonista em setembro de 78.

Sabu Toyozumi logo se tornou uma das referências fortes da free music de seu país; muitos dos que excursionaram, especialmente a partir dos anos 1980, para o Japão acabaram por tocar com ele. Gigs na Europa e nos EUA também se tornaram habituais: Evan Parker, John Russell, Sunny Murray, Lol Coxhill, John Butcher, Marcio Mattos, Misha Mengelberg, Derek Bailey, Paul Rutherford, Roger Turner, Peter Kowald, Veryan Weston, a lista é extensa. Alguns discos gravados: “Ars Longa Dens Brevis” (87), com John Zorn e Fred Fritch; “Two strings will do it” (91), com Barre Phillips e Keiji Haino; “Cosmos Has Spirit” (92), com Wadada Leo Smith –apenas para lembrarmos alguns capítulos.

Quem de longa data se uniu a Sabu foi Peter Brotzmann. O primeiro registro dessa parceria data de 82, em uma passagem do saxofonista alemão pelo Japão; depois, outros vieram. Com Brotz, Sabu destila o ponto peso-pesado de sua pegada. Não há tanto espaço para divagações percussivas, que também fazem parte do cardápio do músico; são cinquenta minutos de acelerada incursão sax-bateria. É o tipo de registro que não deixa muito espaço para dúvidas: é pegar e escutar de uma sentada, ouvidos em alta estimulação.

1.First Set I (31:23)

2.First Set II (19:24)

*Peter Brötzmann: tenor, baritone, tarogato

*Sabu Toyozumi: drums, percussion

Recorded live in Tokyo in May 1982.

Já que falamos de mulheres saxofonistas...

2011-10-24T21:39:00.009-02:00

...nada melhor do que trazer algo da mais feroz de todas!

Um ano após o Jooklo Duo se reunir com John Blum nos estúdios da rádio WFMU, Virginia Genta e David Vanzan retornaram à cena do crime. Dessa vez, outro cúmplice: o violinista C. Spencer Yeh. A gig se deu no fim de maio passado, antes do início de uma turnê que a dupla italiana fez ao lado de Bill Nace pelos EUA (vídeo abaixo!) durante as semanas seguintes.

(Virginia Genta: sax; David Vanzan: drums; Bill Nace: guitar / 2011)

Nascido em Taipei/Taiwan no ano de 1975, C. Spencer Yeh se radicou nos EUA ainda criança. Tem trabalhado muito de forma solista, lidando com violino, voz e eletrônicos. Registra também sessões com Paul Flaherty, Evan Parker e Thurston Moore.

No encontro na WFMU, a marca de Yeh está mais presente no começo da apresentação, especialmente na primeira metade de “Freaky Revelation”. Mas ainda nessa faixa de abertura vemos a temperatura ganhar corpo e o Jooklo Duo resplandecer de forma mais explícita, com Ms. Genta trazendo seu sopro inflamado a primeiro plano: observem a forma como ela mostra “como se faz” a partir dos 15 minutos. E Yeh responde, travando um embate nervoso com suas cordas. Depois desse aquecimento, o restante da apresentação decola em espírito tenso, com muitas faíscas. “Set the Fire” é Virginia disparando seus dardos desde o minuto 1, como somente uma legítima filha de Mr. Brotzmann poderia fazer. A longa “Obscure Brotherhood” não fica atrás, com a pequena Ms. Genta mostrando que tem pulmão de sobra para fazer sombra a muito marmanjo...

"Live at WFMU"

1. Freaky Revelation (20:18)

2. Set the Fire (13:08)

3. Obscure Brotherhood (20:20)

jookloYeh

*Virginia Genta: sax, flute, perc.

*David Vanzan: drums, percussion

*C. Spencer Yeh: violin, voice

Recorded live at WFMU Radio, May 25, 2011. Jersey City/USA.

Conversando com Ada Rave

2011-10-21T16:15:00.010-02:00

Nos últimos tempos, temos visto uma leva crescente de mulheres tocando sax. Da radicalidade da italiana Virginia Genta, passando pela alemã Ingrid Laubrock (que esteve recentemente no país com o ‘Sol 6’) e a americana Matana Roberts, o instrumento-símbolo do jazz vai aos poucos deixando de ser tão egoisticamente masculino. Da Argentina, vem uma nova desbravadora do sax: Ada Rave. Sendo um dos nomes ativos da atual cena jazzística portenha, ela tem estado envolvida em interessantes projetos de perfis e intensidades variados, desenvolvendo uma obra com pontos de força e beleza, indo do jazz contemporâneo à improvisação livre. Há pouco, trouxe neste espaço o disco novo (“La Continuidad”) de seu quarteto. Agora, segue uma conversa que tive com a saxofonista. Só falta algum de nossos curadores/produtores convidá-la para estrear por aqui...

1) Quem é Ada Rave? Como nasceu sua ligação com a música, como surgiu a saxofonista...

"Minha formação é mais errática que formal... Minha vontade de ouvir música vem desde pequena; aos 7 anos, no Natal, pedi de presente um rádio-gravador e meu primeiro contato com a música foi por meio dele, algum cassete infantil e um pouco de rock (The Police, Queen e Pink Floyd)... Cresci, até uns 10 anos, no sul da Argentina, indo de Chubut a Santa Cruz, da cidade ao campo, da praia à montanha. Cheguei em Buenos Aires nos anos 1980 (depois dos 70’s, o melhor momento do rock argentino... García, Spinetta, Los Abuelos, Sumo...) e meu gravador servia para que pudesse escutar tudo o que a democracia colocava nas rádios, adorava ‘zapear’... e depois investigava com os amigos do que se tratava, comprava discos... E assim fui descobrindo bons sons do rock e algo de jazz, Armstrong, e Branford Marsalis junto a seus companheiros tocando com Sting em ‘Bring on theNight’...
"Aí comecei a conhecer outros músicos de jazz e passei a querer tocar sax. Pedi a meu pai um sax tenor e acabei ganhando um aos 13 anos, um ‘Weril’ de estúdio (ele se mudou para o Brasil...). Estudei apenas um ano, mas no colegial comecei a tocar em diversos grupos, de ska, rock, reggae etc. Até que um amigo me deu de presente, quando tinha uns 17 anos, o ‘Coltrane Quartet’ e foi aí que passei de vez para o lado do jazz, e sonhava em ser uma saxofonista de jazz... Mas tive de aguardar uns anos para adquirir um bom instrumento, me tornar independente e começar a estudar com seriedade. Comecei a ter aulas particulares com Carlos Lastra ao mesmo tempo em que tentava, com muita dificuldade, tocar em uma jam session conduzida por Enrique Norris no Jazz Club Del Passe La Plaza. Estudei uns anos com Lastra, com Rodrigo Domínguez, Norris e freqüentei a Escola de Música Popular de Avellaneda. Em 2010, concluí o curso de jazz do conservatório Manuel de Falla, aberto por Ernesto Jodos em 2005, ao mesmo tempo em que seguia tocando e fazendo projetos... experimentando... tocando com amigos... tocando... tateando... e aprendendo a estudar..."

2) E sua relação inicial com o free jazz e a improvisação livre, como desembarcou nesse universo sonoro?

"Creio que nos momentos de contato direto com o instrumento, tocando por tocar... por puro prazer, sem saber muito sobre música, foi aí que se deram meus primeiros encontros com a improvisação. Na época do colegial, com o disco do Coltrane Quartet, tocando junto a todo volume, sem parar, tentando imitá-lo... depois conheci ‘Stellar Regions’ e ‘Ascensión’ e Ornette, não entendia o que estavam tocando ali! Continuo a me surpreender com essas gravações, esse pessoal segue sendo incrível para mim! Depois, com o tempo, a gente vai se identificando com coisas que vai escutando, há coisas que te agradam, outras que te fascinam e outras que você sente que são bem realizadas e belas, mas que não te enchem o coração...
"Quando comecei a tocar nas jams, conheci o Pablo Puntoriero (La Cornetita), que me convidava para participar em algum tema... Assim, além de tentar aprender o estilo bebop, de tentar copiar os grandes nomes jazz e desvendar sua história, também me atraía todo o mundo dos grandes dos 60’s (a última fase do Coltrane e seus seguidores, Ornette, Don Cherry, Cecyl Taylor, Anthony Braxton e o pessoal de Chicago, além dos músicos eruditos do século XX), tinha o desejo de tocar o que eu sentia. Com Carlos Álvarez e Germán Boco, tentávamos tocar standards, mas também Ornette, e compúnhamos pequenas melodias que eram, na realidade, desculpas para improvisarmos sem forma definida, dentro da linguagem que íamos absorvendo. Também com Paula Shocron e Lulo Isod tentávamos improvisar livremente... Com meu quinteto ‘Proyecto Orgánico Rave’ busquei experimentar com temas nos quais era possível partir de uma forma e retornar ou não etc. Até que, com Augusto Urbini e Pablo Vásquez, nasceu o ‘Martes151’ (vídeo abaixo), esse era nervoso e, vendo até onde chegamos, creio que foi o primeiro grupo realmente free em que toquei, ali tocávamos o mais solto que podíamos, buscávamos criar algo entre o grupo fazendo longos sets na casa do Augusto. É a partir disso tudo que tento desenvolver o que faço."

3) Você despontou na cena argentina no começo de 2000, em projetos com Carlos Àlvarez e Paula Shocron. Como sua música se transformou ao longo dessa década?

"Penso que o quê alguém realiza faz parte de um longo desenvolvimento até que sua vida termine, o que vai vivenciando, ‘caminar el camino’, como dizem... Minha curiosidade me leva a ler, ouvir e ver, sobre Arte e história cultural de um modo geral (jazz, rock, contracultura, música clássica, outras culturas e épocas, outras expressões que não sejam ocidentais), acho que isso me ajuda a ir decifrando como quero fazer [as coisas], de que forma posso expressar o que carrego aqui dentro... Uma mudança pode ser sentida, [mas] não vejo as coisas como ‘o que devo tocar’ e sim como ‘o que sinto tocar’, acho que me identifico com uma forma expressionista, mais do que antes... Me identifico muito com os movimentos jazzísticos surgidos nos anos 60’s, com aquele espírito."

4) Que espaços tem encontrado na Argentina para desenvolver seu trabalho? Há um público e lugares para tocar, que permitam com que se viva apenas da arte que faz?

"Estão aparecendo movimentos de jazz criativo e moderno em outras cidades: Mar del Plata, Santa Fé e Rosário, são jovens que também tocam em Buenos Aires e têm apostado em criar seus próprios espaços e ensinar em suas cidades de origem. Em Buenos Aires, a maioria dos lugares trabalha com ‘borderaux’, mas a realidade é que nós músicos sobrevivemos dando aulas, tocando em algum evento... [Mas] Os lugares que contam com espaços na agenda para expressões mais livres são poucos: Thelonious Club apenas programa jazz; Virasoro Bar, Un Lugar de Ortúzar, Domus Arts, esses são bares ou casas de jazz que abrem suas portas para músicas mais radicais; Una Casa se dedica apenas à música experimental, noise e free por excelência (mas não é permitido tocar muito pesado: é sem bateria/percussão). No meu caso, estou organizando em um centro cultural uma jam session semanal de free jazz/experimental/impro livre, [a proposta é que] a cada segunda-feira [dia dos encontros] haja um grupo novo e tem havido bastante demanda. Em parte, a ideia é a de criar um espaço de encontro e intercâmbio, para que os músicos que têm essa forma de se expressar se conheçam, se agrupem, e tem dado resultados: o público curte as ‘viagens sonoras’, abrem suas percepções, mas vamos ver como a coisa vai andar, são apenas dois meses [de projeto], com noites fantásticas..."

5) Seu mais recente trabalho, La Continuidad, apresenta uma versão de Out to Lunch (Dolphy), uma homenagem a Monk, uma citação a Braxton. Quem são seus mentores no sax? E na música argentina?

"Em relação aos músicos que fizeram com que eu sentisse a necessidade de escutá-los milhares de vezes, sem que me cansasse disso, e com quem busquei aprender a crescer, estão: Coltrane, Shorter, Dexter e Sonny, Ornette, Dolphy, Braxton, a música de Monk e Mingus, e outros mais, mas esses são os primeiros para os quais direcionei meu foco. Na Argentina, Enrique Norris é para mim muito importante, tanto quanto Carlos Lastra e Pablo Puntoriero, sinto que a música deles é sincera e comprometida, que dão o que podem encima do palco, tenho muita admiração por eles, que me ajudaram muito nessa jornada. Ernesto Jodos também é um dos que mais admiro e que esteve e está, de uma forma ou de outra, próximo."

[Martes151: Ada Rave (sax); Augusto Urbini (bateria) e Pablo Vásquez (baixo)]

6) Como se deu a criação de “La Continuidad”? Há temas que compôs sozinha, houve ensaios, o grupo se apresentou ao vivo antes de gravar?

"Após o quinteto ‘Proyecto Orgánico Rave’, montei outro grupo no fim de 2009, com Martín de Lassaletta no baixo e Martín López Grande na bateria, pensei em um trio no qual pudéssemos nos inter-relacionar de forma mais próxima. Eu tinha várias composições e Lassaletta apareceu também com uma composição (El Garca de Noe) que ia ao encontro do projeto e nos reuníamos para improvisar livremente, experimentar ideias. Tocar sempre, sempre buscando locais para tocar. Em um momento em que a sonoridade já estava mais definida chamei o guitarrista Wenchi Lazo, por sua gama de sons e a sujeira que às vezes trás em sua música. O curioso é que na época em que decidi gravar e arrumei uma data em um estúdio, não encontrávamos lugares para tocar ao vivo. Dessa forma, ensaiamos uma vez por semana durante dois ou três meses e entramos em estúdio. Mais do que [dizer que] eu tenha comandado a gravação, foram todos fundamentais no desenvolvimento do que foi gravado e Wenchi, em muitos momentos, acabou por ser o porta-voz das minhas ideias, que eu não sabia ao certo como comunicar aos outros."

7) Você está envolvida no momento com diferentes projetos de propostas distintas –o seu Quarteto, Los Improvisadores Graficos e Resistencia Chaco. Como tem sido conciliar a atuação nesses grupos?

"Gosto de tocar... e é verdade que cada coisa é diferente, pois quando mudam os parceiros as respostas ao tocar se alteram também. Esses três projetos são distintos entre si, é sempre um desafio, mas nem todos funcionam ao mesmo tempo, há meses em que se envolve mais com um deles, e meses com os outros. De qualquer forma, sempre estou me reunindo com alguém para tocar impro ou jazz e o que vai aparecendo é bem-vindo... o mais difícil é acertar as agendas..."

8) Cinco álbuns fundamentais em sua discoteca.

"Que difícil!!

1. Out to Lunch (Eric Dolphy)

2. Ascension (John Coltrane)

3. At the Golden Circle (Ornette Coleman, vol. 1 e 2)

4. Momentum Space (Dewey Redman, Cecil Taylor, Elvin Jones)

5. Five Pieces (Anthony Braxton)

9) Obrigado pela entrevista e espero em breve vê-la tocando no Brasil.
"Seria um grande prazer para mim. Adoraria. Obrigada."

Kaoru Abe: a arte da criação solitária

2011-10-17T22:51:00.002-02:00

Há quatro décadas, o saxofonista japonês Kaoru Abe (1949-1978) iniciava sua incursão no mundo solo, que marcaria toda sua (brevíssima) trajetória artística. Mais da metade dos discos que assinou, entre 70 e 78, são compostos por gravações solistas. Abe não começou sua jornada como músico solitário, dividia os trabalhos com outros instrumentistas, como revela sua discografia. Seu surgimento para o mundo é demarcado pela condução de um feroz trio (“Trio Shinjuku”, de março de 70), de sabor marcadamente ayleriano; na sequência, viriam as icônicas experiências em duo com o guitarrista Masayuki Takayanagi (“Mass Projection”, “Kaitaiteki Kokan”), de jun/jul de 70, que marcam em muito o começo do ‘free-noise’; ao lado de Hiroshi Ymammazaki, nasceria a forte sessão de janeiro de 71: “Jazz Bed”; ainda em outubro daquele ano, outra parceria com outro percussionista, Yasukazu Sato (“Acacia no Ame Ga Yamu Toki”).

É do final de 1971 que vem os primeiros registros do saxofonista sozinho com seu instrumento. Em dezembro daquele ano, nasceram as criações que seriam editadas como “Kurai Nichiyoubi”. E, a partir daí, uma serie de gravações solitárias, brotadas praticamente em todos os seus próximos curtos anos de vida: “Matanohi no Yumemonogatari” e “Mokuyoubi no yoru” (72); “Partitas” (73); “Mort a Credit” (75); “Studio Sessions” (76); a serie “Live at Gaya” (77/78), com 10 volumes; e “Last Date” (78). O sax alto, seu instrumento favorito, é quem domina as sessões. Mas há oportunidade para vermos Abe fuçando outros instrumentos que gostava de executar: o sopranino, o clarinete-baixo, a harmônica, e até demonstrações (mais raras) à guitarra e ao piano. É interessante observar que dos poucos vídeos que restaram do saxofonista em ação, ele está invariavelmente só. Essa vontade de tocar sem parceiros em muito pode ser explicada pela própria trajetória do músico, que não é filiado a nenhum mestre ou escola; Abe fez seu percurso em muito sem ninguém, praticando seu sax solitário na beira da rodovia Tokyo-Yokohama , antes de começar a se apresentar profissionalmente em 1970. Existe até uma história lendária que conta que certa vez Abe foi avistado sozinho na neve, às margens de um lago congelado, tocando uma música incompreensível e insandecida: como as horas passavam e nada daquilo se encerrar, a vizinhança tratou de chamar a polícia para averiguar a situação, antes que o jovem de atitude suspeita acabasse por se envolver em algum 'delito' mais sério...

As gravações originárias de 1972 estão entre as mais representativas da poética de Kaoru. Críticos costumam apontar que sua música “esfriou” nos últimos anos de vida, adentrando um pólo mais contemplativo e marcado por espaços silenciosos e vazios. Ou seja: é desse início de vida artística que brotaram seus momentos mais valiosos.

Além dos dois álbuns de 72 citados, há um terceiro capítulo registrado em abril daquele ano: "Kagayakeru Nintai (Brightened Patiance)". Somente ao alto, o músico japonês desfia três longas improvisações, que exibem os traços marcantes de sua arte: rotas de aceleradíssimo ataque em meio a passadas de dedilhado mais pontual. Apesar do explosivo perfil do álbum como um todo, as faixas se sucedem em um crescendo, com a primeira improvisação se desnundando mais escaladamente; a segunda, em fúria desregrada em seus 16 minutos; e a última parte oscilando as variações –notem o caldeirão fervente que se tornam os últimos três minutos. Kaoru Abe nunca se vinculou a rótulos ou esferas, nada de flertar com jazz ou rock; sua música era algo espontâneo, livre e puramente improvisada, nascida como que um grito dolorido, esquartejante, indicador de uma busca sem fim, de um pólo inatingível, mas ansiosamente tateado. Se não fosse o envolvimento com a heroína, Kaoru Abe teria sobrevivido? Teria escapado de ser sufocado e devorado por sua implacável criação?

soloKN

"Kagayakeru Nintai" (Brightened Patiance)

*Kaoru Abe: alto saxophone (solo)

Recorded on April 11, 1972 at Pulcinella, Shibuya/ Tokyo.

Ada Rave apresenta seu novo trabalho

2011-10-13T11:17:00.004-03:00

Ontem fui surpreendido com uma mensagem que Keith Helt, do netlabel Pan y Rosas, de Chicago, me enviou. Keith avisava que havia acabado de lançar o mais recente trabalho da saxofonista argentina Ada Rave, “La Continuidad”. Pelo que Ada havia dito anteriormente, esperava que o disco aparecesse apenas lá para o final do ano: mas já está no ar para ser apreciado por todos interessados na música atual que tem sido realizada na Argentina. Acompanhada de seu quarteto, Ada exibe-se como compositora e improvisadora, mostrando a beleza e maturidade de seu trabalho por meio de 10 faixas de pegada ampla, que dão pistas de suas (p)referências e pontos de interesse artísticos.

O grupo comandado pela saxofonista começou como trio em 2009, adicionando a guitarra de Wenchi Lazo (coautor do interessantíssimo álbum “Cacerola”, com o cornetista Enrique Norris) no ano seguinte. Este disco de estreia foi gravado em junho passado. À abertura em marcado modo free jazzístico (“Tomatelo con Soda”), La Continuidad destila sequencialmente faixas com perfis variados, onde temos: o toque mais abstrato de “El modo y la ética braxtono”; a introspecção de delicada fatura de “No te olvides de las cosas sencillas”; o sabor bopiano de “Baila com Monk”; além de uma releitura do clássico “Out to Lunch”, de Eric Dolphy. No final, estampa-se um painel coerente, coeso e bem desenhado, saboroso em sua proposta e realização, que mostra que a música de Ada Rave está pronta para se espalhar por aí, bem além das fronteiras argentinas...
(Ps: está na hora de alguém convidá-la para estrear em solo brasileiro!)

la continuidad

*Ada Rave: tenor, alto, soprano

*Wenchi Lazo: guitar

*Martín de Lassaletta: bass

*Martín López Grandes: drums

Recorded at ION Studio, Buenos Aires, 2 june 2011.

Keith Jarrett e seu fantástico grupo dos 70s

2011-10-12T16:37:00.005-03:00

Durante a década de 1970, o pianista Keith Jarrett comandou um dos grupos estáveis mais fortes já vistos na seara jazzística. O quarteto contava com Dewey Redman (sax), Charlie Haden (baixo) e Paul Motian (bateria); o brasileiro Guilherme Franco participou em alguns períodos adicionando percussão. Os registros do grupo foram distribuídos especialmente pelo selo Impulse (há também algo por ECM, Columbia...); boa parte deles foi editada no Brasil, em vinil, ainda nos anos 70/80.

A atividade desse quarteto se concentrou entre 1971 e 1977, deixando como testemunho alguns álbuns com momentos realmente fantásticos –basta ouvir “Fort Yawuh” (73), “Treasure Island” (74) e “The Survivor’s Suite” (76/77). Já de imagens, pouco restou. O que se encontra por aí em vídeo costuma ser uma aparição no ‘Berliner Jazztage’, em novembro de 1973. É o que segue, pouco mais de 30 minutos da belíssima apresentação.

'Humanization 4tet': em alta voltagem

2011-10-10T22:25:00.015-03:00

Já destaquei o Humanization 4tet por aqui; faltava trazer o som dos caras... O quarteto tocou na edição deste ano do Jazz em Agosto, em Lisboa, e presenteou quem por lá passou com um concerto realmente intenso. O Humanization 4tet é um projeto recente, formado pelos portugueses Rodrigo Amado e Luís Lopes, ao lado dos americanos Aaron e Stefan González –filhos do grande trompetista Dennis González. O grupo já editou dois álbuns: a estreia homônima em 2008, pela Clean Feed, e “Electricity” (2010), pela Ayler Records.

O Humanization 4tet é um dos conjuntos mais interessantes do free contemporâneo. Suas amplas referências estão a serviço de um som de matriz estética jazzística, mas muito aberto e livre, que parte de temas precisos, fornecedores de um centro identificável e condutor em torno do qual os músicos improvisam sem preguiça. Os rumos explorados não são estáticos, tendo desembocado em uma pegada mais viajante e melódica no primeiro álbum, para depois desdobrar-se em uma experiência mais robusta e agressiva em “Electricity” –perfil que dá o tom dessa apresentação.
A abertura do concerto captado em Lisboa fica a cargo da impactante Dehumanization Blues, que já é, ao menos a meus ouvidos, a faixa-símbolo do quarteto. Há também uma ácida leitura de Bush Baby, resgatada do repetório de Arthur Blythe, lá dos idos 70s...

Em entrevista recente a Pedro Tavares e Rafael Vieira, da “Le Cool”, dias antes de tocarem no evento lisboeta, os músicos falaram sobre o trabalho do quarteto, referências, projetos, turnês etc (a conversa é boa e vale à pena ser lida por inteiro). Sobre o começo do 'Humanization 4tet', o guitarrista Luis Lopes contou:

“O projecto começou comigo e o Rodrigo, que pertencemos ao mesmo circuito de música improvisada de Lisboa. Nós já tínhamos experimentado tocar, tínhamos uns temas e estávamos a tentar montar um grupo para os tocar. Experimentámos com outro grupo, mas aquilo não funcionou. Estávamos à procura duma secção rítimica. Eles (os irmãos Aaron e Stefan) estavam a tocar duas noites com o pai (Dennis). (...) O Rodrigo disse, vamos ver o Dennis González. Eu não conhecia os putos. Como levamos os instrumentos (...), o Dennis convidou-nos para tocar na segunda parte, para fazer uma jam com eles. Começaram logo a improvisar connosco. Foi um alto power, uma alta liberdade, noção de grupo, vontade de partilhar emoções. Ficámos muito contentes e aí pensei, vamos fazer a banda com os González.”

Lopes revelou ainda na entrevista que eles tinham a intenção de gravar o concerto que realizaram no 'Jazz em Agosto', mas que, surpreendentemente, tiveram a ideia vetada pela organização... Então, alguma atenta alma fez o favor de captar a apresentação, que apareceu primeiro no blog "Rest in Bits" (obrigado sincero a todos envolvidos na divulgação desse incrível material!).

"Live in Lisbon, 2011"

1. Dehumanization Blues (8:12)

2. Jungle Gymnastics (5:32)

3. Two Girls (6:21)
4. (6:19)
5. (10:18)
6. Bush Baby (11:23)
7. (6:17)

humn4

*Rodrigo Amado: tenor
*Luís Lopes: guitar
*Aaron González: bass
*Stefan González: drums

Recorded live at Teatro do Bairro (Lisboa), 9 Ago 2011.

Shows, exposição, oficinas: estamos em outubro

2011-10-07T22:10:00.004-03:00

Dois eventos interessantes e contrastantes estão agendados para este mês. Por esses acasos, ocorrerão no mesmo fim de semana... O melhor é reservar o sábado para um, e o domingo para o outro (desde que o ouvinte tenha interesse pelas duas propostas, claro...).

---------------------------------------------------

***OUTUBRO***

“II FESTIVAL ABAETETUBA DE IMPROVISAÇÃO LIVRE”

Repetindo a exitosa experiência de 2010, o CCSP abrigará um encontro de improvisadores europeus e brasileiros –novidade: haverá apresentações também no Nordeste (Recife e João Pessoa). Ao lado dos brasileiros responsáveis pela formação e sobrevivência do grupo de improvisação livre Abaetetuba (Panda Gianfratti, Thomas Rohrer, Rodrigo Montoya e Marcio Mattos), os europeus Hans Koch (clarinete baixo, Suíça), Javier Carmona (bateria, Espanha) e John Russell (guitarra, Inglaterra) estarão presentes para oferecer fina música e oficinas.

John Russell é a presença mais aguardada, pelo ineditismo de sua visita e o destaque de seu trabalho –em sua discografia, divide assinaturas com Evan Parker, John Edwards, Phil Minton, Roger Turner, Lol Coxhill, John Butcher e Toshinori Kondo. O guitarrista dará oficinas nos dias 19 e 20, no CCSP. Informações completas podem ser encontradas no site do evento.

Quando: 22 (sábado), às 20h; e 23 (domingo), às 19h

Onde: CCSP

Quanto: grátis

-------

*No NE:

Quando: 14, às 20h

Onde: Casa de Seu Jorge (Recife)

Quanto: R$ 15

Quando: 17, às 19h

Onde: Centro de Vivência da UFPB (João Pessoa)

Quanto: grátis

------------------------------------------------------------------------------------

“RON CARTER”

Em outra ponta, está o veterano baixista Ron Carter. É pouco provável que alguém que goste de jazz nunca tenha visto Carter em ação no palco, pois o instrumentista vem ao Brasil com muitíssima regularidade (esteve no país em 2010, 2009, 2008, 2005...). O atrativo dessa visita de 2011 é o mote de seu show: uma homenagem a Miles Davis (1926-1991). Com um curioso quinteto sem sopros (baixo, bateria, percussão e piano), Carter apresentará o show “Dear Miles”, que deve ter repertório próximo ao do disco de mesmo nome que lançou em 2007. Bom jazz com pitadas de saudosismo.

Quando: 21 (sexta); 22 (sábado), às 21h; e 23 (domingo), às 18h

Onde: Sesc Pinheiros

Quanto: de R$ 40 (inteira)

--------------------------------------------------------------------------------

“ORQUESTRA JAZZ SINFÔNICA”

Ainda no espírito de homenagem a Miles Davis, aproveitando a efeméride dos 20 anos de sua morte, a Orquestra Jazz Sinfônica se apresenta no mesmo Sesc Pinheiros, um dia antes de Ron Carter. No repertório, duas suítes escritas pelo saxofonista Maurício de Souza a partir de temas antigos (e comportados) de Miles. Estão no cardápio visitas ao universo dos álbuns “Birth of Cool” (49/50) e “Sketches of Spain” (59).

Quando: 20 (quinta), às 21h

Onde: Sesc Pinheiros

Quanto: de R$ 16 (inteira)

----------------------------------------------------------------------------------

“WE WANT MILES”

Mais Miles: a exposição organizada pelo museu Cité de La Musique, de Paris, que promete percorrer momentos de toda a vida do trompetista, chega a São Paulo depois de temporada no Rio. Compõem a mostra cerca de 300 itens, entre roupas, instrumentos, manuscritos e partituras. Há também filmes com Miles em diferentes contextos (casa, estúdio e até treinando boxe). Ou seja, não devem faltar coisas interessantes para serem apreciadas. O evento abre ao público no dia 20 e segue até janeiro.

Quando: de 20/10 a 22/01

Onde: Sesc Pinheiros

Quanto: grátis

Michel Portal: muitas facetas (mais uma)

2011-10-05T22:07:00.005-03:00

A França sempre foi um pólo incandescente, tanto na criação quanto na recepção, de novidades artístico-musicais. Não à toa, foi por lá que os free jazzistas americanos, sem espaço em sua própria terra, se instalaram no fim da década de 1960, quando a verba encurtou e a música negra mais radical perdeu sua (sempre pouca, aliás...) atratividade. Na virada dos 60/70, Art Ensemble of Chicago, Archie Shepp, Alan Silva, Sunny Murray, Frank Wright, Marion Brown e Anthony Braxton já haviam se estabalecido (ou passado temporadas) na França. Como registro daquele tempo, o selo BYG/Actuel editou a clássica serie de álbuns de capa branca, com muito das aventuras ruidosas dos geniais norte-americanos que por lá desembarcaram.

Tocando junto e em torno dessa gente toda estava um punhado de músicos locais, que ajudaram a dar corpo e cara à nascente cena free francesa. Talvez a França careça de um nome de peso arrebatador quando o assunto é free music, assim como a Alemanha tem Peter Brotzmann, e a Inglaterra, Evan Parker e Derek Bailey. Mas o país não deixa de ter seus instrumentistas de relevo e projeção internacional.
Pioneiro nesse mapa foi o pianista François Tusques (1938, Paris), que gravou seu Free Jazz em 1965, com um sexteto que trazia o baixista Beb Guérin e o trompetista Bernard Vitet. Esse álbum, que saiu com apenas 200 cópias, é considerado por muitos críticos o marco inicial do free na França.
Michel Portal, no clarinete baixo, estava dentre os que fizeram parte daquele trabalho seminal. Portal não seguiria ao lado de Tusques por longo tempo, engataria sessões com outros músicos para em breve tomar o controle das ações, liderando seus projetos. Depois da experiência inicial com o pianista, se aproximou dos americanos, gravando com Sunny Murray (em 68) e Alan Silva (em ‘Seasons’); data desse período também destacada ligação com o mundo erudito. Em meio a tudo isso, Portal acabaria por fazer sua estréia como líder, ainda antes de a década de 1960 encontrar seu fim.

Quando Portal apareceu com Our Meanings And Our Feelings, em 69, seu nome estava em ascenção, atingindo o ápice em um futuro próximo. Na sequência, o clarinetista colocaria no mercado “Alors” (70) e “Splendid Yzlment” (71), sedimentando seu nome como central na cena europeia. Nos anos seguintes, apareceriam marcos em sua trajetória: alguns: Dejarme Solo! (79), vigorosa estréia solista, na qual o músico se amparou em possibilidades abertas pela gravação em estúdio e explorou clarinete, tenor, alto, soprano, clarinete baixo, bandoneon, percussão e até pinceladas com a voz; “Arrivederci Le Chouartse" (81), efervescente trio com Pierre Favre e Léon Francioli, editado pela HatHut; e Dockings (97), quinteto que contou com Steve Swallow no baixo e Markus Stockhausen no trompete.

Our Meanings And Our Feelings é um registro destacado do Michel Portal free jazzista. Para a sessão, convocou um pool de jovens músicos europeus: o francês J.F. Jenny Clark (1944-1998) no baixo; para a bateria, o italiano Aldo Romano; e para completar, o pianista alemão Joachim Kuhn. As cinco faixas se mantêm dentro de uma estrutura agressiva e aberta, porém palpável. Interessante notar como o músico francês trabalha com entusiasmo o sax, que não é seu porto primário; curioso também ver Kuhn –que assina como coautor quase todo o disco– se intrometer e dialogar trocando as teclas pelo sopro, algo não tão usual. Em “Dear Old Morocco”, Portal surge com um sopro gritado, agudamente espandido, que chega a remeter ao melhor de Arthur Doyle em seu clássico “Alabama Feeling”, oferecendo alguns dos momentos mais intensos do conjunto. A gravação não é das melhores, com mixagem relativamente pobre; ao que parece, o disco jamais foi reeditado em versão digital; ou seja, é o que se tem por ora...

A1. For My Mother (8:35)

A2. Walking Through The Land (5:51)

A3. Dear Old Morocco (6:02)

B1. A Train In A Very Small Town (6:25)

B2. Our Meanings And Our Feelings (13:04)

ourM

*Michel Portal: tenor, clarinet (piccolo, mi bémol), zoukra

*Joachim Kuhn: piano, sax (alto), horn, bells

*J.F. Jenny-Clark: bass

*Jacques Thollot: tambourine, percussion

*Aldo Romano: drums

Recorded in the Studios Pathé Marconi, Paris June 27 1969.

Michel Portal: muitas facetas (uma delas)

2011-10-03T22:09:00.009-03:00

Era 11 de setembro de 2008 quando o francês Michel Portal se apresentou no festival “Tudo É Jazz”, na cidade de Ouro Preto. Então com 72 anos, Portal chegou acompanhado de piano, baixo e mais de quatro décadas de aventuras sonoras. Dentre o público brasileiro que estava presente, poucos deveriam ser os que conheciam a trajetória do multi-instrumentista francês –um dos grandes experimentadores europeus vivos–, considerando-se o perfil tradicionalista do simpático evento musical e de seus visitantes. Em matéria publicada no jornal Estado de Minas na época, foi escrito: “O saxofonista Michel Portal impressionou a todos com sua concentração. Em sintonia perfeita com o pianista Bojan Z e o baixista Bruno Chevillon, ele parecia quase em estado de transe no palco. [Mas] Antes de dar seu recado, reclamou do som do camarote Vip, que insistia em invadir e atrapalhar sua performance.” (os seguranças deveriam ser instruídos para arrastar gente ‘Vip’ dessa espécie para uma sala escura, na qual permaneceriam trancafiados até o final do espetáculo...). Perdão, Mr. Portal, por tamanho desrespeito.

Visitar a história de Michel Portal significa se deparar com uma jornada de desbravamento sonoro de abertura extensíssima. Nascido em novembro de 1935 em Bayonne, na região basca francesa, Portal estudou no Conservatório de Paris, especializando-se no clarinete. Depois, abriria sua palheta adicionando clarone, saxofones, tarogato e o bandoneon. Seus passos na música podem ser concretamente acompanhados apenas a partir de meados da década de 1960, quando começou a ter seu trabalho registrado. Dessa etapa, vem muito de suas investigações mais instigantes. Portal não foi apenas um dos nomes quentes do free jazz europeu nascente e um dos iniciadores da free improvisation na França. Em paralelo, manteve constante parceria com o cenário erudito contemporâneo, tendo protagonizado estreias de peças centrais de Pierre Boulez (“Domaines”), Karlheinz Stockhausen (“Aus den sieben Tagen”) e Luciano Berio (“Laborintus II”). E nessa seara, nem só de ‘contemporâneo’ se fez o músico: ele também deixou interpretações de clássicos, como Mozart, Brahms, Schumann e Prokofiev, sempre focado no clarinete, para importantes selos (Harmonia Mundi, EMI).
Além disso, se tornou notório compositor de trilhas sonoras, tendo sido agraciado por três vezes com o prêmio ‘César’. Para completar a amplitude de sua criação, manteve também ouvidos atentos ao popular, externalizando seu apreço (como pode ser constatado em trabalhos desenvolvidos especialmente após a década de 1990) pela chanson francesa, a canção basca e o tango argentino.

No campo free/improv/jazzístico, Portal esteve associado a diferentes músicos –John Surman, Martial Solal, Barrre Phillips, Dave Liebman, Jack DeJohnette, Paul Motian, Han Bennink, Joachim Kühn –, além de tocar alguns projetos de peso. Em 1971, organizou o ‘Michel Portal Unit’, que tinha o intuito de reunir músicos europeus e americanos para desenvolverem investigações improvisativas. Pelo projeto passaram nomes como Albert Mangelsdorff, Pierre Favre e Beb Guérin; seu principal registro é “À Chateauvallon” (73). Um pouco antes disso, quem veio ao mundo foi o New Phonic Art.

Surgido em 1968, o New Phonic Art foi um quarteto de free improvisation que não escondia seu pé na esfera investigativa erudita de então. Em muito, pesava a participação do trombonista Vinko Globokar (foto) no projeto. Diferente de Portal, o trombonista não se abriu ao mundo do jazz, tornando-se um dos compositores e intérpretes destacados do avant-garde erudito nas décadas seguintes. Globokar estaria, em meados dos anos 1970, envolvido com o estabelecimento do mítico IRCAM, centro de estudos e pesquisas sonoras criado por Boulez em Paris.
O New Phonic Art se manteve ativo por alguns anos e fechava sua formação com o percussionista Jean-Pierre Drouet e o pianista Carlos Roqué Alsina, argentino que trabalhou com Iannis Xenakis, Bruno Maderna e Elliot Carter. O quarteto acabou por deixar parcos registros. Além deste álbum homônimo, o grupo aparece em um disco da Deutsche Grammophon de 73, ao lado de ‘Iskra 1903’ e ‘Wired’. Improvisação livre era o esquema que guiava o quarteto; não há aqui ligações ou encontros com o campo jazzístico. As peças se desenvolvem com grande amplitude e liberdade, sem esquemas que enquadrem as escolhas feitas pelos músicos. Sem solos pontuais, com o coletivo sendo o centro condutor, o New Phonic Art lidava com uma música de desenvolvimento lento, com pontos de ebulição espaçados no decorrer das faixas; o resultado deve encantar os já seduzidos por MEV, AMM e proximidades.

A1. Begegnung In Baden-Baden I (18:25)

A2. Begegnung In Baden-Baden II (8:29)

B. Begegnung In Baden-Baden III (19:06)

nPhonic

*Michel Portal: clarinet (E-flat; B-flat), bass clarinet, saxes

*Vinko Globokar: trombone, oboe, alphorn

*Carlos Roqué Alsina: piano, organ, flute

*Jean-Pierre Drouet: percussion

Release date: 1971.

-------------------------

**photo M. Portal by Jean Loup Bertheau

Sexta: Otis Trio 5 no palco do Sesc

2011-09-26T22:02:00.011-03:00

O Otis Trio desembarca sexta-feira no palco do Sesc Vila Mariana. Formado no ABC paulista em 2007, o Otis já passou pelos principais picos em que rola o instrumental na cidade: Syndikat, Serralheria, Berlin, Bar B, Tapas Club, Sapataria, The Orleans...
Agora é a vez do trio mostrar o que faz em um espaço que já recebeu as bênçãos de Peter Brotzmann, Roscoe Mitchell e Ivo Perelman.

O Otis Trio é: Luiz Galvão (guitarra), João Ciriaco (baixo) e Flávio Lazzarin (bateria). Costumeiramente, recebe a adição de André Calixto (saxes), Daniel Gralha (trompete) e Beto Montag (vibrafone), conjunta ou alternadamente.
No próxima dia 30, o cardápio será Otis Trio 5, com as participações de Montag e Calixto. Foi com essa formação que o grupo ofereceu um incrível concerto no Festival Expresso Jazz, em maio. Para quem gosta de sons mais ariscos, a presença de Calixto merece atenção: o reedman de Santo André (centrado em tenor e soprano, também gosta de testar outros ventos, como flauta e clarinete) costuma incendiar as apresentações com solos explosivos (pulmão no limite!). Calixto é o parceiro de Lazzarin no desconcertante duo FLAC. Quem já ouviu, sabe o que vem por aí.

O som do Otis é arquitetado lidando com referências jazzísticas amplas –vários ‘bops’ (be-hard-free) contemplados em meio a muita improvisação–, que amparam um repertório estruturado apenas por composições próprias. Deste cardápio, já emanam alguns clássicos, como ‘Sophisticated Junkie’, ‘Tempestade Tropical’ e ‘Azuma’. O guitarrista Luiz Galvão já declarou ao Free Form:
“Nós curtimos todas as tendências do jazz, do clássico ao contemporâneo, e o reflexo dessas influências em nossa música acaba sendo inevitável.”

Ps: o pessoal do Otis cedeu com exclusividade esse EP (abaixo), gravado ao vivo, para os leitores do Free Form desfrutarem:

“Otis Trio 4 – Live”

1- Tempestade Tropical
2- Quarta-feira santa
3- Bass Suite*
4- Status e Conveniência
5- Azuma

Otis

*Luiz Galvão: guitarra
*João Ciriaco: contrabaixo
*Flávio Lazzarin: bateria
*Beto Montag: vibrafone

*em trio

Gravado ao vivo em maio de 2010. São Paulo/Brasil.

---------------------------------------------------------------------

“OTIS TRIO 5”

Quando: 30/9 (sexta); às 20h30

Onde: Sesc Vila Mariana

Quanto: R$ 12 (inteira)

Investigação coletiva (made in Portugal)

2011-09-24T18:00:00.006-03:00

O Potlatch é um dos coletivos de free improv que emergiu na atual viva cena portuguesa. Tendo à frente o percussionista ‘Monsieur Trinité’, o Potlatch tem no saxofoxista Jorge Lampreia seu outro pilar. Os dois instrumentistas (foto) têm participado de projetos desde a década de 1980, quando se encontraram no ‘Plexus’, do violinista Carlos Zíngaro. Contando com uma variedade de participantes cambiáveis, o coletivo teve como um de seus nomes o baixista Hernani Faustino, apresentado por aqui há pouco.

Destacando a relevância do jazz livre para suas investidas, o Potlatch desenvolve suas experiências percorrendo caminhos desmatados por coletivos clássicos do free, de Globe Unity Orchestra a Art Ensemble of Chicago, em meio a um processo de integração ritualística e enveredando por investigações timbrísticas e harmônicas amplas. Em paralelo, muitos dos participantes do Potlatch estiveram em ação no projeto central do violista Ernesto Rodrigues, a impactante Variable Geometry Orchestra, que já contou em suas fileiras com Faustino, Lampreia, Trinité, Abdul Moimême, além do trompetista Sei Miguel e do saxofonista brasileiro Alipio C. Neto.

Trago aqui o Potlatch em dois momentos, com formação (em parte) distinta. The Rrose Sélavy, longa improvisação de quase 40 minutos, é executada por um noneto, mostrando a abertura acústica do conjunto, que inclui até variações vocálicas da convidada Olympia Boule –que não está presente no segundo disco. "The Rrose Sélavy" não deixa espaços para brilhantismos individuais, estando em foco a interação grupal. No segundo capítulo, Live at Fabrica, o Potlatch aparece com oito membros, muitos desses nomes novos, ainda mais sintonizado, dialogando sem pontos hierárquicos, mas deixando pontos de destaque maiores para alguns dos instrumentistas. Os solos e duelos dos sopros de Lampreia e Lencastre, por sobre as estruturas elétricas e eletrônicas de Leal e Lima, sobem a primeiro plano em diversos momentos. A bateria de Luís Desirat também está em ponto elevado, mais muscular e ríspida nessa gravação de 2008, dando um corpo mais robusto ao som final do grupo. A entrada do piano de Felipe de Sousa, destacadamente na última faixa, é outro diferencial entre os dois trabalhos.

*Monsieur Trinité: percussion, selected objects

*Jorge Lampreia: soprano, flute

*Hernani Faustino: bass

*João Pedro Viegas: bass clarinet

*Nuno Reis: trumpet, pocket trumpet, flugelhorn

*Abdul Moimême: tenor, alto

*António Chaparreiro: electric guitar

*Olympia Boule: voice

*Luís Desirat: drums

rose

1. Musike Valise (39:26)

Recorded live at Cefalópode (Lisboa), 11 May 2007.

-----------------------------------------------------------------------

*Monsieur Trinité: percussion, selected objects

*Jorge Lampreia: soprano, flute

*José Lencastre: alto

*Felipe de Sousa: piano

*Guilherme Leal: electric guitar

*Nuno Lima: electronic devices

*Pedro Roxo: bass

*Luís Desirat: drums

fabrica

1. Kwakwaka'wakw (5:46)
2. Potlatch (25:59)
3. Namgis (19:29)

Recorded live at Fábrica Braço de Prata (Lisboa), 9 March 2008.

Hernani Faustino: um baixo e uma câmera

2011-09-22T22:25:00.013-03:00

Não diferente de muitos jovens mundo afora, o português Hernani Faustino começou sua trajetória musical em uma banda de rock, montada com amigos próximos. Nas mãos, um baixo elétrico; o ano era 1979. Somente mais de uma década depois desviaria sua atenção para o baixo acústico. E para compreender o novo instrumento, nada melhor do que se embrenhar pelo universo jazzístico, do qual não conseguiria se desvencilhar mais. Ao lado do fazer musical, Faustino sempre esteve ligado também ao comércio de discos, trabalhando em lojas do ramo por longos anos. Em 2004, passaria de empregado a dono, fundando seu próprio ponto: a Trem Azul Jazz Store, parada obrigatória de encontro dos apaixonados por jazz e free music em Lisboa, que conta também com um espaço para shows.
Parceiro dos principais nomes da cena free/jazzística portuguesa –Rodrigo Amado, Carlos Zíngaro, Manuel Mota, Luis Lopes, Nuno Rebelo–, o baixista também tem tocado com muita gente boa de fora de seu país –citemos: Nate Wooley, Virginia Genta, Mats Gustafsson, Dennis González e Nobuyasu Furuya. Dentre os diversos projetos com que se envolveu, destaque para o Red Trio, formado em 2008 com Rodrigo Pinheiro (piano) e Gabriel Ferrandini (bateria). O trio lançou seu elogiadíssimo disco de estreia em 2010. Agora acaba de colocar no mercado Empire, que traz como convidado o saxofonista John Butcher.

*Conversei com o instrumentista (e também fotógrafo) português. Segue:

1) Hernani Faustino, baixista e fotógrafo. Como dialogam para você essas duas esferas criativas? São faces diferentes de um mesmo projeto artístico?

"São ambas importantes e de certa forma até complementares. Grande parte da minha fotografia vive da intuição e do momento e desta forma consigo encontrar um paralelismo com a música que toco. A máquina fotográfica é para mim um instrumento que me permite improvisar com a luz."

2) Veio antes a música ou a fotografia em sua vida? Fale um pouco de começos, escolhas e mestres.

"A música veio antes da fotografia. O meu gosto pela música começou bastante cedo, ainda criança comecei a ouvir música em casa, o meu avô paterno tocava viola (violão) e cantava fados e foi com ele que comecei a apreender a tocar viola. Escutava também muita rádio e mais tarde partilhava discos com amigos. No final dos anos 70 formei um grupo de rock com alguns colegas e com o meu irmão. Sou um músico autodidacta, e tudo o que sei aprendi com os amigos, nos concertos e a ouvir muitos discos. Na década de 90 comecei a tocar contrabaixo, o meu instrumento foi sempre o baixo eléctrico. Apesar de já ouvir jazz na altura, a necessidade de saber mais sobre o contrabaixo foi importante, porque através dele descobri muitos músicos e improvisadores fantásticos que ao longo dos anos me continuam a influenciar hoje: Charles Mingus, Barre Phillips, Derek Bailey, Cecil Taylor, John Stevens, Peter Kowald, Evan Parker, John Butcher, etc.

"A fotografia veio um pouco mais tarde… por volta dos meus 15 anos. Foi fascinante a descoberta de procurar e entender as imagens. São também muitos os fotógrafos que aprecio: Alfred Stieglitz, Edward J. Steichen, André Kertész, Miroslav Tichy, Paulo Nozolino e muitos outros."

3) Você também é sócio-fundador de uma importante loja de discos, a Trem Azul. De que forma essa visada empresarial se integra à sua rotina artística?

"Sim, sou um dos sócios da Trem Azul/Clean Feed. Durante 16 anos trabalhei numa cadeia de lojas de discos em Portugal. A maior parte do tempo como responsável das secções de jazz. São as duas importantes e distintas, mas com muitos pontos de contacto e por vezes complementam-se."

4) Em época de música digital, downloads e MP3 ainda é viável ter uma loja de discos? Qual é o perfil do público que freqüenta a Trem Azul? Quais são os discos e músicos mais procurados da loja?

"São tempos difíceis! Apesar dos suportes digitais e dos downloads, existem ainda pessoas que preferem ter o disco (cd ou lp). Hoje em dia é importante que os discos tenham uma apresentação cuidada ao nível gráfico e se possível personalizada. Estes aspectos fazem toda a diferença nos dias de hoje. O perfil do público que frequenta a Trem Azul é muito diversificado e de variadas faixas etárias. Os discos que mais se vendem são os da nossa editora: Clean Feed."

5) Sempre vemos shows e festivais de free music em Portugal. O país é hoje um importante corredor para a free music? Para vcs, que são músicos locais envolvidos com free jazz/free improv, como está a cena? Vive-se de música em Portugal?

"Existem actualmente muitos festivais de jazz em Portugal, mas apenas 2 ou 3 incluem free improv na sua programação. A cena em Lisboa está bastante activa, existem actualmente muitos músicos a produzirem trabalho e a tentarem também editar e tocar fora de Portugal. [Mas] Os locais para tocar são poucos e infelizmente é impossível viver desta música em Portugal."

6) Você trabalha com uma ampla variedade de grupos de perfis variados (trio com o Nobuyasu Furuya, quarteto de cordas). O quanto é importante essa amplitude de projetos para você como baixista?

"Poder colaborar com músicos tão distintos é um privilégio. Desta forma podes entender universos musicais tão dispares e também ampliar a tua forma de tocar. Tocar com o Nobuyasu Furuya foi das participações mais intensas que já fiz, principalmente os concertos com o trio e o quinteto. Para mim é fundamental colaborar com outros músicos, desta forma podemos também evoluir como instrumentistas."

(Hernani Faustino, Nobuyasu Furuya e Gabriel Ferrandini)

7) O Red Trio é seu principal projeto hoje? Estão trabalhando em algum disco novo?

"O Red Trio tem novo disco. No ano passado fizemos uma tour em Portugal e convidamos o saxofonista inglês John Butcher para tocar com o trio. Durante esse período fizemos uma sessão num estúdio de Lisboa, que resulta neste novo trabalho. O disco foi editado apenas em lp pela NoBusiness da Lituania."

8) Sendo um músico ligado à free improvisation, você também compõe? A composição é algo que o interessa?

"Não sou um compositor! Construo motivos para a improvisação. De momento estou a trabalhar numa partitura gráfica para uma ideia que tenho em mente para um pequeno grupo, e que é um processo que quero desenvolver, apenas com ressonâncias e mais no sentido da exploração sonora. De qualquer forma estou a tocar com o quarteto do guitarrista Luis Lopes, com o Rodrigo Amado e o Gabriel Ferrandini, onde o repertório é exclusivamente temas do Arthur Blythe, Ornette Coleman, Keith Jarrett, Dennis Charles, Alan Shorter, e Clifford Jordan."

9) Tem alguma ligação com músicos e músicas brasileiros?

"Infelizmente não tenho ligação nenhuma com músicos brasileiros. Durante uns tempos toquei com um saxofonista brasileiro Alípio C Neto que esteve a viver em Lisboa. Conheço o Ivo Perelman, mas nunca toquei com ele. Sei também que existem músicos interessantes como o Antonio Panda Gianfratti, Yedo Gibson, Michelle Agnes, cujos trabalhos tento acompanhar."

10) O que falta para termos Hernani Faustino em palco brasileiro?

"Um convite."

-----------------------------------------------------

**Para conhecer mais:

http://www.myspace.com/hernanifaustino

http://www.hernanifaustino.com/

*Photo (cat) by Hernani Faustino

No mundo dos orixás

2011-09-18T21:38:00.005-03:00

Em uma fase primeira de seu percurso musical, Ivo Perelman buscou captar no universo sonoro brasileiro um ponto de partida, diálogo e inspiração. O mundo das cantigas de roda (‘Escravos de Jó’, ‘Ciranda, Cirandinha’) marcou seu álbum de estréia, “Ivo” (1989). Depois vieram “Soccer Land” (94), com temas tradicionais (‘Lampião de Gás’) e uma visita a Luiz Gonzaga (‘Forró de Cabo a Rabo’); seguido por “Man of the Forest” (94), no qual o universo de Villa-Lobos é o centro; e “Tapega Songs” (95), inspirado na música dos índios Tapeba.
E entre esses discos, o encontro com o universo afro-religioso: Children of Ibeji (91/92), uma visita ao mundo dos orixás do candomblé, a mais voraz experiência da etapa inicial de sua obra.

“Durante grande parte da década de 90, me dediquei a buscar uma síntese entre o jazz de corrente free e as exuberantes formas rítmicas brasileiras. (...) quinze anos mais tarde sinto que, embora parte de uma necessária etapa evolutiva, a pesquisa não encontrou seu objetivo final”, avalia Perelman.

Children of Ibeji adentra com liberdade o cancioneiro do candomblé. Religiosidade e espiritualidade não estão em jogo: a busca do saxofonista é sonora, intensidade rítmica e sopro voraz em resultado de alta expressividade. Desconheço se o músico fez pesquisa de campo em terreiros ou se baseou seu mergulho no som dos orixás por meio de gravações. Perelman já vivia nos EUA na época e foi lá que o álbum nasceu. Flora Purim faz vocais em algumas faixas, acompanhada de um aparato percussivo liderado por Guilherme Franco e Manolo Badrena. Uma seleção free também marca presença: nada menos que Andrew Cyrille, Fred Hopkins, Paul Bley e Don Pullen. O álbum nasceu em três sessões distintas, com os músicos se revezando (não há indicação de quem toca em cada faixa). Dentre os temas resgatados no universo do candomblé, há duas faixas perdidas: ‘O Morro’ e uma inexplicável ‘Tom’s Diner’, sucesso pop de Suzanne Vega que nada tem a ver com a concepção de “Children of Ibeji” (brincadeira de fim de sessão de estúdio levada a sério?).

A voz de Flora conduz ‘Mina do Santê’ e ‘Pedrinha’ (Little rocks of Aruanda) e promove os momentos de maior contato com a ritualística afro-religiosa –compará-las com as versões de Joãosinho da Goméia (1914-1971) é uma experiência interessantíssima.‘Oxalá’ (Chant for Oshala) é outra releitura que vale a pena ser degustada lado a lado com a versão afro-original (aqui apresentada por José Ribeiro).

Há também explorações bem distantes, como “Chant for Logum” (Logum Edé), que se torna uma lamuriosa balada, com destacado piano. Todas as peças são chamadas no álbum de ‘Chant’ seguida pelo nome do orixá. Em discos que registram a música do candomblé e da umbanda o mais comum é encontrarmos simplesmente o nome do orixá titulando a peça (mas há também registros que trazem ‘Canto ou Toque de/para tal orixá’). Gravações de temas realizados por representantes de diferentes terreiros, com o nome do mesmo orixá, podem soar diferentes, especialmente para os leigos. Todavia, mesmo por trás de resultados aparentemente distintos, haverá traços precisos: cada orixá tem seu ‘ponto’, sua marca, caracterizados por ritmo e cântico particulares. Um conhecedor desse universo sonoro-ritualístico pode decodificar sem problemas que ‘ponto’ de que orixá está sendo executado em dado momento. Não sei se os músicos envolvidos em Children of Ibeji, especialmente os percussionistas, discutiram esse tipo de detalhe –em certo aspecto, fundamental– na hora de realizarem suas interpretações free jazzísticas. Mas o resultado é muito enérgico –apesar disso, não deve interessar aos devotos do candomblé e da umbanda, pois não tem conotação ou função ritualística, não foi gestado com a mesma finalidade e o mesmo espírito das criações de Joãosinho da Goméia e de José Ribeiro.

“Children of Ibeji”

1. MINA DO SANTÊ (14:38)

2. O Morro (9:29)

3. LOGUM EDÉ (Chant For Logum) (9:20)

4. Oh! Que Noite Tao Bonita (5:24)

5. OXUM (Chant For Oshum) (8:46)

6. OXALÁ (Chant For Oshala) (3:55)

7. PEDRINHA (Little Rocks of Aruanda) (8:34)

8. Tom's Diner (3:26)

9. Chant For Ibeji (3:33)

10. Cantar (4:15)

CHibj

*Ivo Perelman: tenor

*Flora Purim: vocal (1,7)

*Fred Hopkins: bass

*Paul Bley, Don Pullen: piano

*Andrew Cyrille: drums

*Guilherme Franco, Manolo Badrena, Mor Thiam, Frank Colon: percussion

*Brandon Ross: guitar

Recorded in New York at Kampo, Electric Lady, Green Point on May 22, July 9 & 10, 1991. All songs mixed at The Carriage House, January 1992.

--------------------------------------------------------------

"Joãosinho da Gomea: rei do candomblé"

1.Bombogira
2. Pemba
3. Oxossi
4. Caiaia
5. Ogum
6. Xangô
7. Pavão
8. Vou’ me embora pro sertão
9. MINA DO SANTÊ'
10. PEDRINHA

11. LOGUM EDÉ (Saudação a Logunede)

12. OXUM

*Joãosinho da Goméia: vocal, arranjos

*Coro: anônino

*Percussão: anônimo

Release date: 1960s/Brasil

-------------------------------------------------------------

"No Reino de Angola"

1. Exú ''Vila Mavangu - Xô Apavenan''
2. Ogum
3. Oxóassi ''Olorobaraguge Landaguage''
4. Omulu
5. Ossanhe
6. OXUM
7. Yamanjá
8. Yansã
9. Nanã ''Nanã que Ja Oei - Alodê''
10. Xangô
11. Boiadeiro Navizala
12. OXALÁ

Rangola

*José Ribeiro: vocal, arranjos

*Coro: anônino

*Percussão: anônimo

Release date: 1972/Brasil

Sons nas Redondezas - VI

2011-09-16T22:59:00.006-03:00

São Paulo não reina absoluta e isolada no recente momento de fortalecimento da free music nas redondezas. No Rio Grande do Sul, mais especificamente em sua capital Porto Alegre, também tem ocorrido manifestações nesse sentido. Peter Brotzmann, Ken Vandermark e Mats Gustafsson, quando estiveram em SP, visitaram tb nossos amigos do Sul. Além disso, para nossa (paulistanos) inveja, o pianista russo Simon Nabatov (Moscou, 1959) esteve em Porto Alegre (ou POA, como costumam dizer por lá) no mês de agosto para residência (no Goethe Institut) e shows, sem passar nem perto de SP...

Fora essa cumplicidade de visitas, POA tem visto pipocar novos músicos prontos a aquecer a cena free nacional. Quem tem emergido com fôlego nesse processo é o quarteto JFM (Jamais Fomos Modernos). Arquitetado no fim de 2010, após o show do Ken Vandermark, o JFM já conta com bastante material captado e disponibilizado –o último trabalho apresentado por eles é "De Perto e de Longe", que pode ser conferido em link mais abaixo.

Clarinete e tenor (Diego), baixo (CP), bateria (Bruno), eletrônicos, secrefones, voz (Bode) e outras investidas mais estuturam o som do quarteto.

(JFM e Simon Nabatov, no Goethe Institut, agosto/2011)

“Conheci o Bode ano passado numa das reuniões que o pessoal que coleciona discos e pesquisa bandas de krautrock/progressivo do início da década de 70. Falamos sobre nosso interesse por noise/eletroacústico/free improv/free jazz, disse para ele que tinha um clarinete empoeirando lá em casa e ele insistiu bastante para montarmos um projeto. CP E Bruno eram velhos conhecidos meus de minhas andanças catando discos de free jazz. Convidei-os para formarmos uma banda e toparam prontamente. Quando nos encontramos no dia do show do Ken Vandermark, aqui em POA, acertamos detalhes etc e nos mandamos para um estúdio no mês seguinte”, conta Diego.

Apesar de pouco tempo de estrada, o pessoal do JFM teve a oportunidade de subir no palco com um nome forte da cena free internacional: o pianista russo Simon Nabatov, que passou em agosto por POA para uma temporada no Goethe Institut. Tal encontro, entre um veterano da cena free e jovens músicos desconhecidos, mostra como as coisas funcionam nesse campo sonoro. Diego explica que, sabendo da presença do músico no local, resolveu entrar em contato.

“Peguei o telefone, liguei para o Instituto e disse: ‘Olá soube que o Nabatov está ai. Será que ele não quer tomar um cerveja com a gente?’ Ele retornou a ligação no mesmo dia, marcamos de nos encontrarmos sábado e viramos a noite bebendo e conversando. Lá surgiu a idéia de fazermos uma jam. Feito os acertos, nos juntamos no mesmo instituto dias depois. Um pouco do resultado pode ser visto em vídeos no youtube, embora esta improvisação tenha durado ao todo 39 minutos. Foi sem dúvida uma grande experiência para todos da banda, Simon é um grande nome e uma grande pessoa. Essa jam foi a verdadeira free improv, pois não combinamos nada, apenas subimos e tocamos. Saber que ele já tocou com praticamente todos os grandes nomes da free improv/free jazz e nós ali, ao lado de um mestre consumado, lógico que foi gratificante e bastante amedrontador, mas creio que o resultado foi bastante satisfatório para todos. Uma oportunidade única, certamente.”

Já com essas credenciais, o JFM segue produzindo seu som, muito enérgico, em alguns momentos remetendo a traços de grupos marcados pelo diálogo com a ala rocker, como Painkiller e Zu. Sobre a cena local, Diego afirma que os dias já foram menos animadores –fica a expectativa por períodos mais fortes, com mais gente envolvida, público e shows, nada muito diferente daqui...

“A cena de free improv aqui já foi bem pior. Agora está melhorando. Acredito que isso seja porque as pessoas estão fazendo mais improvisação livre aqui. Quando falei com Mats Gustafsson, aqui em Porto Alegre, ele disse que já tocou para uma dúzia só de barbudos na Alemanha e acho que aqui não vai ser diferente, ainda mais com artistas locais. (...) O interesse em fazer free improv tem crescido, aos poucos aparecem interessados, a internet ajuda a divulgar os nomes. Hoje você fala em Evan Parker, por exemplo, e quem nunca ouviu falar tem, de imediato, dezenas de vídeos no youtube, música on-line etc. Isso há 25 anos era impensável, difícil imaginar quem poderia ter um LP, digamos, da Incus aqui no Brasil, ainda mais podendo mostrá-lo a mais pessoas. O leque dessas pessoas é variadíssimo também: há os que se apaixonaram por Borbetomagus, outros preferem uma música mais quieta, estilo Potlatch. De nossa parte, podemos dizer que, se for livre, improvisaremos desde chiados a urros lancinantes."

JFM - de perto e de longe

Tracks 1-3 (23.07.2011)

*Bruno, CP, Diego e Estevão (guitarra e pedais)

Tracks 4-5 (07.07.2011)

*Bruno, CP, Diego e Bode

Tracks 6-7 (17.06.2011)

*Bruno, CP, Diego, Bode e Guilhermo (guitarra e pedais)

----------------------
Para conhecer mais:
http://jamaisfomosmodernos.wordpress.com/

O banquete de Cyro Baptista

2011-09-14T22:06:00.002-03:00

Foi no álbum “Aquarela do Brasil/Brazilian Watercolour” (99), do Ivo Perelman, que me atentei pela primeira vez ao trabalho de Cyro Baptista. Logo descobri seus encontros com John Zorn (“Film Works”, “Cobra”), depois os impressionantes duos com Derek Bailey (“Cyro” e “Derek”). Mas, importante frisar: o percussionista, nascido em São Paulo em 1950, não é uma figura centrada na free music: suas investidas múltiplas o levaram a dividir palcos e estúdios com nomes do jazz (Herbie Hancock, Cassandra Wilson), do erudito (Daniel Barenboim, Kathleen Battle), do pop (David Byrne, Paul Simon)... Some-se à lista Geri Allen, Gato Barbieri, Arto Lindsay, Yo-Yo Ma e por aí segue...

Cyro Baptista desembarcou em São Paulo neste fim de semana para duas apresentações no Sesc (Pompéia e Araraquara) e veio com seu novo grupo, o “Banquet of the Spirits”. Trouxeram na mala o recente álbum “Caym: Book of Angels Volume 17”, lançado pelo selo Tzadik, com temas escritos por John Zorn. Segue conversa que tive com Cyro Baptista, eleito neste ano ‘melhor percussionista’ pela 59th Annual DownBeat Critics Poll.

-------------------------------------------------------

1) Há quanto tempo não tocava em sua cidade natal? Como é retornar para se apresentar em São Paulo?

"Olha…dá pra contar em uma mão a quantidade de vezes que toquei em Sampa, talvez essa é a razão porque tudo fique mais excitante, sinto que só tenho uma cajadada para matar muitos coelhos. Sem dúvida é bem diferente vir para o Brasil sem ser turista ou visitar a família."

2) Sua discografia traz trabalhos realizados com figuras bastante diferenciadas, passando por diversos gêneros, jazz, pop, MPB, erudito... Como entender sua música?

"Eu classifico minha música como sendo o produto do meio ambiente musical que eu experimentei durante a minha vida. É como se eu pusesse todas essas influências dentro do liquidificador e o suco final num momento tem gosto de uma fruta, noutro tem gosto de azeitona na sua empada. A música tem uma natureza essencial que vive em uma estratosfera e é impossível de explicar porque ela mexe com a gente de uma maneira tão profunda."

3) A cena free também cruzou sua trajetória, com os diferentes projetos que realizou com John Zorn e as gravações com o guitarrista britânico Derek Bailey. Como se deram essas parcerias?

"O Lower East Side é uma área de NY que nos anos 80 era bem favelística, e os músicos que não participavam dos padrões da cena musical daquela época acabaram se mudando para lá, onde os aluguéis eram mais baratos e foi onde e quando se formou esse movimento de música improv chamado "Downtown Music", encabeçado por John Zorn, Marc Ribot, Laurie Anderson e outros, inclusive eu. Para mim foi uma porta nova que se abriu, e eu, como percussionista brasileiro, não tinha a obrigação de botar um abacaxi e bananas na cabeça toda vez que subia no palco. Derek Bailey sem dúvida foi um dos pais desse movimento e com ele fiz a minha primeira gravação nos Estados Unidos, o cd CYRO."

4) Você tocará peças do John Zorn nos shows do Sesc? Qual vai ser o repertório das apresentações e a formação do grupo?

"Agora estou completando 30 anos de colaborações com John Zorn e ele me presenteou com 10 composições inéditas do Book of Angels, com as quais gravei o cd CAYM que acabou de ser lançado, e a gente espera tocar algumas dessas composições no Sesc Pompeia e em Araraquara."

5) Você acaba de ser eleito “melhor percussionista” pela Down Beat. Como é ver seu trabalho reconhecido dessa forma?

"Durante os anos eu já fui de "pior" para "melhor" e vice-versa muitas vezes. Isso é como, quando você está olhando um lado da moeda, não pode ver o outro."

6) Como é sentir sua obra mais prestigiada nos EUA do que no Brasil? Há previsão de lançamento de seu último disco por aqui?

"Eu não me considero o "rei do prestigio" em lugar nenhum, mas obviamente os Estados Unidos, a Europa em geral e Japão são os usuais suspeitos que têm mais interesse no nosso trabalho. Quanto ao Brasil, sinto que a coisa está mudando e já não preciso dar tantas explicações, existe um certo contingente, especialmente em São Paulo, que tem mais interesse num tipo de música mais alterada e alternada."

7) Você está radicado nos EUA desde a década de 1980. Alguma chance de voltar a viver no Brasil?

"Nesses 31 anos que estou morando pelo mundo nunca um dia se passou sem que, por um momento, eu sonhasse em voltar para o Brasil."

---------------------------------------------------------------------------

“CYRO BAPTISTA & THE BANQUET OF THE SPIRITS”

Quando: 15/9 (quinta); às 21h

Onde: Sesc Pompeia

Quanto: R$ 16 (inteira)

Quando: 16/9 (sexta); às 20h

Onde: Sesc Araraquara

Quanto: grátis

---------------------------

Photo: Niqui Seuntjens

O mundo sonoro de David S. Ware

2011-09-13T20:49:00.002-03:00

Mestre David S. Ware protagonizou um pequeno documentário –na realidade, o material está mais para uma reportagem especial, com seus cerca de 13 minutos–, realizado pela David Lynch Foundation Television. “David S.Ware - A World of Sound” apresenta o saxofonista por ele mesmo, tocando e falando sobre música e espiritualidade. Depoimentos de William Parker e Cooper-Moore, que participaram de seu último álbum, Planetary Unknown, também estão presentes.

A 'David Lynch Foundation Television' disponibilizou o material completo (abaixo, apenas um preview). Assista aqui/here. Há também um fantástico vídeo-bônus escondido, oferecido a quem se inscreve no site, com oito minutos de Ware-solo, improvisando livremente: Improvisation at Home. Para outubro, o instrumentista promete lançar um novo álbum solo, “Organica”.

Rumos diferentes de D. Carter

2011-09-11T19:18:00.003-03:00

Daniel Carter não está nem para líder nem para sideman. O negócio desse saxofonista americano é dividir projetos, desenvolver ideias junto a diferentes companheiros. Test (com Sabir Mateen e Tom Bruno), Other Dimensions in Music (William Parker), One World Ensemble (Susie Ibarra) e Tenor Rising Drums Expanding são alguns dos grupos mais bacanas de que participou. Todos esses projetos datam de meados da década de 1990 –importante: Carter nasceu em 1945 e está ativo na cena desde os70s–, período em que sua discografia ganhou verdadeiro impulso.

Dividindo-se entre saxes tenor e alto, trompete e flauta, o músico demonstra não estar fechado para explorações diferenciadas que surgem à sua frente. Foi com esse espírito que abraçou nos anos 90 o Post Prandials, banda de improvisação livre permeada por divagações eletrônicas. Distante do campo jazzístico, o Post Prandials deixou uns quatro álbuns, todos pouco valorizados: é possível encontrar alguns desses discos vendidos em lojas virtuais por menos de US$ 1. Editados pelo minúsculo Artichoke/Tristero Records, os álbuns do Post Prandials parecem relegados ao esquecimento, sendo pouco lembrados pelos entusiastas do free improv. O fato de seus integrantes, com exceção de Carter, não serem figuras vivas da free music colabora para que não costumem ser comentados. A música neste Switched-On Irresponsibility se desenvolve de forma contínua, dividida em oito partes interligadas, tendo sido captada em 1995. Improvisada, recheada de ruídos, detalhes e texturas eletrônicas, essa música se mantém dentro de certo conforto auditivo: não se trata aqui de noise e/ou de abstrações bruscas; tudo flui de modo ondulante, com sons que piscam e desaparecem, mas sem agredir os tímpanos mais sensíveis.

1. Bach's Lunch (9:21)

2. The Seed Pod Switches Into Neutral (8:26)

3. The Thorax Meets The Abdomen (12:19)

4. The Pre-Menstrual Goatherd (9:01)

5. "Guest Appearance Of A Giant Insect Eating The Last Supper" As A Structural Balance To The Faux Bach Prelude (7:58)

6. The Seed Pod Flees The Auxiliary Police (8:55)

7. The March Of The Solid Rocket Boosters (9:57)

8. Chowder Time (6:48)

switched

*Daniel Carter: saxes, trumpet, flute

*Keith Nicolay: guitar

*John Burgos, Bob Aaron: keyboards

*John Hajeski: violin, electronics

Recorded live direct to digital 3/4/'95 at Big Black Sedan Studio, East Rutherford, NJ.

Incendiária velha guarda

2011-09-09T21:26:00.003-03:00

Encontro fulminante de saxes: Daniel Carter e Paul Flaherty. Randall Colbourne segurando a base. Meia dúzia de concentrados ouvintes em improvisadas cadeiras. Ano: 2008. Tenor e alto, bateria. Mais, para quê?
(neste fim de semana trago uma outra faceta de D. Carter, free improv dos 1990 permeado de texturas eletrônicas)

Yuri Honing: opção para a véspera de feriado

2011-09-04T20:41:00.005-03:00

Véspera de feriado, o público não terá apenas a chance de (re)ver Branford Marsalis em São Paulo –o saxofnista esteve na cidade pela última vez em novembro de 2008, quando tocou no Parque da Independência. Para quem já viu o menos conservador dos Marsalis ou achou o preço do ingresso, que chega a R$ 150, muito salgado, o Centro Cultural São Paulo traz uma boa atração gratuita: trata-se do saxofonista holandês Yuri Honing.

Honing vem com seu quarteto Wired Paradise, formado por sax, guitarra, baixo e bateria, apresentar seu jazz contemporâneo com traços roqueiros. O saxofonista holandês não é propriamente um representante da free music; o colocaria mais em uma perspectiva jazzístico pós-moderna. Mas sua trajetória registra encontros com o pessoal das antigas: alguns trabalhos a serem conhecidos: “Playing” (1998), duo com Misha Mengelberg; “Lively” (2000), com Misha e o celista Ernest Reijserger; e “Seven” (2001), com Paul Bley, Gary Peacock e Paul Motion.

O último disco do quarteto ‘Wired Paradise’ é White Tiger, editado em 2010, e deve servir de base para a apresentação de terça. Em sintonia com a atual tendência de releituras de temas pop/rock pela ala jazzística, o álbum carrega versões para “Space Oddity” (David Bowie) e “Isobel” (Bjork). Para quem estiver na cidade, vale uma conferida.

“Yuri Honing Wired Paradise”

*Quando: dia 6/9 (terça), às 21h

*Local: Centro Cultural São Paulo

*Quanto: entrada gratuita

Talento sombreado: Michel Pilz (II)

2011-09-01T21:49:00.004-03:00

A falta de informação sobre um músico como Michel Pilz acaba por atrapalhar quem deseja conhecer mais ou escrever sobre seu percurso. Em seu site, há apenas uma discografia parcial, com a citação de uma singela lista (sem créditos ou imagens de capas) de treze discos em que participou como líder ou sideman. Seu dueto com o percussionista francês Jean-Noel Cognard, Binôme, gravado em 84 e que ganhou reedição especial neste ano pela Bimbo Tower Records, nem é citado. Encontrar entrevistas ou mesmo vídeos com Pilz também é tarefa ingrata... Para minha surpresa, até um livro referencial sobre a cena européia (Northern Sun, Southern Moon: Europe’s Reinvention of Jazz) esqueceu do cara...

Apesar de o trio com baixo e bateria ser fundamental em sua trajetória, Michel Pilz sempre mostrou que curtia tocar ao lado de outros sopros. Além do Manfred Schoof Quintet e da Globe Unity Orchestra, Pilz participou de um projeto muito bacana na década de 1970, o Clarinet Contrast. Tendo existido entre 75 e 77, o 'Clarinet Contrast' contava com cinco clarinetistas, mais baixo e bateria. No bolo estavam Pilz, Theo Jörgensmann e Perry Robinson. Até onde sei, não deixaram registros oficiais.

Em 1980, Pilz desembarcou na Alemanha para participar do clássico festival “Total Music Meeting”. Junto com ele, vinha seu fiel parceiro Buschi Niebergall (com quem gravou Celeste), o antigo amigo Peter Kowald (dobrando o baixo) e o baterista britânico Tony Oxley. Para fechar o grupo, o clarinetista e saxofonista francês Michel Portal. Um quinteto finíssimo, que nunca gravou junto, mas que demonstra grande afinidade para desenvolver momentos de elevada música. Existem apenas duas faixas desse encontro registradas; na primeira, os baixos abrem em arrepiante intersecção, seguidos pela entrada e dominância do clarinete baixo de Pilz. O segundo tema tem no diálogo dos dois sopros seu centro. Música nunca antes repetida e registrada de forma pouco planejada (nada de versão oficial do encontro), mas que oferece material intenso a ser (re)descoberto.

1. Intro/Radio (0:56)

2. Impro I (13:47)

3. Impro II (16:25)

liv

*Michael Pilz: bass clarinet

*Michel Portal: sax, bass clarinet
*Buschi Niebergall: bass

*Peter Kowald: bass

*Tony Oxley: drums

Recorde at Total Music Meeting, Berlin, Germany. November 1980.

Talento sombreado: Michel Pilz

2011-08-29T22:44:00.009-03:00

Michel Pilz (Alemanha, 1945) pertence ao ramo dos músicos discretíssimos, muitas vezes sombreados por seus pares. Chega a ser mais lembrado por sua ligação com Manfred Schoof e Alex Von Schlippenbach que por sua obra em si. Como Pilz não gravou muito como líder –além de parte desse material estar fora de catálogo–, não é comum vermos seus discos circulando nem no mundo virtual. Sua especialidade é o clarinete-baixo, instrumento que costuma ser diretamente associado no free jazz a Eric Dolphy (1928-1964), que desempenhou papel central no estabelecimento do idioma moderno desse sopro. Para o crítico Joachim Berendt, foi por meio de Dolphy que o clarinete-baixo “se tornou definitivamente um instrumento de jazz”.
É claro que houve outros músicos antes de Dolphy que testaram, esporadicamente, esse sopro no jazz. Ainda na década de 1920, Omer Simeon (1902-1959) fez isso ao lado de Jelly Roll Morton. O baritonista Harry Carney (1910-1974) fez o mesmo enquanto trabalhava na orquestra de Duke Ellington. Mas Dolphy é o pai do clarone moderno, sem dúvida. Foi ele que abriu um caminho depois muito explorado na Europa, nicho no qual floresceram figuras como Michel Portal, Willem Breuker, Gunter Hampell e John Surman. Contemporaneamente, Hans Koch e Louis Sclavis estão entre os que têm colaborado para a expansão do idioma do clarinete-baixo. E Pilz deveria ser reverenciado como pólo central nessa seara.

Michel Pilz cresceu em Luxemburgo, onde foi para conservatório estudar música clássica, dedicando-se ao clarinete. Adentrou a seara jazzística nos anos 1960, tendo se aliado em 68 ao quinteto de Manfred Schoof (vídeo abaixo), com quem tocaria nas décadas seguintes. Logo se juntaria também à Globe Unity Orchestra, aparecendo nos álbuns “Live in Wuppertal” (73), “Pearls” (77) e “Compositions” (80). Pilz chegou a gravar com o cultuado grupo krautrock “Guru Guru”, participando de “Globetrotter” (77). Paralelamente, montou seus trios/quartetos e começou a arquitetar sua obra, relativamente discreta. Carpathes (75), ao lado de Peter Kowald e Paul Lovens, é um precioso registro desse momento. Na sequência viria “One Year” (78), com a participação do trompetista japonês Itaru Oki, que retornaria em “Jamabiko” (83), álbum que trazia nas baquetas Mohammad Ali. Nos anos 2000, o instrumentista focou seus esforços em um trio regular (Christian Ramond, baixo; Klaus Kugel, bateria). Com eles, lançou em 2003 “Arbor”.

Pilz mereceria ter um destaque maior na cena –e não me refiro apenas dentre os que exploraram o mesmo instrumento que ele. Sendo um dos raros nomes totalmente focado no clarinete-baixo, o músico deixou registros de grande expressividade e força, infelizmente muitos deles esquecidos.
Um de seus melhores trabalhos é Celeste, editado em 1978. Acompanhado do baterista Uwe Schimitt e de seu costumeiro parceiro Buschi Niebergall no baixo, Pilz exibe pontos amplos de sua música, oscilando beleza contemplativa com dinâmica e agilidade. Da esfera sombria de sua música, emergem as faixas “Celeste” e “Linde”; caso distinto é “Telep”, que mostra a força e a pegada mais arisca de sua improvisação. Dono de colorido que varia entre o robusto e o lírico, Pilz faz deste Celeste um disco realmente revelador e central em sua obra, injustamente pouco incensada.

1. Celeste (4:14)

2. Prompt (8:42)

3. Mira (8:48)

4. Telep (7:37)

5. Mergansee (9:30)

6. Linde (6:25)

clst

*Michel Pilz: bass clarinet
*Buschi Niebergall: acoustic bass
*Uwe Schmitt: drums

Recorded date: Frankfurt, March 1978

Sob a liderança de Norris 'Sirone' Jones

2011-08-21T20:53:00.001-03:00

Norris Jones. Era com esse nome que o baixista, conhecido depois no meio free como Sirone, participava de gigs em seus primeiros tempos. Ainda em sua Atlanta natal, tocou jazz com George Adams e R&B com Sam Cooke. Um encontro com Dave Burrell o levou a NY em 1965, mudança que o colocaria na nascente cena free e o tornaria, ao lado de Henry Grimes, Alan Silva e Peter Kowald, um dos mais requisitados baixistas do meio.

Norris ‘Sirone’ Jones (1940-2009), desde que desembarcou em NY, tocou com muitos dos nomes centrais do movimento: Cecil Taylor, Pharoah Sanders, Marion Brown, Noah Howard, Sonny Sharrock, Roswell Rudd, Dewey Redman, Charles Gayle, Andrew Cyrille e outros tantos. Em 1971, Sirone co-fundou um dos grupos mais interessantes da free music, o Revolutionary Ensemble, que contava ainda com Leroy Jenkins e Jerome Cooper. O Revolutionary Ensemble trazia uma formação pouco usual –baixo, violino e percussão– e uma sonoridade ímpar. O grupo lançou discos fundamentais, como “Vietnam” (72) e “The Psyche” (75), que devem fazer parte de qualquer discoteca básica. O trio se desmanchou em 77, voltando a se reunir nos anos 2000. Trio acústico, o Revolutionary Ensemble oscilava momentos camerísticos com ataques ásperos, em passagens que ecoam o esquema de radicalização do uso das cordas desenvolvido pelo compositor Krzysztof Penderecki.

Na década seguinte, Sirone se uniu a seu antigo amigo George Adams, a Rashied Ali e a James ‘Blood’ Ulmer para formar o “Phalanx”, quarteto de free jazz que lançou dois belos trabalhos, “Original” (1987) e “In Touch” (1988), antes de desaparecer precocemente. Nesse período, Sirone se fixou em Berlim, onde morreria em outubro de 2009. Além dos álbuns e gigs, o baixista fez música para cinema e teatro. Apesar de haver gravado dezenas de discos, Sirone pouco deixou de registros como líder.

O primeiro desses raros exemplares, Artistry, data de 1978, tendo aparecido pelo desconhecido selo ‘Of the Cosmos’, pouco depois do fim do Revolutionary Ensemble. Mais uma vez, o baixista se envolveu com a criação de um conjunto de instrumentação pouco comum: baixo, flauta, violoncelo e percussão. "I wanted to do something completely different than what I did with the Ensemble but I wanted another sound not with the traditional instruments you hear in the music and I thought of a flute but I did not want a saxophone player who doubled on the flute, I wanted a flautist", declarou o músico sobre o grupo com quem gravou este Artistry. Em certo aspecto, a sonoridade deste album não é oposta ao que ele vinha fazendo com o seu projeto mais famoso. Não que os resultados sejam similares, mas carregam um espírito que os aproxima e faz com que dialoguem sem arestas.

Arty

*Sirone: bass

*James Mewton: flute

*Muneer Beranrd Fennell: cello

*Don Moye: percussion

Recorde at Generation Sound, NYC, Jul 5, 1978.

'SOL 6': datas e locais confirmados

2011-08-20T17:30:00.002-03:00

A Desmonta oficializou: datas e locais para as apresentações do SOL 6 estão definidos. Para quem vive fora de SP, o legal é que passarão também por Minas Gerais. Para quem toca, um detalhe relevante: haverá, além dos shows, oficinas ministradas pelos músicos.

O baixista Luc Ex e o pianista Veryan Weston, que encabeçam o sexteto, já estão ficando mais conhecidos pelo público local atento à cena free; ambos estiveram no país em 2010 e 2009, em diferentes contextos. Luc Ex tocou com Ken Vandermark em dezembro passado; Weston se apresentou com Trevor Watts um pouco antes, em setembro; no ano anterior, os dois haviam estado no CCSP, com o Speeq de Phil Minton.

O SOL 6 é um projeto bem fresco, nascido em 2008 pelas mãos de Luc e Veryan. Lidando com material composto pelos dois líderes e muita improvisação, o SOL 6 também passeia por temas e sons de músicos de campo distinto, como Charles Ives e Eric Satie, opção que enfatiza, em muitas passagens, o colorido camerístico do grupo. A voz é outro recurso explorado pelo conjunto, com a maioria dos instrumentistas arriscando-se em vocais pontuais. As referências amplas fazem com que, em meio ao trabalho desenvolvido, possam ser pincelados pelos ouvintes traços de jazz, cabaret, punk e free improvisation, tudo harmonicamente construído e lapidado.

Uma versão mais ampla, o SOL 12 (vídeo abaixo), surgiu em 2009, mantendo o processo original, mas adicionando novos instrumentos –dentre esses, o trombone de Johannes Bauer e a guitarra de Hasse Poulsen.

**SOL 6 no Brasil**

*Luc Ex: baixo

*Veryan Weston: piano, voz

*Ingrid Laubrock: saxofone

*Hannah Marshall: violoncelo, voz

*Mandy Drummond: viola, voz

*Serigne C M Gueye: bateria, percussão

Datas

*Quando: 16/9

*Onde: Pouso Alegre, Minas Gerais (Conservatório Estadual de Música Juscelino Kubitscheck de Oliveira) (oficina + show)

*Quando: 18/9

*Onde: CCSP (show)

*Quando: 19/9

*Onde: Faculdade Santa Marcelina/SP (oficina + show)

*Quando: 21/9

*Onde: CCSP (oficina)

Ivo Perelman Quartet - Live - NY

2011-08-18T19:53:00.003-03:00

O quarteto de Ivo Perelman voltou a se reunir em julho passado em NY. Da formação que vimos em SP em setembro de 2009 (Matthew Shipp no piano, Joe Morris no baixo), mudaram de mãos apenas as baquetas –sai Gerald Cleaver, envolvido em outras gigs, e entra Luther Grey, assíduo acompanhante de Morris em seus álbuns.

A apresentação a seguir ocorreu no dia 13 de julho passado, no Issue Project Room. Todo o show foi disponibilizado no youtube, em cinco partes. Abaixo fica a primeira; para ver o restante, basta ir em 2, 3, 4 e 5.

Infelizmente, parece que o quarteto não virá ao Brasil neste segundo semestre, como era esperado...

O que vem (e o que pode vir) por aí em breve

2011-08-16T22:58:00.006-03:00

Agosto não promete nada mais muito empolgante em termos sonoros para as próximas semanas.
Mas setembro já aponta com eventos de interesse acústico bem variado. Muita coisa boa a ser conferida, com preços e propostas variáveis...

--------------------------------------------------------------

***SETEMBRO***

“BRANFORD MARSALIS”

Quando: 6/9; às 21h

Onde: Teatro Bradesco

Quanto: de R$ 40 a R$ 120

Branford não carrega mais a carapuça de irmão rebelde dos Marsalis. Mesmo que se mostre sonoramente mais aberto que seu famoso irmão, Branford não é nenhum provocador: mantém um som elegante e com belos momentos e vale ser apreciado por quem estima um jazz serio. O saxofonista esteve no Brasil em 2004 e 2008. Quem nunca viu, não deveria perder.

-------------------------------------------------------

“CYRO BAPTISTA & THE BANQUET OF THE SPIRIT”

Quando: 15/9; às 21h

Onde: Sesc Pompeia

Quanto: R$ 16 (inteira)

Cyro Baptista (1950) é um paulista que adentrou a cena americana na década de 1980. Dono de amplo aparato percussivo, se juntou a potências do free (John Zorn, Derek Bailey), colaborou com jazzistas de pegada mais tradicional (Wynton Marsalis), artistas da MPB (Caetano) e do pop (Paul Simon, Sting). Em meio a essa trajetória eclética, compôs ampla pesquisa percussiva. Desembarca em sua terra natal com um projeto fresco, o “The Banquet of the spirit”, e promete apresentar composições de John Zorn (provavelmente de seu projeto ‘Masada’).

----------------------------------------------------------

“OTIS TRIO 5”

Quando: 30/9; às 20h30

Onde: Sesc Vila Mariana

Quanto: R$ 12 (inteira)

Na estrada desde 2007 e depois de percorrer firmes points de fina música na noite paulistana (Syndikat, Serralheria, Bar B, The Orleans, Studio SP, Sapataria), o Otis Trio desembarca pela primeira vez no palco do Sesc Vila Mariana (que já recebeu os lendários Peter Brotzmann e Art Ensemble of Chicago). Para esta empreitada, o trio original –Luiz Galvão (guitarra), João Ciriaco (baixo) e Flávio Lazzarin (bateria) – recebe a adição de Beto Montag (vibrafone) e do incendiário saxofonista Andre Calixto. Próximo passo para o Otis? Algum grande Festival de Jazz nacional (já passou da hora!).

---------------------------------------------------------

“SOL 6”

Informação ainda extra-oficial, o sexteto europeu Sol 6, comandado pelo baixista holandês Luc Ex, promete reforçar a agenda de setembro. Nada ainda foi divulgado (locais, datas), mas encontrei no Myspace do percussionista Serigne C M Gueye (que já tocou em vários esquemas com Luc Ex) informações relevantes. Ao que tudo indica, Serigne acompanhará o Sol 6 ao Brasil e ele conta: estarão por aqui entre os dias 18 e 22 de setembro, com dois encontros no CCSP, além de outras três apresentações pela cidade (ele cita o bairro de Perdizes e a Casa de Yaya). Resta esperar as confirmações nas próximas semanas. O Sol 6 conta, além de Luc, com nosso conhecido pianista Veryan Weston e a saxofonista Ingrid Laubrock como destaques.

----------------------------------------------------------

Esta é ainda mais extra-oficial, comentário de corredor de show mesmo: estariam acertando a vinda, para o fim de 2011/começo de 2012, do trio do guitarrista David Torn, que conta com nada menos que o grande Tim Berne no sax. Esta aí uma notícia para se esperar com alta expectativa por seu acerto. Imperdível, no mínimo.

Para quem perdeu o Jazz em Agosto ontem...

2011-08-14T16:03:00.001-03:00

Na noite de ontem subiu ao palco do lisboeta Jazz em Agosto o quarteto Lean Left. Também apresentado como “The Ex Guitars Meet Nilssen-Love/Vandermark Duo”, o projeto marca o encontro do free americano e europeu com o rock. O 'Lean Left' surgiu em 2008 quando os guitarristas Andy Moor e Terrie Ex, da clássica banda pós-punk holandesa “The Ex”, se uniram ao sax de Ken Vandermark e às baquetas de Paal Nilssen-Love para uma temporada nos palcos europeus. A turnê de 2008 deu origem a dois álbuns: “Vol. 1” (2010) e Vol. 2 (2011), captados em Amsterdã.

Este bootleg vem da mesma turnê de 2008, mas se deu na cidade de Barcelona. A apresentação começa com discrição, concentrada nas divagantes guitarras de Andy e Terrie, que montam o clima abrindo os ouvidos para a entrada incandescente do tema seguinte, conduzido por Vandermark e Paal. O que fica comprovado é que o duo de sax e bateria do americano e do norueguês está cada vez mais afiado. Aos que foram anteriormente apresentados aos fortes registros que a dupla já fez, como Dual Pleasure (2002) e Milwaukee Volume (2010), esses outros encontros apenas reafirmam a impressão consolidada da relevância de seus nomes para a cena atual. Após a longa introdução de sax e batera da segunda faixa, as guitarras surgem, lá pelos 11 minutos (a extensa improvisação supera os 36 min.), para elevar o tom e a energia. É um processo que se desenvolve sem pressa e, no bom sentido, sem rumo exato. Cada músico sente quando solicitado ou não, podendo calar-se ou passando apenas a balbuciar se necesário, sem manter uma necessidade eufórica de segurar a tensão no pico da força de ponta a ponta. Mas não nos enganemos: tal pico enérgico é mantido na proporção exata, pontuando brechas de respiro para os tímpanos sem deixar a temperatura se dissolver. Esse é um encontro bastante diferente do projeto “The Ex & Brass Unbound”, pois aqui não se tratam de canções escancaradas em releituras de espaços free; a improvisação livre e a experiência puramente instrumental é a forma que molda o esquema. Não à toa, os registros que existem do Lean Left até o momento são todos retirados de apresentações ao vivo.

O quarteto fará uma longa turnê no mês de setembro pela Europa, com passagens por Holanda, Bélgica, Inglaterra, Polônia, Noruega, Finlândia, Áustria e Eslovênia. Quem por acaso estiver perdido no próximo mês em alguma dessas paradas, não deveria desperdiçar a oportunidade de vê-los em ação.

"Lean Left"

*Ken Vandermark: tenor sax, clarinet

*Paal Nilssen-Love: drums

*Terrie Ex: electric guitar

*Andy Moor: electric guitar

1) 11:01

2) 36:35

3) 7:37

4) 6:04

Live recorded at the Sala Apolo, Barcelona (Spain), 17nd of march 2008.

Informação organizada: artigo de luxo

2011-08-10T22:59:00.001-03:00

“The Penguin Guide to Jazz”

*Autores: Richard Cook e Brian Morton

*1.700 pags. (+-)

*Editora: Penguin

*Edições em inglês

Há algum tempo, quando decidi comprar em um saldão da livraria Martins Fontes uma edição do clássico The Penguin Guide to Jazz, não sabia o quanto o cardápio desse suntuoso guia me surpreenderia. O título é muito claro: Guide to Jazz. Mas encontra-se lá também vasta cobertura de nomes variados da free music: Evan Parker, Brotzmann, Phil Minton, Sunny Murray, Peter Kowald, Joe Maneri, Alan Silva, Paal Nilssen-Love –Derek Bailey tem seis páginas dedicadas à sua obra –, todos contemplados com resenhas de seus álbuns, dividindo espaços com Louis Armstrong, Coleman Hawkins e Wynton Marsalis. Na introdução, os autores dizem que a free music trouxe um problema para as classificações quando o tema é jazz. Mas que, considerando que as conexões entre improvised music e jazz são indiscutíveis, não viram motivos para serem preconceituosos e deixarem a free music de fora. O livro aborda, em sequencia alfabética de músicos, as diferentes faces sonoras oriundas do jazz, em todas suas vertentes, apresentando pequenas fichas e críticas de cada álbum selecionado.

Penso que a leitura aberta proposta pelo livro em muito pode ser compreendida pelo fato de seus autores serem dois críticos britânicos, Richard Cook (1957-2007) e Brian Morton (1954), bons conhecedores da cena free europeia e distantes de puritanismos estéreis. A trajetória deles indica bem seus gostos e rumos: Cook editou periódicos como New Musical Express (NME) e The Wire; Morton contribuiu muito com a Jazz Review e comandou por longos anos um programa de jazz contemporâneo e improvised music na Radio 3 (ligada à BBC).

A história do The Penguin Guide to Jazz começa em 1992, quando é editado pela primeira vez. Periodicamente, o mercado recebeu uma nova versão, revista e ampliada (as mais recentes alcançam as 1.700 páginas), do guia. Em 2008, pouco após a morte de Cook, surge a nona e última edição publicada. Em dezembro de 2010, Morton lançou The Penguin Jazz Guide: The History of the Music in the 1001 Best Albums, que se apresenta como uma versão mais enxuta de seu livro clássico e trouxe uma incógnita: agora, sem seu parceiro de projeto, haverá novas versões do Penguin Guide to Jazz?

Nesses tempos de downloads e Ipod, muitos devem se perguntar: mas para que serve um guia de discos? Alguém ainda compra discos? Para a música de consumo rápido –e mesmo o jazz e suas cercanias podem se encaixar aí– , ouvida semanas seguidas e depois esquecida ou deletada, informação é um bem supérfluo: que importa saber quem são as figuras que compõem o conjunto ou quando o trabalho foi gravado ou mesmo o que pessoas abalizadas escreveram sobre aquele som? Há também os que nada mais compram pois, afinal, tudo está aí, circulando sem amarras pela internet. Definitivamente, The Penguin Guide to Jazz não tem nenhuma serventia para esses...

Omaggio a John Lee Hooker (1917-2001)

2011-08-07T22:09:00.009-03:00

John Lee Hooker foi se deitar normalmente. Era a noite de 20 de junho de 2001. Aos 83 anos, ele não pressentia o que estava por vir: havia até se comprometido com uma nova turnê, a ser iniciada no dia 31. Mas aquela seria a última vez em que se recostaria à sua cama; não acordou mais: as cinco décadas de estrada de um dos mais celebrados bluesmen encontrava seu fim.

Foi na cidade de Clarksdale, no Mississippi, que Hooker nasceu em 22 de agosto de 1917. Garoto de coro gospel em sua terra natal, descobriu a guitarra e o mundo do blues por intermédio de seu padrasto, o músico William Moore. Sua jornada musical iria de fato se iniciar somente nos anos 1940, quando se muda para Detroit. Trabalhando em uma fábrica de automóveis e tocando nos bares à noite, Hooker recebeu a primeria oportunidade para gravar em 1948, quando o produtor Bernard Besman ouviu o conselho de um amigo e lançou o single “Boogie Chillen”. Para surpresa geral, o disco se tornou um hit de jukebox e permitiu que Hooker pudesse passar a se dedicar profissionalmente à música. Logo depois, em 51, viria “I’m in the Mood”, outro de seus temas-marcos, que também tocou incessantemente quando saiu.

Mas esses sucessos iniciais não engordaram nem sua fama nem seu bolso. Hooker passou a primeira metade dos anos 1950 gravando irregulares sessões sob diversos pseudônimos, para variados selos, até assinar com a Vee Jay Records lá para 1955 –é aí que sua carreira vai se corporificar. Muitas das canções gravadas para a Vee Jay nos anos seguintes seriam reunidas no álbum I'm John Lee Hooker (59/60), que trazia alguns de seus mais fantásticos temas (“Dimples”, “Hobo Blues”, “I´m so Excited”, Little Wheel”, “Maudie”). Porém, teria de aguardar até a década de 1960 para começar a ser realmente celebrado: é nesse tempo que jovens roqueiros e boêmios passam a citá-lo como referência, ajudando-o a ser descoberto por um circuito mais amplo de ouvintes e abrindo as portas da Europa para seu som. A revitalização do folk no período também o catapultou: mesmo não sendo um exemplo pulsante de certo arcaísmo sonoro, Hooker se distanciava da linha de outros bluseiros de então, deixando de modernizar e/ou requintar seu estilo. Dono de voz profunda e quente, ele manteve sua guitarra crua, sem se encantar com pedais e efeitos, durante (praticamente) toda sua trajetória. Sem ser instrumentista ou cantor virtuoso, conduzia solos pouco ornamentados, focados na intensidade expressiva de alguns riffs, criando hipinóticos grooves. O minimalismo de seu dedilhado era acompanhado pelas pancadas secas dos protetores colocados na sola dos sapatos, com os quais marcava o tempo, solução que pontuava de forma única sua sonoridade. Seus discos e shows solistas sintetizam em muito esse processo: é nessas aparições, o homem e sua guitarra apenas, que se pode compreender uma face profunda de sua criação. The Country Blues of John Lee Hooker (59), com a belíssima ‘Tupelo’, é uma entrada vital nesse universo. E Alone, gravado ao vivo em 76, é o clássico do formato.

Mas não foi apenas de crueza solista que se compôs o melhor de sua trajetória.

Apesar de não ser um inventivo melodista, Hooker gestou, acompanhado normalmente de pequenos conjuntos, trios e quartetos, temas que poderiam ser desses hits inesgotáveis (no bom sentido), que preenchem saborosamente trilhas sonoras de filmes e ondas radiofônicas décadas adentro: basta ouvir “Boom Boom”, “Big Legs, Tight Skirt”, “Dimples” e “Drug Store Woman” para ser de imediato contagiado.
Apesar de nunca ter se ligado ao universo jazzístico, Hooker teve curiosos encontros com figuras do gênero: o mais conhecido desses ocorreu em 1990 quando gravou ao lado de Miles Davis a trilha para o filme “The Hot Spot”; em 92, o veterano guitarrista participou do disco “I Heard You Twice Fisrt Time”, do saxofonista Branford Marsalis; tempos antes, em 74, foi Hooker quem recebeu como convidado, em seu disco “Free Beer and Chicken”, Sam Rivers, que aparece tocando flauta.

O sucesso comercial alcançaria Hooker em 1989. “The Healer” é o nome do álbum lançado naquele ano, que contou com participações dos astros Carlos Santana e Robert Cray. Esse foi o álbum de Hooker que mais vendeu em sua carreira, além de ter rendido a ele um prêmio Grammy. Mas, quem percorreu (ou percorrer) sua obra, sabe que este é um de seus trabalhos menos interessantes, calculadamente produzido, tendo sido limpadas com cuidado as rudes arestas que singularizam sua música. Um pouco antes, em 87, o público já havia recebido “Jealous”, que prenunciava o rebento de dois anos depois. Basta ouvir as versões das clássicas “I´m in the mood” e “Baby Lee” para comprovar a perda de certo sabor original. Assim, seria erro grave começar a ouvir John Lee Hooker pelos seus álbuns ‘super produzidos’, feitos a partir de meados dos 80. Como ele gravou antes dezenas de discos, não falta material de primeira linha para ser apreciado e descoberto, sem guardar impressões (para o bem e para o mal) que não condizem com o mais profundo de sua arte.

Concert at Newport é uma preciosa oportunidade para encontrar o John Lee Hooker mínimo, micro; voz, guitarra e “banquinho”. Ele se apresentou em algumas edições do ‘Newport Folk Festival’, onde foi captada esta apresentação, nos anos 60. Seu maior hit, ‘Boom Boom’, está aqui presente em versão menos swingante que a costumeiramente executada. Ponto a destacar: a canção-narrativa ‘Tupelo’. Sua letra aborda uma grande enchente que arrasou a pequena cidade de Tupelo.
“Did you read about the flood? / It happened long time ago, in a little country town, way back in Mississippi / It rained and it rained, it rained both night and day /
The people got worried, they began to cry, / "Lord have mercy, where can we go now?" / There were women and there was children, screaming and crying, / "Lord have mercy and a great disaster, who can we turn to now, but you?". Hooker improvisa encima da letra (maior que o trecho destacado), não a seguindo verso a verso, criando uma paisagem visual-sonora arrepiante (ps: atenção aos sapatos, em todo o disco, marcando o tempo no chão do palco).

1. I Can't Quit You Now Blues

2. Stop Baby Don't Hold Me That Way

3. Tupelo

4. Bus Station Blues

5. Freight Train Be My Friend

6. Boom Boom / Talk That Talk Baby

7. Sometimes Baby, You Make Me Feel So Bad

8. You've Got To Walk Yourself

9. Let's Make It

10. The Mighty Fire

concert

Original release date: 1964

Lisboa abriga o melhor do free nos próximos dias

2011-08-06T16:59:00.002-03:00

Enquanto escrevo estas linhas, a saxofonista alemã Ingrid Laubrock, ao lado da guitarrista Mary Halvorson, se prepara para subir ao palco do Anfiteatro ao Ar Livre da Fundação Calouste Gulbenkian, em Lisboa (Portugal). O local sedia o fantástico festival Jazz em Agosto. A 28ª edição do evento teve inicío na noite de ontem, com a apresentação do gênio Cecil Taylor.

Começando timidamente em 1984, focado em artistas locais, o Jazz em Agosto pode ser considerado hoje com tranqüilidade um dos eventos centrais da música livre atual. Basta ver quem completa o line up desta sua 28ª edição para entender a afirmação: após Cecil Taylor e Ingrid Laubrock/Mary Halvorson, seguem Peter Brotzmann (Hairy Bones); Ken Vandermark/Nilssen-Love Duo (com The-Ex Guitars); Wadada Leo Smith; Mats Gustafsson (Fire!); Humanization 4TET; e Darius Jones (Littlle Women), tudo isso concentrado em poucos dias, entre 5 e 14 deste mês.

O palco central do evento é montado em meio a um parque repleto de árvores e, conta-se, é possível ouvir, enquanto os músicos estão em ação, a algazarra dos patos que habitam um lago que rodeia o museu da Fundação .
Além dos concertos, o público poderá assistir sessões de cinema, que contarão com os filmes: “Cecil Taylor: All The Notes”, “Black February: a film about Butch Morris”, “Play Your Own Thing/A Story of Jazz In Europe” e “Femmes Du Jazz/Women In Jazz”.

Prateleiras incendiadas: coisas boas que chegam

2011-08-02T23:01:00.009-03:00

A virada do semestre foi marcada pelo desembarque de material novo, pulsante e enérgico oferecido por algumas figuras centrais da free music –boa parte deles, curiosamente, com passagens recentes pelo Brasil. Sons para ouvidos finos e inquietos, uma serie incrível que dificultará a eleição do 'Top 10' de 2011 (e isso porque estamos apenas destacando certos pontos luminosos da safra...).

Já recuperado do transplante de rim que enfrentou em 2009, David S. Ware aparece em alto estilo neste Planetary Unknow. Para fazer do álbum um marco, o saxofnista convocou o recluso baterista Muhammad Ali, que deixou a cena ativa ainda na década de 1980. Na reunião genial não podia faltar, claro, William Parker no baixo. O pouco lembrado pianista Cooper Moore completa o quarteto. “Passage Wudang” abre o disco com seus quase 22 minutos. Poderia abrir e fechar que a conta estaria bem paga.

Delicadeza com arestas: este é mais um belo dueto de sax e piano conduzido por Mr. Archie Shepp, que já explorou o formato em seus extremos ao lado de Dollar Brand, Mal Waldron, Horace Parlan e Siegfried Kessler. Do clássico colemaniano “Lonely Woman” (em versão arrepiante) ao standard “Sophisticated Lady”, Shepp é acompanhado nesta investida pelo pianista alemão Joachim Kühn. A suja balada “Nina” é um dos momentos que por si só valem o disco.

Joe Morris, que vimos em palcos brasileiros empunhando baixo, marca presença nas prateleiras também com sua inigualável guitarra. Morris estampa dois álbuns que chegam ao mercado, dois duos com pianistas distintos. O primeiro lançamento é um encontro da guitarra com o piano do espanhol Agustí Fernandez, com quem realizou seis improvisações, todas chamadas Ambrosia, em outubro de 2010.

A outra parada com Morris o traz ao lado de Matthew Shipp. Os dois reeditam um encontro que já havia rendido o incrível “Thesis”, em 1997. Neste Broken Partials, encontramos uma extensão das experiências de uma década atrás, mas com uma diferença fundamental: sai a guitarra e entra o baixo. Mesmo que Morris não seja o número 1 do baixo (longe disso), como pode ser considerado à guitarra (ao menos entre os vivos), um encontro entre ele e Shipp não é material para ser ouvido e esquecido.

Outro que chega em lançamento duplo é Mats Gustafsson. Com seu trio Fire!, Mats solta o segundo rebento, Unreleased?, que traz dessa vez um convidado especial: Jim O’Rourke. O resultado é forte, com o quarteto seguindo a linha do primeiro disco, mas adicionando as fagulhas de Jim, que passa por guitarra, sintetizador e harmônica. Quem esteve no Sesc em maio passado sabe o impacto das intervenções do Fire!

A outra novidade do saxofonista sueco revisita um de seus outros incensados projetos, o trio Tarfala, que teve sua primeira aparição no longínquo 1992, ao lado do baixista Barry Guy e do percussionista Raymond Strid. De som bastante distinto do Fire!, dentro de uma linhagem free improv europeia clássica, o Tarfala ainda está em excelente forma. Dúvidas? Ouça este Syzygy, LP duplo com tiragem limitada de 600 cópias.

Para arrebatar qualquer entusiasta e fechar de forma eufórica esta singela lista: Mr. Peter Brötzmann recebeu finalmente a homenagem que o mundo lhe devia: Soldier Of The Road é o nome do documentário assinado pelo diretor Bernard Josse, que visita o saxofonista (e artista plástico) e sua singular música, montando um retrato do mestre alemão que se estende por 93 minutos. Bastidores, turnês, entrevistas com figuras como Evan Parker, Joe McPhee, Han Bennink e Mats Gustafsson formam o filme que tem sua gênese no trabalho do jornalista francês Gerard Rouy, que começou, ainda em 1972, a documentar, por meio de fotos e entrevistas (boa parte do material está no documentário), a trajetória deste já mítico símbolo da música livre.